Le Festival de Cannes, ses palmiers, son tapis rouge et ses paillettes… Il y a des images dont on a parfois du mal à se défaire. Pourtant, si certains considèrent Cannes comme le plus grand festival du monde, et si des professionnels du monde entier s’y précipitent chaque printemps, ce n’est pas pour aller à la plage. Qu’est-ce qui fait que le Festival occupe cette place privilégiée dans l’agenda de la planète cinéma, et qu’il s’impose chaque année comme le centre de ce petit monde ? Et au fait, comment “vit-on” Cannes lorsqu’on est producteur, distributeur, organisateur de festival ou réalisateur ? A quelques jours de l’ouverture de cette 72e édition, nous sommes allés à la rencontre de ces festivaliers pas comme les autres dont les réponses nous aident à comprendre pourquoi Cannes bénéficie depuis si longtemps de cette indéfectible aura internationale.

Jean-Noël Tronc, directeur général de la Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique (SACEM), nous parle de la musique à Cannes, et du rôle qu'y joue la SACEM.

Depuis quand la SACEM s'investit-elle au festival de Cannes ? En quoi consiste cet investissement (en général, et cette année en particulier) ?
Cela fait plusieurs années que la Sacem s’associe à l’ensemble des sélections cannoises pour valoriser la musique à l’image et ses compositeurs. Elle accueille ces derniers à l’occasion de la projection du film dont ils ont signé la partition et travaille depuis plusieurs années, avec la Semaine de la Critique et la Quinzaine des réalisateurs notamment, pour mettre en avant leur travail.

La Sacem est devenue partenaire institutionnel officiel du Festival de Cannes en 2018. Nous avons créé avec Thierry Frémaux un rendez-vous consacré à la musique qui met à l’honneur une personnalité pour son engagement envers la musique de Film et les compositeurs : « A Life in Soundtrack ». Lundi 20 mai, au palais des festival salle Bunuel, Bertrand Tavernier recevra cet hommage et nous projetterons à cette occasion un montage inédit, consacré aux musiques et aux chansons du cinéma français, issu de son merveilleux « Voyage à travers le Cinéma français ».
Nous travaillons également étroitement avec les sélections parallèles du festival : la Semaine de la Critique, la Quinzaine des Réalisateurs, l’ACID mais aussi la Cinéfondation avec qui nous organisons des Master Classes comme celle qui mettra à l’honneur Marc Marder, Samedi 18 mai au Pavillon du monde de l’institut Français.

Pourquoi est-ce important d'être présent à Cannes ? En quoi le festival se distingue-t-il selon vous des autres grands festivals internationaux ?
Le festival de Cannes, dont la Sacem est un partenaire institutionnel, représente un enjeu de visibilité majeur pour les compositeurs. Nombreux sont nos membres créateurs qui exportent aujourd’hui leur travail dans ce secteur particulier qu’est la musique de film : Cannes représente une très belle occasion dans l’année de mettre en lumière leur métier.

Comment jugez-vous la place faite à la musique de films à Cannes ?
Le festival accorde une place de plus en plus importante à la musique. Le compositeur est légalement le 3e auteur d’un film, ce que le festival de Cannes a d’ailleurs reconnu en invitant Alexandre Desplat en 2010 et Gabriel Yared en 2017 comme membre de son jury. La Sacem serait effectivement heureuse de voir un jour la musique de films récompensée par une palme.

Avez-vous des conseils concernant les musiques à suivre dans les films de cette édition 2019 ?
Soyons attentifs à la nouvelle génération de compositrices et compositeurs qui arrive à Cannes et qui s’annonce prometteuse : Para One et Arthur Simonini avec Portrait de la Jeune Fille en feu de Céline Sciamma en sélection officielle, Wissam Hojeij avec Ciniza Negra de Sofia Quiros Ubeda à la Semaine, Julie Roué avec Perdrix de Erwan le Duc à la Quinzaine ou encore Alexis Rault avec Les Hirondelles de Kaboul de Zabou Breitman et Eléa Gobé Mevellec et Rob avec Papicha de Mounia Medour tous deux à Un Certain Regard ou encore Benoit de Villeuneuve et Gaspard Clauss avec Vif Argent de Stéphane Batut à l’Acid… et beaucoup d’autres naturellement, ce n’est pas une liste exhaustive.

Pour la première fois de son histoire, la Sacem a réalisé un classement des 20 compositeurs les plus rentables de 2014. Représentant les intérêts des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique, la société s'est basée sur les droits d'auteur collectés pour la diffusion des films dans les salles de cinéma en France, afin de réaliser ce classement. Il n'est donc pas étonnant de retrouver Marc Chouarain, le compositeur de Qu'est-ce qu'on a fait au bon Dieu?, Alexandre Desplat (The Grand Budapest Hotel, Godzilla, Monument men) et Howard Shore (Le Hobbit: la désolation de Smaug) en tête du classement.

Bien qu'il apparaisse clairement que les comédies ont beaucoup plu en 2014, ce classement reflète en partie le milieu. Car si la Sacem représente plus de 18.000 auteurs étrangers, les français occupent pas moins de 17 places. Seuls le canadien Howard Shore (3ème),le marocain Armand Amar (4ème) et le britannique John Powell (9ème) apportent un peu de diversité. Plus encore, comment passer outre la présence d'une seule femme dans ce classement, Marie-Jeanne Serero (13ème) ?

Le classement complet :
1. Marc Chouarain (Qu'est-ce qu'on a fait au bon Dieu ?)
2. Alexandre Desplat (The Grand Budapest Hotel, Godzilla, Monument men)
3. Howard Shore (Le Hobbit: la désolation de Smaug)
4. Armand Amar (Belle et Sébastien)
5. Eric Serra (Lucy)
6. Eric Neveux (Les vacances du petit Nicolas)
7. Christophe Julien (9 mois ferme)
8. Pierre Adenot (La belle et la bête)
9. John Powell (Rio 2)
10. Bernard Lenoir (Les trois frères, le retour)
11. Ibrahim Maalouf (Yves Saint Laurent)
12. Michaël Tordjman (Babysitting)
13. Marie-Jeanne Serero (Les garçons et Guillaume, à table !)
14. Guillaume Roussel (Le crocodile du Botswanga, 3 Days to kill)
15. Maxime Desprez (Babysitting)
16. Thomas Roussel (Eyjafjallajökull, Amour sur place ou à emporter)
17. Alexis Rault (Fiston)
18. Laurent Ferlet (Sur le chemin de l'école)
19. Philippe Sarde (Quai d'Orsay)
20. Hervé Lavandier (Minuscule - la vallée des fourmis perdues)

Alors que le festival de Cannes vient tout juste de débuter, on ne peut que regretter l'absence totale de prix pour les compositeurs, hormis Cannes Soundtrack remis par des critiques. Mais cela n'empêche pas ces derniers de se rendre comme chaque année sur la Croisette. En 2015, sont donc présents:
- Eric Neveux pour La Tête Haute d’Emmanuelle Bercot (film d'ouverture - sélection officielle)
- Jean-Louis Aubert pour L’Ombre des Femmes de Philippe Garrel (sélection de la Quinzaine des réalisateurs)
- Grégoire Hetzel pour Trois Souvenirs de ma jeunesse d’Arnaud Desplechin (sélection de la Quinzaine des réalisateurs)
- Alexandre Desplat pour Il Racconto dei racconti / Tales of tales de Matteo Garrone, (en sélection officielle), et pour Une Histoire de fou de Robert Guédigian (séance spéciale de la sélection)
- Marc Marder pour La Quatrième voie de Guvinder Sing (sélection Un certain regard)
- Bertrand Burgalat pour Gaz de France de Benoît Forgeard (sélection de l’Acid)
- Raphaël pour Les Cow boys de Thomas Bidegain (sélection de la Semaine de la critique)
- Eric Bentz pour Ni le ciel, ni la terre de Clément Cogitore (sélection de la Semaine de la critique)
- Amaury Chabauty pour La Fin du dragon de Mariana Diaby (sélection de la Semaine de la critique)
- Fleming Nordkrog pour La Vie en grand de Mathieu Vadepied (clôture de la Semaine de la critique)

Comment filmer la musique ? C’est à la fois une question rencontrée par bien des cinéastes et le nom d’un atelier de création documentaire initié par les Rencontres Henri Langlois en association avec la SACEM et en coproduction avec Ars Nova ensemble instrumental. Le principe est simple : sélectionner par le biais d’un appel à projet de jeunes réalisateurs diplômés d’un cursus de réalisation documentaire et les faire travailler sur une création contemporaine du compositeur Martin Matalon (Traces I) pour violoncelle et ordinateur. A l’arrivée, cela donne quatre courts métrages de treize minutes, à la fois indépendants et complémentaires, qui tentent de restituer la vision particulière de leur auteur sur la manière de donner corps à la musique.

Dommage, les œuvres ainsi obtenues peinent à dépasser l’exercice de style. Peut-être les jeunes réalisateurs sont-ils trop restés dans le premier degré en illustrant uniquement le processus de création musicale par des images de répétitions entre Martin Matalon et sa violoncelliste Isabelle Veyrier, au lieu de lui offrir une résonnance plus multiple dans d’autres scènes ou d’autres lieux. Toujours est-il qu’on étouffe un peu dans cet huis clos d’un auditorium vide où se joue le tête à tête entre les artistes… De plus, filmés au même endroit au même moment, les quatre films deviennent redondants. Le seul qui soit réellement convaincant est celui qui, justement, s’extrait de ce contexte étriqué pour montrer l’envers du décor, cet ensemble gigantesque d’immeubles qui semblent assaillir la salle de répétition. Il ne s’agit plus de labeur et de minutie mais de sentiments bruts démontrant le pouvoir émotionnel de la musique.

Toutefois, si le résultat peut apparaître mitigé, la démarche n’en est pas moins passionnante, d'autant qu'elle trouve écho sur grand écran, et notamment devant la caméra de réalisateurs confirmés comme Pere Portabella (Le silence avant Bach) ou Carlos Saura (Fados, prévu le 14 janvier). Les deux cinéastes espagnols se sont en effet penchés l’un sur la musique de Bach, et plus généralement la discipline absolue de la création musicale, l’autre sur l’art du fado, ce chant portugais mélancolique et profond. Chacun dans son genre, les deux films expérimentent cette tentative impossible de retranscrire par l’image le pouvoir de la musique : Portabella en tentant de décortiquer ce pouvoir, s’adressant plus à l’esprit de son spectateur qu’à son cœur ou ses sens, Saura en proposant au contraire tout un panel d’émotions et de sensations par le biais d’interprétations variées et complexes seulement appuyées par la puissance affective de la danse. Comme les jeunes réalisateurs de l’atelier de création, ils n’échappent pas à une certaine forme d’exercice de style, mais prouvent ainsi que la question de "comment filmer la musique" garde tout son sens.

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Dans les traces de Camille Fougère
Les sens des traces de Benoit Perraud
Continuum d'Etienne Duval
Traces I : l'esprit, le corps, la machine de Oona Bijasson

Voir des films d'école permet souvent de se faire une idée générale, à défaut d'être précise, de ce à quoi ressemblera la production cinématographique des années à venir. Et parfois, il y a vraiment de quoi être optimiste. On l'est en tout cas à la vision de la carte blanche que la SACEM offrait lundi à la toute jeune école du film d'animation la Poudrière (créée à Valence en 1999) dans le cadre des journées célébrant le centenaire de la musique de films. Au programme, une demi-douzaine de courts métrages de fin d'études (toutes promotions confondues) ainsi que la présentation en avant-première des dix films d'une minute réalisés par les actuels élèves de première année sur le thème de l'insolite au quotidien.

Ce qui frappe tout de suite, c'est l'énergie et l'imagination qui se dégagent des œuvres. Malgré un format très court, chaque réalisateur parvient à imposer son univers et créer une atmosphère extrêmement personnelle. Poétique, avec Chanson aux pommes de Gian-Maria Leroy (2001), un petit conte sans parole sur l'absurdité et la folie du monde. Inquiétant avec Picore de François Bertin, ou la transformation inéluctable d'un homme en oiseau. Parodique avec The end de Camillelvis Théry, dans lequel un personnage de film noir se retrouve propulsé dans les nuages, où le poursuivent d'étranges hommes-poissons. Mais également une comédie musicale... dans un train (Bouts en train d'Emilie Sengelin), une vision météorologique des différends familiaux (L'oeil du cyclone de Julien Bisaro), les Temps modernes à la sauce numérique et informatique (Bob de Jean-Pierre Poirel) et une variation jouissive sur ce qui aurait pu être une fable de La Fontaine opposant une minuscule souris à un gros tigre féroce (La queue de la souris de Benjamin Renner). Les intrigues sont drôles et intelligentes, le rythme est enlevé, l'animation est fluide et graphique... un pur régal.

Du côté de l'insolite au quotidien, on n'est pas en reste. Les réalisateurs sont encore débutants, mais certains scénarios retiennent l'attention : la mascotte d'un paquet de céréales qui dévore les membres d'une famille, un colporteur qui monnaye... des insultes, un auto-stoppeur confronté à la concurrence déloyale d'un blessé sur un brancard... En une minute il faut aller à l'essentiel, accrocher l'attention du spectateur et l'emmener crescendo vers une chute humoristique ou glaçante. On est un peu au-delà du simple exercice de style, et déjà la technique s'affine (presqu'exclusivement du dessin animé) et les premières tendances apparaissent. Aucun doute, la relève est assurée. Côté musique (le prétexte de la séance), les étudiants ont la chance de travailler avec des compositeurs qui leur écrivent des œuvres originales. C'est bien sûr pour beaucoup dans la tenue "professionnelle" des films.

100 ans, décidément, ça se fête ! Après le BéO festival la semaine passée, c'est au tour de la SACEM et du cinéma Le Balzac de célébrer le centenaire de la musique de films, composante indispensable au plaisir cinématographique. Pour bien commencer ces trois jours anniversaires, on a pu assister dimanche soir à un ciné-concert de haute volée sur Schastye (Le bonheur) du réalisateur russe Alexandre Medvedkine. Le film, datant de 1934, suit les aventures rocambolesques d'un petit paysan malchanceux en quête du bonheur. Sous couvert de farce moqueuse, il se pose surtout en critique féroce du système qui, quel qu'il soit, tape toujours sur les plus faibles.

L'originalité de la partition qui accompagnait cette fable aux accents surréalistes est d'avoir été entièrement improvisée lors d'une Master Class organisée conjointement par la SACEM et le Festival international du film d'Aubagne. En huit jours, le pianiste et compositeur Stephan Oliva et les huit compositeurs instrumentistes qu'il avait sélectionnés ont ainsi dû s'approprier le film de Medvedkine et lui imaginer un habillage musical moderne et expressif qui dynamise l'intrigue. Les plaintes terribles du didjeridoo et les voix brouillées de la musique assistée par ordinateur, mêlées aux accords graves du violoncelle et de la contrebasse, apportent une véritable émotion au film. Au contraire, les instruments à vent, la guitare et les percussions pimentent les passages plus légers de bruitages qui ajoutent aux aspects comiques. Combinés, ces effets apportent au film une dimension supérieure, à mi-chemin entre la satire dramatique et la réflexion politique.