Chers lecteurs, vous avez des goûts éclectiques. Des succès du box office, des films d'auteurs, des comédies, une Palme d'or, un Ours d'or et un Lion d'or. Et même le film oscarisé de l'année en tête. Du Québec à l'Iran, les films que vous avez le plus consulté ne sont pas forcément nos choix en tant que critiques. Comme souvent les films sortis au début de l'année, et déjà en DVD/Blu-Ray prennent l'avantage.
Aujourd'hui, à Rome, le parlement européen a fait connaître ses trois finalistes pour le prix LUX 2011. Les grands noms - Wenders, Ruiz, Moretti, Kaurismaki ... (voir les sélectionnés) - n'ont pas été retenus.
Les trois finalistes sont Attenberg de Athina Rachel Tsangari (Grèce), primé à Venise (meilleure actrice) et à Thessalonique (prix spécial du jury), Les neiges du Kilimandjaro de Robert Guédiguian (France), sélectionné à Un certain regard à Cannes cette année et Play de Ruben Östlund (Suède, France, Danemark), sélectionné à la Quinzaine des réalisateurs à Cannes cette année.
Les films sélectionnés seront diffusés lors des Journées des Auteurs de Venise du 31 août au 10 septembre 2011. Puis entre le 4 et 11 octobre 2011, les films en compétition seront projetés au Parlement européen et le vote des députés interviendra à l'issue de la projection.
Enfin, les 15 et 16 novembre 2011, le lauréat du Prix LUX 2011 sera annoncé lors d'une cérémonie officielle à Strasbourg.
Le prix Lux du parlement européen a révélé sa premier sélection lors du Festival international du film de Karlovy Vary (Rép. Tchèque). Créé en 2007, ce prix valorise le cinéma européen et ses forces créatives. Les dix sélectionnés seront réduits à trois lors du festival de Venise avant de connaître le gagnant en novembre. Celui-ci gagnera le soutien financier nécessaire pour que les copies du films soient sous-titrées dans les 23 langues officielles de l'Union Européenne.
Les 10 sélectionnés :
Morgen, de Marian Crisan - Festival de Locarno
Les neiges du Kilimandjaro, de Robert Guédiguian - Festival de Cannes
Frédéric Sojcher (Cinéastes à tout prix) est un tel amoureux du cinéma qu'il filme avec un appareil photo une déclaration d'amour à la diversité culturelle. Sujet aussi politique que peu cinématographique, il réussit l'exploit de nous passionner pour un débat complexe et ancien avec des moyens à la limite du bricolage. Il s'aide de l'humour absurde, d'un rythme incessant, d'une dérision loufoque, voire d'un effet de joyeux bordel propre à son sujet : l'Europe. Cet hymne au cinéma européen est une contestation de la domination américaine, qu'il assimile à une entreprise guerrière de propagande. HH, Hitler à Hollywood (site officiel) n'évite aucun de ses paradoxes : Maria de Medeiros, actrice / réalisatrice portugaise, parlant français et anglais, connue essentiellement pour son rôle dans Pulp Fiction, oeuvre américaine par excellence, fait un documentaire sur Micheline Presle, l'une des doyennes du cinéma français qui a connu le succès à Hollywood. Cette ambivalence entre les cinémas européens et américains permet de confronter les visions des deux cinémas avec les nuances nécessaires.
Sojcher mise sur une esthétique propre : Medeiros est la couleur et la lumière quand les décors et les personnages secondaires sont davantage saturés et presque effacés. L'appareil photo qui sert de caméra rend l'ensemble fascinant et démontre que le cinéma est l'affaire de tous, comme la Nouvelle Vague avait rendu désuet les productions en studio. Il y a un goût de la liberté qu'on ressent jusque dans les moyens techniques. Cette même aspiration à vouloir être "indépendant" des normes américaines se retrouve à travers un tour d'Europe (Paris, Bruxelles, Londres, Berlin, Venise, Cannes, Malte, soit les trois grands lieux de festival et les deux plus importantes métropoles) qui commence comme une enquête et se termine comme une poursuite digne d'un Jason Bourne.
Le prétexte est de retrouver un film perdu. Plus la vérité approche, plus le mystère se dissipe, plus notre investigatrice découvre avec effroi les objectifs de la toute puissance américaine. Hollywood hits. Les succès d'Hollywood, comme vecteur de communication globale. Une frappe massive, loin d'être chirurgicale, qui n'admet pas la résistance du cinéma d'ailleurs. A travers des discussions, des témoignages, un scénario finalement bien ficelé, Sojcher démontre comment le cinéma américain, par des manipulations politiques, une force de frappe financière, une assimilation culturelle, a détruit le cinéma européen.
Il faudrait que la Commissaire européenne à la Culture voit ce film, écoute ce que Angelopoulos, Konchalovski, Schlöndorff, Wenders, Kusturica disent. Leurs arguments sont imparables sur le déséquilibre des forces, sur l'absence totale de synergie communautaire. Les Américains peuvent sortir leurs films dans toute l'Europe, squatter la plupart des écrans d'un multiplexe : les Européens, non. Où est le choix? Les Américains peuvent doubler leurs films dans la langue locale, les Européens subissent l'impact du sous-titrage. Ce protectionnisme unilatéral prend sa source dans les accords Blum-Byrnes en 1947, avantageant les productions américaines en facilitant leurs exportations. HH, Hitler à Hollywood devient ainsi un plaidoyer désespéré pour l'exception culturelle. Désespéré mais pas désespérant : c'est vif, efficace, instructif pour qui souhaite comprendre l'appauvrissement cinéphilique de ces trente dernières années.
A une semaine du Festival de Cannes, forteresse imprenable du cinéma international et des auteurs, Sojcher pousse un cri pour rappeler à quel point le cinéma ne peut exister qu'en étant varié. Avec le doyen Oliveira en guise d'image finale, il espère que cet art vieux de plus cent ans, comme son doyen, est éternel et ne mourra jamais.
Filmer cela avec un appareil Canon, une égérie du cinéma d'après guerre et une fiction autour d'une stratégie politique digne d'une stratégie guerrière, était sans aucun doute le meilleur moyen de hurler, de se battre, de rêver. Cela reste aussi une Utopie, comme il le signifie dans les derniers plans. Un idéal accentué par la faible combinaison de salles qui le diffuseront lors de sa sortie alors qu'il mériterait une extension du domaine de lutte jusque dans les collèges et lycées de l'Union européennne.
Venus en force présenter Detective Dee à Venise, les acteurs du film se sont prêtés de bonne grâce au jeu des questions-réponses. Rencontre avec Andy Lau et Li BingBing (au centre de notre photo) entre humour, décontraction, charme et élégance.
Comment est-ce de travailler avec Tsui Hark ? Andy Lau : Johnny To est 100% dans le contrôle : cheveux, image, écran, il maîtrise tout. C'est le roi. Wong Kar-wai : n'attendez pas un script de lui... Et Tsui Hark, c'est tout simplement un réalisateur épuisant. Avec lui, on travaille 24 heures par jour. Il ne vous laisse ni manger, ni vous reposer... Sur le tournage, tout ce que j’avais à faire basiquement était de suivre ses indications... Quand je joue, je ne fais que ce que le réalisateur me dit !
Quel regard portez-vous sur votre carrière ?
AL : Je suis dans le business cinématographique depuis près de vingt ans, j’ai fait plus de 120 films, j’aime vraiment tellement le cinéma, je travaille dur pour que les gens se souviennent de moi, et je pourrais continuer à faire des films l’un après l’autre toute ma vie. Je suis prêt pour l'Europe ou les USA, je n’attends que des propositions...
Que préférez-vous comme type de rôle ? AL : Comme acteur plutôt qu’un rôle avec des arts-martiaux ou un rôle de méchant gangster, je crois que je préfère un rôle dans une comédie, mais ce n’est pas évident ,car j’ai un visage plutôt sérieux. Un de mes film préféré est Love on a diet, je joue un personnage en surpoids avec une allure très différente. En fait, je voudrais un jour réaliser un film moi-même, une comédie, mais je n’ai pas encore de projet en ce sens.
Que pensez-vous des films américains qui utilisent des arts martiaux ? AL : Il faut reconnaître qu’un film d’action est plus à même d’avoir du succès dans d’autres pays. Il y a toujours un attrait pour les arts martiaux, c’est très visuel. Dans le cinéma de Hong Kong, il y a une histoire avec les films d'arts martiaux, qui dure depuis environ 50 ans. Ça a évolué avec des intrigues intéressantes. En occident, aux Etats-Unis, le fait d'intégrer des arts martiaux est assez récent, c’est pour eux surtout des combats très visuels...
Comment les effets spéciaux influent-ils sur votre métier de comédien ?
AL : C’est plus facile pour nous, car les effets spéciaux nous aident par exemple à avoir moins de protection sur le corps.
Li BingBing, qu'est ce qui a été le plus dur sur ce film : les scènes d'arts martiaux ou les scènes dramatiques ? Li BingBing : Ce qui compte, c'est la façon différente de travailler. J’aime passer de l’un à l’autre, ça dépend de mon humeur, mais j’ai beaucoup d’énergie et j’aime bien quand on fait les combats !
Quel est votre film préféré dans votre carrière ?
LBB : Je devrais dire Detective Dee ? Je préfère dire que c’est le prochain qui n'est pas encore tourné. D’ailleurs, dans mon nouveau projet, pour la première fois je participerai à la production !
Si on vous donnait une fortune, que préféreriez-vous entre produire, réaliser et jouer ?
LBB : Je doute que vous puissiez me donner autant d’argent, alors ça ne sert à rien d’y penser...
Lors du dernier festival de Venise, Tsui Hark était sur le Lido pour défendre son nouveau film, Detective Dee : le mystère de la flamme fantôme, qui sort mercredi sur nos écran. Un film d'action spectaculaire qui s'inspire d'un personnage réel, le fameux Detective Dee, véritable Sherlock Holmes de la Chine impériale. Rencontre avec un réalisateur passionné.
Pour ce film, vous vous inspirez de personnages qui ont vraiment existé comme l’impératrice Wu Ze Tian, et le fameux Detective Dee (le juge Ti) popularisé en Occident par les romans de Robert van Gulik…
Tsui Hark : En effet, il s’agit de personnages très célèbres. A l’époque où se déroule le film, il y avait dix mille cas de meurtres par an. Le détective Dee était célèbre pour les résoudre. Ce genre d’histoire peut être de la fiction, mais là en plus, ce sont des faits réels ! Cela constitue donc un excellent matériau pour faire un film. En tant que réalisateur, c’est un défi à relever d’utiliser des personnages historiques dans un récit de fiction. Il y a environ 5 ans le producteur du film et le scénariste Chang Chia-Lu m’ont proposé de mettre en image Detective Dee, et en fait c’est ce genre de projet que je voulais mettre en route depuis des années. Nous avons donc eu différentes versions du script et pas mal d’échanges d’idées pour arriver au résultat final.
Certains comparent Detective Dee à une sorte de Sherlock Holmes asiatique…
TH : Je suis un grand fan de Sherlock Holmes. Il peut tout vous dire sur qui s’est assis sur cette chaise, par exemple en trouvant un long cheveu brun ou une trace de chaussure à talon. Chez lui, l’esprit et la logique dominent. Detective Dee me semble très différent, il fait plus attention aux comportements des témoins par exemple. Il n’a pas de logique, mais une personnalité qui nous charme. De toute façon, on est toujours charmé par les personnages de détective…
Le film regorge d’effets spéciaux vraiment impressionnants. Selon vous, est-il plus facile de tourner ce type de films aujourd’hui grâce aux progrès de la technique, ou est-ce au contraire plus complexe ?
Déjà, il faut trouver une bonne maison d’effets spéciaux, qui soit capable de fournir exactement ce dont on a besoin pour le tournage, et cela dépend aussi du budget dont on dispose. Les effets spéciaux peuvent être un très bon outil mais ça peut aussi fragiliser la crédibilité d’une scène. Il ne faut pas se reposer dessus et être extrêmement prudent avec.
Pour vous, qu'est-ce qu'un bon film, un film dont vous pouvez être fier ?
TH : Si on m’avait demandé ce que je voulais faire avec ce film, j’aurais répondu que je serais fier de réaliser un grand film qu’on pourrait voir et revoir pour toujours sans en être lassé, mais personne ne peut prétendre faire ça.
Chaque film s’inscrit dans le temps où il a été conçu. Pour chaque très bon film, il y ensuite beaucoup de gens qui essaient de l’imiter ou de s’en inspirer. Un film original un moment le devient moins après que d’autres en reprennent certains éléments. A mon sens, un très bon film, c’est celui dont vous retirez une nouvelle expérience ou une nouvelle appréciation à chaque fois que vous le regardez.
Alors bien sûr, cela peut être une histoire un peu difficile à comprendre, ou une mise en scène sophistiquée où l’on remarque des éléments en plus quand on revoit le film une seconde fois. Pour parvenir à ces différentes visions il faut réaliser le film avec plusieurs couches, plusieurs niveaux de lectures avec un sens en surface et un autre plus souterrain.
À l’occasion de la sortie du premier livre d’entretien en français avec le cinéaste culte Monte Hellamn et de la sortie prochaine de son nouveau film Road to Nowhere (le 6 avril, l'histoire d'un réalisateur de films embarqué malgré lui dans une conspiration criminelle), Le Nouveau Latina et Capricci Films organisent ce mardi 15 février une soirée exceptionnelle autour du cinéaste et en sa présence.
Accro au bitume, fan de contre-culture américaine, désenchantés du flower power, si vous aimez les road movies, American Graffiti et Easy Rider (et si vous aimez Reservoir Dogs !), programmez votre GPS destination le Nouveau Latina :
- à partir de 19h : Signature de son livre "Sympathy for the Devil" au salon de thé du Nouveau Latina (1er étage)
- 20h : Macadam à deux voies (sa réalisation la plus connue dont on fête les 40 ans) . Outre la présentation du film, une rencontre avec Monte Hellman est prévue, orchestrée par Emmanuel Burdeau.
- 22h10 : Reservoir Dogs, le film culte de Quentin Tarantino, produit par Monte Hellman.
Hellman a fait ses débuts sous la direction de Roger Corman, producteur de série B, qui a également fait débuter Scorsese et Coppola, en réalisant une parodie de film d'horreur, Beast from Haunted Cave, en 1959. Il deviendra aussi monteur sur des films de Peckinpah, Raffelson et Demme.
Après le pastiche de film d'horreur, Monte Hellman se lance dans des westerns nouveaux genres, avec Jack Nicholson pour deux d'entre eux.
Il enchaîne les flops, et autant de films devenus cultes ou de curiosités entre initiés. Road to Nowhere sera sa première réalisation en 21 ans. Il avait reçu un Lion spécial à Venise en septembre dernier, alors que Tarantino présidait le jury. Road to Nowhere y était présenté en compétition, où, à 76 ans, il faisait figure de vétéran. Il y évoquait la difficulté qu'il avait eu à développer ses projets, puisqu'aucun ne s'est concrétisé. Trente ans d'écritures stériles. "Je préfère un bon film hollywoodien à un film indépendant. Il y en a peut-être cinq par an, mais ils valent toujours la peine" expliquait-il. "Il fallait sortir de là, ne plus dépendre du bon vouloir d'autrui, en finir avec les compromissions. Ma fille a pris les choses en main et a réuni des investisseurs privés. Le film, avec tous les salaires en participation, s'est monté pour environ 5 millions de dollars."
La nouvelle d'Haruki Murakami, Norwegian Wood (La ballade de l'impossible), a été adaptée par Tran Anh Hung. le film, sélectionné à Venise puis Toronto, sort depuis quelques semaines dans les pays asiatiques: 11 décembre au Japon, 22 décembre au Vietnam, puis à Taïwan, en Russie et maintenant à Hong Kong.
Il a fallu quatre ans à l'écrivain japonais pour accepter qu'on trahisse son livre, qui raconte l'expérience universelle d'un premier amour et d'un premier deuil. Les négociations avec le romancier à succès ont été longues et compliquées. Le nom de Murakami figure finalement à l'affiche comme co-scénariste.
Norwegian Wood (1987) est son plus grand succès avec plus de 9 millions d'exemplaires vendus. Il emprunte son nom à une chanson des Beatles.
Le film est entré 8e du box office de Hong Kong cette semaine en récoltant 127 000 $ dans 12 salles. Au Japon, il est déjà un joli succès : 6e après 3 semaines d'exploitation, il cumule déjà 9,6 millions de $ de recettes. Il fait ainsi mieux que Robin des Bois sorti la même semaine. En Russie, il est 9e avec un circuit de 6 copies seulement. A Taïwan, il a déjà trois semaines au compteur, 130 000 $ de recettes et se maintient dans le Top 15.
Il sortira en Europe entre mars et juin.
C'est d'ores et déjà le plus gros succès pour le cinéaste franco-vietnamien depuis L'odeur de la papaye verte (Caméra d'or à Cannes et César de la première oeuvre) et Cyclo (Lion d'or à Venise).
Comme à Ecran Noir on aime vous faire partager nos découvertes, alors après Music For One Apartment And Six Drummers réalisé par Ola Simonsson et Johannes Stjarne Nilsson, voici l’instant Court n° 14.
C’est le tout début de l’année 2011 et enfin le moment de découvrir en salles le film Somewhere de Sofia Coppola qui était parvenu à remporter le Lion d’or du festival de Venise. C’est son 4ème long-métrage, mais Sofia Coppola a réalisé encore plus de formats courts : le court-métrage Lick the star, deux publicitéx pour un parfum, une poignée de clips musicaux (notamment pour the White Stripes, the Flamming Lips…). Sofia Coppola est passée aussi parfois devant la caméra (des apparitions dans les films de son père Francis Ford Coppola) pour faire l’actrice dans quelques clips-vidéos, dont on retiendra Sometimes Salvation de the Black Crowes mis en images par Stéphane Sednaoui.
A l’aube des années 90, Sofia Coppola devient amie avec Spike Jonze en passe de devenir un des réalisateurs de clips les plus remarqués du moment, ils se marieront en 1999 avant de divorcer en 2003. Cette séparation va être abordée par Sofia dans son premier scénario original (qui lui fera gagner un Oscar) Lost in translation : une jeune femme s’ennuie dans un hôtel pendant que son amoureux qui réalise des clips s’amuse de son côté…
Voila donc le court-métrage Electrobank réalisé par Spike Jonze, un clip pour le groupe the Chemical Brothers (dont on voit la photo à la fin), avec en actrice principale Sofia Coppola. On la découvre dans un rôle de gymnaste qui n’est pas très éloignée de ce que la jeune Sofia Coppola de 1997 va devenir ensuite : elle veut à la fois être la meilleure possible dans son art et en même temps briller aux yeux de ses amis et parents. A noter que dans son dernier film Somewhere Sofia Coppola intègre une scène qui fait un peu écho à ce clip : à la patinoire la fillette voudrait que son père remarque ce qu’elle sait faire…
Le réalisateur Spike Jonze s’est depuis illustré au cinéma avec Dans la peau de John Malkovitch, Adaptation et Max et les maximontres. Il continue de réaliser des clips de musique et autres courts-métrages comme I’m here.
Jafar Panahi ne sera probablement pas au Festival de Berlin, où il avait été invité à être membre du jury, en février prochain. De la même manière, on ne le verra sans doute ni à Cannes, ni à Venise, ni dans aucun de ces nombreux festivals internationaux qui avaient pris sa défense l'an dernier après son arrestation par le régime iranien.
Le réalisateur iranien vient en effet d'être condamné à six années de prison "pour participation à des rassemblements et pour propagande contre le régime". Par ailleurs, son avocate Farideh Gheirat a ajouté qu'il est également "frappé d'une interdiction de réaliser des films, d'écrire des scénarios, de voyager à l'étranger ou de donner des interviews à des médias locaux ou étrangers durant les 20 prochaines années", avant de préciser qu'elle allait faire appel de cette décision.
Mohammad Rasoulof, un autre réalisateur iranien qui travaillait avec Jafar Panahi avant son arrestation, a lui aussi été condamné à six ans de prison pour des faits similaires.
Avec ce jugement, le pouvoir iranien poursuit donc la stratégie consistant à isoler le réalisateur, aussi bien humainement que professionnellement, en le privant de toute possibilité de s'exprimer à l'intérieur comme à l'extérieur de son pays. Une fois qu'il sera emmuré dans ce silence forcé, qu'il effectue ou non les six années de détention fait presque l'impression d'un détail, puisque son esprit, ses idées et son désir de créer seront prisonniers à l'intérieur de la pire prison qui soit, celle du corps. A ce compte-là, sur l'échelle de la privation de liberté, seules les potentielles tortures physiques et les privations font une réelle différence. Il semble donc clair que Jafar Panahi est destiné à servir d'exemple aux yeux de tous ceux qui, en Iran, pourraient être tentés de suivre ses pas sur le chemin de l'opposition ouverte au régime.
Quelle que soit l'issue de l'inégal bras de fer qui oppose le cinéaste aux autorités d'un pays bien décidé à maintenir une chape de plomb sur ses citoyens, on peut compter sur la mobilisation des milieux culturels et cinématographiques du monde entier. Mais cette fois, un soutien politique, diplomatique et économique ne serait pas de trop : il ne s'agit plus tant d'injustice que de meurtre à petit feu.
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