Que nous apprennent les Oscars cette décennie? Qu’ils récompensent des films grand public, à quelques exceptions. Ou de très grands auteurs, avec quelques ratés. Ou encore qu’ils n’ont aucun préjugés sur le genre de films. Les Oscars c’est une foire, un big bang où s’netrechoquent le marketing, le box office, les lobbys de critiques, les agents et puis , comme dans une campagne électorale, une dynamique.  Souvent, le film récompensé profite de la statuette pour booster sa fréquentation en salles. On ne compte que trois échecs au box office français, un triomphe et quatre gros succès. Les échecs d’ailleurs concernent les moins bons films et aussi, des réalisateurs considérés comme de bons faiseurs que comme de grands auteurs.

Quelle décennie : Scorsese (enfin!), Jackson, Eastwood (enfin!), les Coen et Boyle. dans ces dix ans où le box office a été dominé par les sagas, une franchise qui reçoit le prix suprême.  Un péplum, deux drames cyniques sur le déclin de l’Amérique, un western, un film de boxe, un polar, une comédie musicale, de l’héroic fantasy, et même une comédie romantique produite en Inde. Hollywood n’a aucun a priori et distingue un premier film de Sam Mendès comme un ovni en hindi de Danny Boyle. Dans tous les cas, Hollywood a changé. Les Oscars se sont mondialisés avec.

2000 : American Beauty (3 001 000 entrées)
2001 : Gladiator (4 806 000 entrées)
2002 : Un homme d’exception (783 000 entrées)
2003 : Chicago (956 000 entrées)
2004 : Le seigneur des anneaux - Le Retour du roi (7 394 000 entrées)
2005 : Million Dollar Baby (3 085 000 entrées)
2006 : Collision (530 000 entrées)
2007 : Les infiltrés (1 807 000 entrées)
2008 : No Country for Old Men (960 000 entrées)
2009 : Slumdog Millionaire (2 687 000 entrées)

“La chose la plus importante dans la vie, c’est le désir.”

L’Histoire : Miss G, professeur d’éducation physique dans un pensionnat pour jeunes filles isolé du monde, est la coqueluche de ses élèves, des adolescentes fantasques qu’elle charme par des récits de voyages exotiques et des propos modernistes. Mais l’arrivée d’une nouvelle étudiante, une aristocrate espagnole en disgrâce, bouleverse la vie de la petite communauté.

Notre avis : Adaptation sans éclat du roman éponyme de Sheila Kohler, Cracks fait penser dans un premier temps à une version féminine du Cercle des poètes disparus, où Miss G tenterait d’élever l’esprit de ses étudiantes et de les libérer du carcan social rigoriste de l’époque. Rapidement, malgré tout, on s’aperçoit que la belle enseignante cherche plus à leur dire ce qu’il faut penser qu’à leur apprendre comment faire. L’intrigue prend alors un autre chemin, largement plus ambigu, mais qui n’en est hélas pas moins prévisible.

Rivalités adolescentes, opposition entre sentiments troubles et noblesse du cœur, potacheries à la limite de la cruauté… les situations et les rebondissements ne parviennent pas vraiment à surprendre. Pire, le manque de rythme et de personnalité de la mise en scène (pour son premier film, Jordan Scott ne semble pas encore avoir hérité du savoir-faire de son père Ridley) rendent certains passages franchement indigestes.

Pourtant, on comprend ce qui a pu séduire Eva Green dans le projet. Avec Miss G, elle aborde un personnage extrêmement ambigu et aux nombreuses zones d’ombre, qui lui permet d’être à la fois dans le domaine de la séduction, de la manipulation et de la folie. Plus torturée que venimeuse, sa composition est au fond à l’unisson de celle des autres actrices : un peu en deçà du potentiel du rôle, mais efficace et sans réelle fausse note. Pas de quoi rendre le film inoubliable, mais suffisant pour l’élever au-delà du téléfilm passe-partout.

“Chacun est coupable du bien qu’il n’a pas fait“.

Ce 11 novembre sort un film en trois volumes. Red Riding Trilogy, produit par les britanniques de Channel 4, est composé de trois oeuvres distinctes, situées à trois époques différentes. Julian Jarrold a réalisé 1974, James Marsh 1980 et Anand Tucker 1983. Il manque 1977 puisqu’il s’agit, en littérature, d’une quadrilogie.

Les adaptations des romans noirs et violents de David Peace ont été scénarisées par Tony Grisoni, co-scénariste de trois films de Terry Gilliam. Le cadre s’inscrit dans des faits réels - les attentats de l’IRA, le mouvement punk, l’ascension des conservateurs, ou encore la guerre des Malouines… Sombres histoires , dépourvus d’émotions sentimentalistes, les anges déchus évoluent ici dans un décor apocalyptique, obscur et sanglant. L’Angleterre semble presque en déchéance, tyrannisée par quelques oligarques. Au milieu de cet âge des ténèbres, Grisoni fait juste évoluer la fin pour qu’elle soit un peu plus lumineuse et parle de rédemption plus que de punition.

Le financement d’un projet aussi complexe a cependant posé problème et l’épisode de 1977 sera supprimé. Etrangement, les trois films paraissent avoir une forme de continuité artistique alors que les sujets et les réalisations sont bien distinctes. Les trois films devaient être indépendants. Les trois cinéastes ont juste choisi leur casting ensemble, seul point commun visible entre leurs oeuvres.

1974 a cet aspect crasseux qui nous entraîne rapidement dans les enfers. Stylistiquement réussi, il est aussi brutal qu’il peut-être beau. On est assez loin du précédent film de Jarrold, Becoming Jane et plus proche d’un Chinatown.

Plus classique, 1980, a été filmé par James Marsh, ultra-primé pour Man on Wire. Le film est en 35 mm, alors que 1974 est en Super 16. Il profite de ce format pour atténuer la luminosité, faire des plans de groupe, et surtout valoriser l’architecture très rectiligne qui symbolisait la rigueur et la déshumanisation de la politique thatchérienne.

1983 boucle la trilogie en revanant aux enlèvements de 1974. Anand Tucker, producteur de La jeune fille à la perle, a filmé avec un format large anamorphosé et la nouvelle caméra numérique Red One, ce qui donne au film un style plus moderne.

Corruption, serial-killer, enquêtes… cette trilogie diffusée sur le petit écran au Royaume Uni méritait une sortie cinéma tant visuellement cela se détache des produits balancés chaque mercredi. Les trois films sont transportés par des acteurs aussi brillants que Sean Bean, Peter Mullan, Rebecca Hall, Paddy Consandine et surtout le jeune Andrew Garfield. Il s’impose comme le comédien le plus étonnant du cinéma britannique, depuis Boy A jusqu’à L’imaginarium du Docteur Paranassus. Fragile et encaissant les coups, candide et survivant, casse-cou et sensible, il apporte une dimension identificatrice et très humaine à ce cauchemar.

Ridley Scott s’est dit intéressé pour en faire un film de cinéma. La Columbia vient d’en acquérir les droits.

Coup sur coup, Angelina Jolie s’est engagée sur deux projets. D’abord, elle remplacera Charlize Theron dans The Tourist, remake d’ Anthony Zimmer. Le film devait être réalisé par Bharat Nalluri, avec Theron et Tom Cruise en vedette. Depuis que Tom Cruise a quitté le projet, les désistements se sont enchaînés.

Finalement The Tourist sera réalisé par Florian Henckel von Donnersmarck, le réalisateur de La vie des autres. Le choix du cinéaste conditionnait la participation d’Angelina Jolie, qui donnera la réplique à Sam Worthington. Le tournage commencera en février pour une sortie en 2011.

Dans le même temps, l’actrice a accepté de négocier pour être du casting du prochain Ridley Scott, Gucci. Elle y incarnerait une femme fatale, Patrizia Reggiano, dans ce drame où les meurtres et la décadence atteignent la dynastie de la mode des Gucci. Reggiano a été condamnée à 29 ans de prisons pour avoir plannifié le meurtre de son ex-mari, Maurizio Gucci.

photo : Angelina Jolie avec des lunettes Gucci 2785 Aviators

Les gros studios licencient et n’hésitent plus à rayer un projet de leur agenda. Dernier en date, la Columbia a éjecté Steven Soderbergh de son nouveau film avec Brad Pitt, jugeant le scénario du cinéaste peu convaincant.

Des structures indépendantes comme The Weinstein Company sont menacées par des trésoreries mal en point. D’autres ont déjà été absorbées ou fermées. Antonio Banderas s’alarmait il y a deux jours au festival de Karlovy-Vary du manque de financement possible pour des films d’auteurs : “La crise nous a pris par surprise et nous poignarde dans le dos, il est très difficile d’obtenir le moindre penny d’une banque, nous sommes dans une situation très difficile maintenant.”

Mais il y aussi ceux qui osent se lancer dans l’aventure. DF Indie Studio veut se distinguer par ses prix et projette de financer et de distribuer une dizaine de films par an pour un coût de production égal ou inférieur à 10 millions de dollars. Typiquement le genre de films très difficiles à monter sans une star ou un auteur reconnu internationalement. Les studios préférent se concentrer sur un modèle économique plus rassurant, mais aussi plus cher (films à gros budgets, frais de marketing gigantesques, star système…), en s’associant entre eux pour produire des blockbusters qui ne sont rentabilisés qu’en inondant les multiplexes du monde entier.

La nouvelle société, basée à New York, combinera “le meilleur des grands studios avec l’efficacité de coûts des productions indépendantes“, et proposera “un modèle financier très attractif pour des investisseurs“, ont affirmé dans un communiqué ses deux fondatrices, Mary Dickinson et Charlene Fisher, consultantes dans le marketing et la finance.

DF Indie Studio (DFIS) veut restreindre ses prix et superviser la totalité du processus, de la création à la distribution. Bien que “low cost“, les films de DFIS n’en seront pas moins “commercialement viables” et produits par “une équipe de producteurs ayant une solide expérience en termes de succès au box-office“, soulignent les fondatrices. Plusieurs producteurs cotés se sont associés à l’entreprise, dont la société That Is That, les frères Ridley et Tony Scott ou encore Jennifer Fox. L’actrice Tilda Swinton est membre du conseil de surveillance.

Commençons par une bonne nouvelle. Le futur Conan, tout autant attendu que redouté par les fans, vient de trouver son cinéaste en la personne de Marcus Nispel. Exit, donc, Brett Ratner et sans doute la pâtée indigeste qu’il nous aurait servi. En tout cas, on a eu chaud ! Si Nispel n’est pas John McTiernan, le papa du puissant Pathfinder : le sang du guerrier et du dernier Vendredi 13 a de quoi, si on lui laisse les coudés franches, faire parler l’épée. Produit par Image / Millennium Films et LionsGate pour un budget confortable, l’intéressé souhaite proposer un film barbare dans la lignée de l’Apocalypto de Gibson. Pourquoi pas au nom de Crom !

Le nom de McTiernan plane encore une fois puisqu’il est question, ici, d’un nouvel opus de la saga culte Predator. Faisant partie des nombreux films en préparation du cinéaste au chapeau Robert Rodriguez, Predators est en passe (la Fox est en pleine négociations) de trouver son réalisateur. Un temps annoncé à la réalisation, Rodriguez produirait uniquement et laisserait donc (si cela se confirme) à Neil Marshall les commandes du bébé (il est responsable de l’excellent The Descent et du jouissif Doomsday). Une telle association peut vraiment s’avérer détonante pour notre ami extra-terrestre chasseur d’humains.

Pour terminer ces quelques news “fantastiques”, arrêtons nous quelques instants sur la “prequel” d’Alien. Selon le magazine américain Weekly, la Fox ne veut plus entendre parler du réalisateur de pub Carl Erik Rinsch – et futur gendre de Ridley Scott – pour mettre en scène une des créatures les plus emblématiques du septième art. Pour le studio le choix est simple : seul Ridley Scott peut se lancer dans une telle aventure. Ils vont même plus loin en affirmant que si Scott refuse de réaliser ce 6^e Alien, ils bloqueraient le développement du projet. Une telle position de la part de la Fox tiendrait du miracle. Ou bien ne sont-ils pas déjà en train de lancer un buzz tout simplement monstrueux ?

Un dernier pour la route ? Il semblerait que le petit frère de Ridley, Tony Scott, serait en train de plancher sur le revival de ses Prédateurs. C’est pas excitant ça ?

Les Transformers font des émules. Universal va développer un film basé sur … une poupée. Fabriquée par Mattel, le Major Matt Mason est un astronaute qui aura les traits de Tom Hanks, qui a pourtant déjà été sur la Lune (ou presque) avec Apollo 13. Le scénario est écrit par Graham Yost, à qui l’on doit Speed, Broken Arrow, Mission to Mars et surtout la série produite par Hanks, From the Earth to the Moon. 

Le jouet a été produit à partir de 1966, en pleine conquête de l’espace et Mattel a développé plusieurs personnages pour faire une équipe autour du Major. Une dizaine d’années plus tard, la poupée a été retirée du marché.

Joel Silver, Warner Bros et Mattel produisent actuellement une version de Musclor et les Maîtres de l’univers tandis que Sony croit dans le film de petites voitures, Hot Wheels. D’autres jouets (Hasbro) sont transposés au cinéma comme G.I. Joe (en salles le 5 août) et ou les Transformers (la suite sera en salles le 24 juin).  Universal a  par ailleurs  signé un pacte avec Hasbro. Ainsi des jeux comme Monopoly (par Ridley Scott), Candy Land, Cluedo et la figurine Stretch Armstrong devraient connaître une vie au cinéma.

Remake, jeux vidéos, série TV… Hollywood connaît la crise et n’a pas l’intention de prendre de risques. Les trois gros projets relancés cette semaine par les studos le prouvent encore.

Universal prépare un ainsi une nouvelle version du film d’épouvante The Thing, déjà porté à l’écran en 1951 (par Christian Niby) et 1982 (par John Carpenter). La réalisation a été confiée à un talent de la publicité, Matthijs Van Heijningen. L’histoire originelle a été écrite par John W. Campbell en 1938.

De son côté, Warner réfléchit sérieusement au retour de Lara Croft, sans Angelina Jolie. Ce troisième épisode d’une série fructueuse (les épisodes de 2001 et 2003 ont cumulé 430 millions de $ de recettes dans le monde) n’a pas encore de scénariste. Mais le studio souhaite remettre à plat la franchise adaptée du jeu vidéo d’Eidos. Lara Croft subrait un traitement de choc avec davantage de noirceur et de psychologie à l’instar des superéros Batman, Iron Man et Superman. Des obus en quête de sens, en quelques sortes.

Enfin, la 20th Century Fox a lancé le développement de l’adaptation de la série TV “L’agence tous risques” (”The A-Team”) qui fit les beaux jours de la télévision entre 1983 et 1987. La série devenait très chère à produire avec des acteurs (notamment Georges Peppard et Mister T.) de plus en plus coûteux et des besoins pyrotechniques de plus en plus importants. Ridley Scott produit cette version cinématographique qui a longuement trainé dans les tiroirs d’Hollywood. Joe Carnahan (Narc, Mi$e à prix) a remplacé John Singleton derrière la caméra. le script a été rédigé par Skip Woods (Swordfish, Hitman) et aurait remplacé les vétérans de la guerre du Vietnam par des anciens combattants de la guerre d’Irak. Si, officiellement, le casting n’a pas été communiqué, les pourparlers sont avancés avec Bruce Willis, Woody Harrelson et Ice Cube. Sortie en 2010.

Au bord de l’Océan Atlantique, entre Casablanca et Agadir, se dresse une petite ville fortifiée, un port de pêcheur qui, tranquillement, s’est mué en spot touristique. La ville a des airs (iodés) de Saint-Malo, le thermomètre est à peine plus chaud. Ce n’est pas Safi, autre ville océanique qui s’est transformée en Jérusalem pour les besoins du film de Ridley Scott, Kingdom of Heaven. Il s’agit d’Essaouira, cité adulée par les français, sans doute pour ses similitudes bretonnes. Planté dans le très occidental Sofitel, face à l’île de Mogador, Claude Lelouch y tourna le “mythique” And Now… Ladies and Gentlemen, avec Patricia Kaas, Jéremy Irons, et Jean-Marie Bigard.

Heureusement Essaouira a plutôt gardé le souvenir d’un autre tournage, mythologique. Othello.

Orson Welles posa sa caméra ici (mais aussi à Safi et El-Jadida, toutes deux plus au Nord) pour filmer sa plus belle oeuvre, en 1952. Il incarnait brillament le Maure de Venise dans cette tragédie shakespearienne, aux côtés de Suzanne Cloutier et Robert Coote. Ce Grand prix du festival de Cannes (Palme d’or de l’époque) avait connu deux suspensions de tournage, faute d’argent. Il a ainsi accepté des narrations et des seconds rôles deans Le troisième homme et Echec à Borgia pour réinvestir ses cachets dans la production de Othello. Welles devait batailler avec ses financiers pour parvenir à ses fins. Il a changé quatre fois de Desdémone. Tournage mouvementé, film tourmenté, son sixième long métrage fut un chemin de croix de trois années.

Locarno lui rendit hommage avec une rétrospective unique en 2005 et rappela qu’à la mort du cinéaste, Othello était le seul film qu’il possédait encore. Il existe trois versions de l’oeuvre, dont la plus rare reste celle présentée à Cannes. Sa fille avait entrepris la restauration du film en 1992; et la copie neuve eut le droit aux honneurs d’une projection publique en plein air, juste à l’entrée des fortifications. Désormais, là où se dresse une stèle (mal entretenue), avec le portrait de l’artiste, la place porte son nom.

(photo : Vincy Thomas)

Entre Marrakech et le Sahara, par delà les monts de l’Atlas, l’oasis de Ouarzazate, au bord d’un lac artificiel causé par un barrage, est devenu le “Hollywood (sur sable)” du Maroc. Ouarzazate est d’ailleurs jumelée à Hollywood (et à Maubeuge aussi). La ville - de larges avenues qui étendent le tissu urbain le long des grands axes - est devenue un carrefour pour tout le sud du pays. Avec le cinéma, le tourisme, et finalement une clientèle anglo-saxonne, Ouarzazate a perdu du charme marocain. L’accueil s’est uniformisé.

Ici, un musée du cinéma fait face à la Kasbah, dédale de vieilles baraques en pisé, où la pauvreté s’est installée. Les studios de production sont à l’extérieur. Ils appartiennent à Dino de Laurentiis, propriétaire des fameux studios de Cinecitta à Rome. Ils sont visitables. Un vaste enclos au milieu de nulle part. A proximité, la région offre toutes sortes de paysages : gorges, désert, vieilles villes arabes… De quoi combler un chef opérateur.

Ainsi Lawrence d’Arabie a planté ses tentes ici, en profitant de la proximité (à peine 200 kilomètres) des dunes de sables sahariennes. Mais les studios ont surtout accueillis de grosses productions comme Gladiator, la chute du faucon noir, Kingdom of Heaven, le segment marocain de Babel, Un thé au Sahara, Troie, Sahara, Alexandre le Grand, Hidalgo, la première et la deuxième Momie

Plus étonnant comme “délocalisation” géographique : Kundun, de Martin Scorsese. Le Tibet au Maroc… Mais aussi >James Bond, Tuer n’est pas jouer. Le plus impressionnant reste la liste des cinéastes venus dans ce coin d’Afrique du nord. Il n’y a rien d’étonnant. Les coûts sont 30 à 50% moins élevés qu’en Europe. Le pays est sécurisé. Pour cette région très pauvre, les 100 millions d’euros de retombées économiques (les bonnes années) sont une aubaine.

C’est Michael Douglas, producteur et interprète du Diamant du Nil, qui a lancé l’activité cinématographique dans le pays, plus de 20 ans après Lawrence d’Arabie. Douglas a profité des infrastructures mais aussi du village voisin d’Ait Ben Haddou pour servir de décor à son blockbuster. Grâce à cela, le village s’est transformé en lieu touristique incontournable, et bien entretenu.

C’est aussi en venant tourner ici Astérix et Obélix : Mission Cléopâtre, l’une des productions françaises les plus dispendieuses, que Jamel Debbouze a décidé d’investir dans le cinéma au Maroc…

crédit photo : Studio CLA de Ouarzazate (c) Laurent Jourdren ; Ait Benhaddou (c) vincy thomas