Retour sur le 21e festival de courts métrages de Winterthur

Posté par MpM, le 28 novembre 2017

Plus important festival de courts métrages de Suisse, Internationale Kurzfilmtage Winterthur, dont c’était cette année la 21e édition, s’est tenu du 7 au 12 novembre dernier. Organisé autour de plusieurs compétitions (internationale, suisse et films d’écoles suisses), il proposait notamment des journées professionnelles, des programmes pour la jeunesse, des focus géographiques (l’Asie du Sud-Est et la Grèce) ou encore des rétrospectives monographiques autour de cinéastes comme Pimpaka Towara (Thaïlande) et Freddi M. Muerer (Suisse).

Un programme dense et varié mais pas intimidant pour autant, puisque la concentration des lieux de projection et la répétition des séances permet de profiter assez largement des différents programmes.

Une compétition exemplaire


Comme c’est souvent le cas, les regards étaient particulièrement tournés vers la compétition internationale qui réunissait 37 films venus du monde entier. Et c’est vrai que cette sélection (réalisée de manière collégiale par le directeur artistique John Canciani et son équipe) est exemplaire de tout ce que l’on recherche traditionnellement en festival : éclectique, équilibrée, assumant des prises de risque audacieuses, et mêlant des œuvres fortes déjà repérées par ailleurs à des premières mondiales d’envergure ou des films plus fragiles et confidentiels. Bien sûr, les amateurs de cinéma dans un sens restrictif (très attaché à « l’histoire », par exemple) peuvent ne pas y trouver leur compte. Mais pour les cinéphiles soucieux de se confronter avec la réalité d’une production qui ne cesse de se chercher, voire de se réinventer, c’est évidemment une chance formidable !

À force de fréquenter les festivals, on finit par repérer ceux qui ne cherchent pas à "protéger" leur public de ce qu'il pourrait ne pas aimer, l'enjeu n'étant jamais tant de faire aimer les films que de donner à voir ce qui constitue un paysage cinématographique particulier. Winterthur a ainsi fait l'impasse sur les traditionnelles concessions à un goût présumé du grand public pour le classicisme. On n’a pas vu pendant le festival suisse de ces films éternellement sélectionnés en festival pour servir de transition ou de respiration entre deux œuvres plus puissantes. Des films inaboutis, des réalisations maladroites, oui, mais pas ces terribles films moyens qui n’apportent rien à celui qui les regardent, et d’où toute idée de cinéma semble définitivement exclue.

Amener le spectateur à sortir de sa zone de confort est probablement la mission la plus importante des festivals de cinéma, et elle est indéniablement remplie par l'équipe des Internationale Kurzfilmtage Winterthur qui avait réuni des films offrant tous un intérêt propre, que ce soit en terme esthétique, dramatique, scénaristique, ou de réflexion sur le cinéma lui-même. Des films qui parfois nous bousculent, nous dérangent, nous interpellent par leur formalisme, leur propos ou leur radicalité. Qui semblent élargir la définition que l’on peut avoir du cinéma, ou en tout cas viennent la questionner.

Retrouvailles et découvertes


On a ainsi revu avec plaisir quelques-uns des courts métrages les plus passionnants de l'année, comme The burden de Niki Lindroth von Bahr (Quinzaine des réalisateurs et Cristal du court métrage à Annecy), comédie musicale animalière en stop motion dans laquelle des poissons solitaires, des singes travaillant dans un centre d'appel et des souris employées de fast-food chantent leur mal de vivre, dans un manifeste hilarant et désespéré à la fois ; Gros chagrin de Céline Devaux (Lion d'or à Venise), récit d'une rupture amoureuse qui oscille entre l'humour d'une comédie sentimentale et l'amertume bouleversante d'une relation qui s'achève, réalisé à la fois en prise de vues réelles et en animation (avec la technique rare de l'écran d'épingles) ; After school knife fight de Caroline Poggi et Jonathan Vinel (Séance spéciale à Cannes), chronique adolescente stylisée et élégante sur la fin d'une époque ; Möbius de Sam Kuhn (Semaine de la Critique), ovni lynchien qui tient tout autant du récit initiatique que du conte cruel ; et Selva de Sofia Quiros (Semaine de la Critique), oeuvre sensorielle et fantomatique, à la beauté sidérante, sur la fatalité des départs et des séparations. Lire le reste de cet article »

Incapable de filmer en Thaïlande, Apichatpong Weerasethakul prospecte en Colombie

Posté par vincy, le 14 mars 2017

Apichatpong Weerasethakul pourrait tourner pour la première fois loin de sa Thaïlande. En Colombie plus précisément. Palme d'or en 2010, le cinéaste a confié quelques détails sur son projet au Hollywood Reporter. Il va effectuer un voyage de deux mois dans ce pays sud-américain afin de vouloir comprendre "la violence qui s'est développée ici et l'histoire de la colonisation", ce qui, selon lui, fait écho à son propre pays. Cette recherche devrait aboutir à un film, qu'il souhaiterait tourner sur place.

Il explique qu'il est actuellement contrarié par la censure et le climat politique de la Thaïlande, qui est régit par une Loi martiale depuis mai 2014. Il confie au journal professionnel américain qu'il est obsédé depuis un moment par l'Amérique latine. Alors qu'il présentait une rétrospective de son œuvre au Festival de Carthagène, en Colombie, la semaine dernière il a décidé d'expliquer et de justifier dans ce projet.

Amoureux de la jungle et de ses animaux, il voudrait s'affranchir de la vision occidentale de cette forêt tropicale, cette "romantisation" comme il la définit. Il accuse d'ailleurs les artistes occidentaux d'avoir influencé les auteurs, les cinéastes et les populations en montrant une jungle qui n'a rien à voir avec la réalité, mais qui est devenue dans les livres, les films et les esprits une sorte de vision unique de la jungle.

Devant l'impossibilité de filmer librement - la Loi en Thaïlande interdit d'évoquer ou critiquer la monarchie, la religion ou l'armée - il préfère aller filmer la réalité ailleurs. Les films en Thaïlande sont considérés comme de la propagande. De nombreux artistes sont menacés ou emprisonnés depuis le coup d'Etat militaire.

Quand Hunger Games inspire les manifestants thaïlandais…

Posté par vincy, le 8 juin 2014

Parfois la culture envahit l'espace politique. Non, il ne s'agit pas d'une manifestation d'intermittents. Ici on parle d'une révolution (pas si) tranquille en Thaïlande. Là bas, le bras est tendu, les trois doigts du milieu sont joints, l'auriculaire est replié. Cela ne vous rappelle rien?

Bien sûr si vous n'avez pas lu ou vu The Hunger Games, vous ignorez que ce salut symbolise la protestation du peuple opprimé contre l'élite tyrannique. Dans la trilogie imaginée par Suzanne Collins, les personnes qui s'exposent ainsi sont menacées d'exécution.

Pour démontrer que le récent Coup d'Etat thaïlandais n'était pas à leur goût, les manifestants ont décidé de faire le même signe de ralliement. Dans le film c'est un symbole de rébellion contre la dictature.

Dans l'ancien royaume de Siam, c'est devenu un symbole de liberté. C'est d'autant plus courageux qu'une loi martiale a été imposée empêchant tout regroupement de plus de cinq personnes. Depuis la prise du pouvoir par l'armée, après des mois de crises entre royalistes et démocrates, l'armée a mis un couvercle sur la libre expression.

Les manifestants thaïlandais demandent d'ailleurs l'abrogation de cette loi martiale et le retour d'un gouvernement civil. Cela n'a pas freiné la police, qui a arrêté une femme pour avoir brandit trois doigts dans la rue, si l'on en croit le Bangkok Post.

Cannes 2011 – le chiffre du jour : 130 000 spectateurs

Posté par vincy, le 21 mai 2011

130 000 entrées pour la Palme d'or de 2010, Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures. Un seul film a fait pire, Les meilleures intentions, en 1992, avec un peu plus de 90 000 spectateurs. Oncle Boonmee s'approche donc davantage du Goût de la cerise, avec ses 160 000 curieux en 1997.

Mais osons le dire : sans la Palme d'or, le film de Apitchapong Weerasethakul n'aurait sans doute pas briller ainsi. C'est un record pour ce cinéaste si confidentiel aux oeuvres souvent hermétiques. Sans doute son film le plus accessible, Oncle Boonmee a réussit un exploit en plein automne. Et ce film a déjà rapporté dans le monde plus de 1 million de $ de recettes. Aux Etats-Unis, avec 155 000 $ de recettes (il est toujours à l'affiche), il fait même mieux que L'Eternité et un jour, Sous le soleil de Satan et Papa est en voyage d'affaires. Il pourrait même battre Underground au final.

Si c'est en France qu'il a connu la plus grosse audience, il aussi touché les italiens, les espagnols et les britanniques. Dans son propre pays, où il était interdit aux moins de 15 ans, Oncle Boonmee a récolté 32 000 $, le classant au 164e rang de l'année. Mais reconnaissons qu'il est rare de voir un film thaïlandais cartonner en Occident, hormis Ong Bak. Et les films d'auteurs asiatiques font rarement de tels scores.

La prochaine Palme aura pour défi de remplir un peu les salles. Cela fait 7 ans qu'une Palme d'or n'a pas été un succès au box office américain (Fahrenheit 9/11). En France, Entre les murs en 2008 est le seul millionnaire depuis 2005.

Les Weinstein osent produire un remake des Sept Samouraïs

Posté par vincy, le 5 mai 2011

Les Sept Samouraïs, chef d'oeuvre d'Akira Kurosawa (Lion d'argent à Venise en 1954), avait déjà donné lieu à une version hollywoodienne autrement légendaire : Les Sept mercenaires, western de John Sturges de 1960.
Les frères Weinstein ont enrôlé le réalisateur britannique Scott Mann pour faire un remake. The Weinstein Company s'est associé avec Kurosawa Prods pour financer le film, estimé à 60 millions de $.
Il s'agira d'une variation contemporaine de la même histoire, qui se déroulerait dans le nord de la Thaïlande, avec sept mercenaires du monde entier chargés de protéger une ville contre une attaque. Le scénario a été écrit par John Fusco (Young Guns et sa suite, The Babe, Hidalgo, Le Royaume Interdit). Tournage prévu d'ici à la fin de l'année.

Scott Mann a tourné en 2007 The Tournament, inédit en salles en France, et sorti au début de l'année en DVD.

Nicolas Winding Refn prépare son prochain film avec Gaumont et Wild Bunch

Posté par vincy, le 4 mai 2011

Gaumont et Wild Bunch se sont associés pour coproduire le prochain film du cinéaste danois Nicolas Winding Refn, Only God Forgives (Seul Dieu pardonne).

Kristin Scott-Thomas et Luke Evans sont en négociations avancées, selon Variety, pour interpréter les rôles principaux de ce film se déroulant dans le milieu du jeu, de la boxe et de la prostitution de Bangkok, en Thaïlande. L'histoire de vengeance est centrée sur un flic thaïlandais et un gangster britannique se cachant dans l'ex-Royaume du Siam.

Le tournage débuterait en novembre et serait prêt pour le second semestre 2012.

D'ici là, Winding Refn montera les marches cannoises où il est en compétition officielle avec Drive. Il pourra en profiter pour vendre son nouveau projet dans les salons privés des grands hôtels ou les allées du Marché du film.

Luc Besson, Michelle Yeoh et Aung San Suu Kyi dans la lumière

Posté par vincy, le 8 décembre 2010

Trio improbable? Le réalisateur producteur scénariste Luc Besson, la star asiatique féminine du film d'action Michelle Yeoh et l'opposante birmane Prix Nobel de la Paix, tout juste "libérée" Aung San Suu Kyi sont pourtant liés par un même film : Dans la lumière.

Des médias thaïlandais ont rapporté que l'actrice, très impliquée dans le bouddhisme et diverses actions humanitaires, tournait sous la direction de Luc Besson. Le nouveau film du cinéaste, dont on ne savait pas grand chose jusqu'à présent, sera donc un film sur l'activiste birmane. "C'est un film sur Aung San Suu Kyi. Nous l'avons approuvé il y a longtemps et ils ont tourné dans plusieurs sites en Thaïlande", a indiqué Wannasiri Morakul, directeur du Bureau thaïlandais du cinéma, une agence gouvernementale en charge les films étrangers.

Du côté de Mme Suu Kyi, on confirme que Michelle Yeoh a rencontré deux fois celle qu'elle incarne à l'écran,  l'opposante au régime militaire birman. C'est la deuxième fois que Yeoh tourne sous la direction d'un réalisateur français, après Mathieu Kassovitz pour Babylon A.D..

Besson devrait ensuite enchaîné avec un film de science-fiction, dans la lignée du Cinquième élément. Sur Europe 1, en octobre, il confiait : "Quand j'ai fait le Cinquième élément, j'avais des outils technologiques qui étaient un peu obsolètes déjà. Avec l'arrivée du numérique, c'est incroyable ce qu'on peut faire. On peut imaginer n'importe quoi, il y aura toujours des techniciens pour vous suivre dans votre délire".  "Je pense que le tournage sera en 2012-2013, parce que ca va être très très gros."

Le billet de Morgane : Alamar et Mundane History à Paris Cinéma

Posté par Morgane, le 9 juillet 2010

Paris Cinéma continue son petit bonhomme de chemin dans les salles obscures et la compétition révèle petit à petit ses films. J’ai eu pour le moment l’occasion de voir Alamar du mexicain Pedro Gonzales-Rubio et Mundane History de la thaïlandaise Anocha Suwichakornpong.

Ces deux films, fort différents dans leur conception même, ont tout de même un point commun?: celui de la relation entre un père et son fils. Mais si chez Pedro Gonzales-Rubio celle-ci est sublimée, chez Anocha Suwichakornpong elle est absente, inexistante et destructrice. Là où elle est au centre dans Alamar, elle se noie dans un cycle beaucoup plus large et plus grand qu’est celui de la vie dans Mundane History. L’un enchante, l’autre étonne, surprend mais abandonne le spectateur par une construction trop destructurée et qui parait non justifiée.

Et comme Alamar enchante, de par son histoire simple, sa frontière quasi invisible entre fiction et documentaire et ses paysages à couper le souffle, j’ai rencontré le réalisateur pour en savoir un peu plus sur l’origine de ce film et sa construction. Entretien avec Pedro Gonzales-Rubio.

Cannes : la belle carte à jouer de l’Asie

Posté par MpM, le 8 mars 2009

ThirstEnfant chéri de Cannes ces dernières années, l’Asie pourrait à nouveau arriver en force sur la Croisette. Ainsi, si l’on en croit la rumeur, Johnnie To aurait déjà son ticket pour le tapis rouge. En tant que réalisateur, pour Vengeance, où il dirige Johnny Hallyday, et/ou en tant que producteur avec Accident de Pou Soi Cheang, à qui l’on doit notamment Dog bite dog. A moins qu’il ne s’agisse encore d’un de ces buzz purement gratuits qui amusent tant le délégué général Thierry Frémaux …

La concurrence est en effet rude du côté de Hong Kong et de la Chine continentale. Lou Ye, qui concourait pour la palme d’or en 2006 avec Une jeunesse chinoise, met la dernière main à Spring fever. Wang Chao, sélectionné à Un certain regard la même année avec Voiture de luxe, est lui en train d’achever Starting over. Enfin, la réalisatrice Yimeng Jin a en stock Sophie’s revenge avec Zhang Ziyi, l’ancienne assistante de Jia Zhang-ke, Carol Lai, a terminé Shuffle et Tian Zhuangzhuang est de retour avec The warrior and the wolf.

Par ailleurs, du côté coréen, trois cinéastes qui ont déjà eu les honneurs de la croisette sont sur les rangs  : Park Chan-wook (Thirst), Bong Joon-ho (Mother) et Hong Sang-soo ; tandis qu’au Japon, on table sur un ancien lauréat, Hirokazu Kore-eda (Air doll), et sur un "petit nouveau", Hideo Nakata (Gensenkan), qui est le candidat idéal pour une séance de minuit à forte teneur horrifique.

On attend aussi beaucoup de la Thaïlande, qui est en train de s’imposer comme le nouvel Eldorado des cinéphiles. Wisit Sasanatieng, qui fut le premier réalisateur thaïlandais présenté en Sélection officielle (en 2001, avec Les larmes du tigre noir, dans la section Un certain regard), travaille à Red eagle. Son compatriote et complice Pen-ek Ratanaruang (venu présenter Ploy à la Quinzaine des Réalisateurs en 2007) a également un projet en cours : Nymph.

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Musée Guimet : focus sur le cinéma thaïlandais contemporain

Posté par MpM, le 31 janvier 2009

Au fil du MékongAvec son nouveau cycle "Au fil du Mékong", l’auditorium du Musée des arts asiatiques propose jusque fin juin une programmation éclectique s’intéressant à trois pays bordés par le célèbre fleuve : la Birmanie, le Laos et le Thaïlande. Si les deux premiers seront uniquement abordés sous l’angle des "rites et croyances des peuples et minorités ethniques" (les nagas birmans, le peuple karenni, le bouddhisme et les bouddhas d’or, les rites laotiens…) par le biais d’une quinzaine de documentaires, le dernier bénéficiera à la fois de cette facette thématique (les esprits, les Akhas, la fête des eaux…) et d’une exploration plus fictionnelle offrant un véritable panorama du cinéma thaïlandais contemporain.

Cette cinématographie, qui s’impose depuis une dizaine d’années comme l’une des plus originales et novatrices du monde, existe quasiment depuis l’invention des frères Lumière. Elle a connu un premier âge d’or dans les années 30 et un véritable renouveau à la fin des années 70. Mais la concurrence conjointe des films hollywoodiens et de l’essor de la télévision a réduit de manière drastique la production locale après 1981. La Thaïlande est ainsi passée de 150 films locaux par an en 1978 à seulement une dizaine au milieu des années 90.

La nouvelle vague actuelle a été initiée par trois réalisateurs de publicité (Nonzee Nimibutr, Pen-ek Ratanaruang et Wisit Sasanatieng) qui, en 1997, décident de reprendre la Blissfully yourscinématographie locale en mains en proposant une qualité artistique susceptible de séduire aussi bien les investisseurs que le public. Cela donne 2499 antapan krong muang (écrit par Wisit Sasanatieng et réalisé par Nonzee Nimibutr) et Fun Bar Karaoke (de Pen-ek Ratanaruang, Prix spécial du jury au Festival des 3 continents de Nantes), qui sont d'énormes succès au box-office thaïlandais.

Un cinéma en vogue depuis huit ans

Mais très vite, l’engouement gagne les grands festivals internationaux. En 2001, le western stylisé Les larmes du tigre noir de Wisit Sasanatieng est le premier film thaïlandais sélectionné au Festival de Cannes. Suivent Monrak transistor (Quinzaine des réalisateurs 2002) et Ploy de Pen-ek Ratanaruang (Quinzaine des réalisateurs 2007) ainsi que deux autres de ses œuvres qui reçoivent les honneurs de Venise et Berlin : Last life in the universe, présenté à la Mostra en 2003 et Vagues invisibles, en lice pour l’Ours d’or en 2006. Enfin, autre grand réalisateur révélé et porté aux nues par le Festival de Cannes, Apichatpong Weerasethakul y reçoit le prix du meilleur film de la section Un certain regard pour Blissfully yours en 2002 et le prix du jury pour Tropical malady en 2004, avant d’être l’un des jurés de la compétition officielle en 2008.

Citizen DogA noter que tous ces films figurent parmi ceux projetés à Guimet d’ici la fin du mois de juin, ce qui en dit long sur la qualité de la programmation. Ce "Regard sur le cinéma thaïlandais contemporain" offre en effet un panorama passionnant des films et des auteurs qui comptent et ont compté en Thaïlande depuis la fin des années 90, ne faisant l’impasse ni sur le courant léger et ultra-loufoque où s’inscrit par exemple la délirante comédie musicale Citizen dog, ni sur la cinématographie plus exigeante et déconcertante représentée par les longs-métrages oniriques et mystérieux d’Apichatpong Weerasethakul. L’occasion de (re)découvrir, en une douzaine de films, toute la richesse et l’inventivité de ce cinéma thaïlandais que l’on ne se lasse pas de voir venir à nous.
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Du 2 février au 24 juin 2009
Séances à 12h15 les lundis, mercredis ou vendredis selon les semaines
Programme complet et informations sur le site de l’Auditorium Guimet