Séduisant, Tadanobu Asano l’est assurément, avec son air rebelle, son regard effronté et sa gueule d'ange déchu. Mais pour se distinguer des falots pop-idols qui se battent pour avoir sa place, il a opté pour un détachement qui transpire jusque dans la moitié de sa filmographie. Depuis ses débuts, le comédien alterne en effet les rôles de personnages gauches et paumés avec des compositions plus extériorisées de psychopathes borderline.

Qui est-il vraiment ? La légende veut qu’il soit dans le privé un homme simple, père modèle et rangé, dont les seuls excès consistent à chanter dans le groupe Mach 1.67 qu’il a créé avec le réalisateur Gakuryû Ishii. Devenu acteur un peu par hasard (il refuse d’ailleurs toujours le terme) lorsque son père, agent de comédiens, lui obtient un rôle dans un série télévisée, il se fait remarquer pour la première fois en 1993 dans Fried Dragon Fish de Shunji Iwai. Il a vingt ans, et le cinéma ne semble attendre que lui.

Dans la décennie qui suit, on le retrouve chez Kore-Eda (Maborosi, Distance), Shinji Aoyama (Helpless), Ishii Katsuhito (Shark Skin Man and Peach Hip Girl, Party 7), Nagisa Oshima (Tabou) et Takashi Miike (Ichi the killer). Rien qu’en 2003, il est à l’affiche de quatre films asiatiques de premier plan : Café lumière de Hou Hsiao-Hsien dans lequel il dirige une boutique de bouquinistes et enregistre à ses heures perdues le bruit des trains qui traversent la ville ; Jellyfish de Kyoshi Kurosawa, où il incarne un jeune homme obsédé par une méduse et sombrant dans une folie criminelle ; Last life in the universe de Pen-ek Ratanaruang qui le met en scène en jeune homme mutique et suicidaire (encore) confronté à une violence qui le dépasse ; Zatoichi de Takeshi Kitano où il est un samouraï virtuose.

L’éclectisme et la variété dont fait preuve l’acteur a quelque chose de vertigineux et de jouissif. Rien ne lui semble impossible, et de ce fait les metteurs en scène de tous horizons le sollicitent, lui proposant sans a priori des rôles violents ou contemplatifs, légers ou terrifiants, décalés ou absurdes. Il participe ainsi à la très belle aventure de The taste of tea, chronique familiale barrée, poétique et sensible de Ishii Katsuhito, puis se laisse à nouveau entraîner dans un polar poisseux et étrange avec les Vagues invisibles de Pen-ek Ratanaruang, se mue en Ghengis Khan pour le Mongol de Sergey Bodrov, souffre d’amnésie pour Shinya Tsukamoto (Vital)… Le moins qu’on puisse dire est qu’il ne laisse enfermer dans aucun type de personnage, jouant tout avec gourmandise, et succès.

Curieusement, le début des années 2010 marque un tournant dans ses choix de comédien. A-t-il fini par se lasser ou s’est-il laissé charmer par les sirènes d’une carrière internationale ? Tadanobu Asano tourne plus souvent hors d’Asie et accepte des superproductions hollywoodiennes. En 2011, il rejoint ainsi l’équipe de Thor réalisé par Kenneth Branagh pour interpréter Hogun, l’un des amis du personnage principal. "J’ai du sang néerlandais et norvégien, donc j’ai le sentiment qu’il était nécessaire que je rejoigne le film", explique-t-il à l’époque. "Car j’ai l’impression que Thor est le point de départ pour trouver mes racines. J’ai découvert que j’ai de la famille aux Etats-Unis, je veux prendre mon temps et faire de mon mieux pour que les spectateurs étrangers me connaissent mieux, et c’est aussi un processus dont je veux profiter." Il y aura ensuite Battleship de Peter Berg, Thor 2 d’Alan Taylor et 47 Ronin de Carl Erik Rinsch.

Comme pour prouver que l’Occident n’a aucune prise sur lui, l’acteur poursuit en parallèle une carrière asiatique, mais ses films s’exportent moins qu’autrefois. Comme s’il traversait le premier passage à vide de sa carrière, près de vingt-cinq ans après ses débuts. Un passage à vide tout de même plus que relatif, puisque Martin Scorsese a fait appel à lui pour son prochain film, Silence, et qu’il sera présent une nouvelle fois sur la Croisette avec Journey to the shore de Kiyoshi Kurosawa. On a vu des agendas moins bien remplis.

Rares sont les cinéastes à avoir bénéficié des honneurs de la compétition officielle cannoise avec leur premier long métrage. Sur les dernières années, Andrea Arnold avec Red road (2006), Sergei Loznitsa avec Mon bonheur (2010), Markus Schleinzer avec Michael et Julia Leigh avec Sleeping beauty (2011).  Chaque fois, pour les festivaliers, c’est une attente particulière, accompagnée d’une petite pointe d’excitation à l’idée de découvrir un style, une écriture ou un univers singuliers et atypiques. Pour les auteurs, forcément, la pression est palpable.

C’est dans ces conditions délicates que Laszlo Nemes s'apprête à présenter au Festival de Cannes Le fils de Saul au Grand Théâtre Lumière. Or le film est déjà précédé d’un parfum de scandale. Lors de la conférence de presse qui dévoile traditionnellement la sélection officielle du Festival, le délégué général Thierry Frémaux avait en effet déclaré qu’il s’agit d’un "film qui fera beaucoup parler" en raison de son sujet sensible, le camp d’extermination d’Auschwitz. Il est vrai qu’à Cannes, les torrents de haine (comme d’amour) ne mettent jamais longtemps à couler… On se souvient notamment d’un précédent célèbre, l’invraisemblable polémique suscitée par Roberto Benigni en 1998 avec La vie est belle parce qu’il avait osé traiter la question de la Shoah sous le mode de la comédie.

Quoi qu’il en soit, le cinéaste âgé de 38 ans est d’autant plus attendu au tournant qu’il est tout auréolé de sa collaboration avec le maître du cinéma hongrois Bela Tarr dont il a été le second assistant sur L’homme de Londres (2007), lui aussi présenté à Cannes. On espère qu’il a retenu de cette expérience le sens du cadre et la virtuosité de mise en scène de son mentor.

Avant de produire son premier long métrage, le jeune réalisateur avait fait ses armes dans le court, non sans un certain succès, puisque ses films Türelem et The Counterpart ont raflé de nombreuses récompenses dans pas moins de 100 festivals internationaux dont Prix du meilleur court métrage au Magyar Filmszemle, Prix Mikeldi d'argent à Bilbao, Grand prix au Festival international du film d'Odense, etc. Invité dans le programme de la Mostra de Venise, il a ensuite passé cinq mois à Paris (où il avait vécu dans sa jeunesse) dans le cadre de la résidence de la Cinéfondation pour écrire le scénario du Fils de Saul avec la scénariste française Clara Royer. Cannes, déjà, veillait sur son destin.

En montant les marches rouges les plus célèbres du monde pour montrer son film à la planète cinéma, sans doute mesurera-t-il le chemin parcouru depuis l’époque où, adolescent, il réalisait des films d’horreur dans sa cave.

Tout part d'un constat un peu alarmant : où est la relève, côté comédiens, du cinéma français ? Qui sont les acteurs (actrices) qui feront les stars non pas de demain, mais déjà d'aujourd'hui ?

Force est de constater que la très jeune génération (moins de vingt-cinq ans) peine à s'imposer dans un cinéma français qui privilégie les visages interchangeables, et surtout les têtes d'affiche "bankables". Quand aux Etats-Unis, on est une star avant 25 ans, en France, c'est à peine si, à cet âge-là, on vous fait déjà confiance.

Confiance : le mot est lâché. Car là semble bien être le problème du cinéma français qui redistribue éternellement les mêmes acteurs par manque de foi dans les nouveaux ou, pire, les inconnus. Cette absence de renouvellement finit par enrayer un système qui tournait déjà en rond : parce que les télés produisent le cinéma, elles imposent des noms connus des téléspectateurs, et refusent frileusement tout jeune acteur qui n'a pas suffisamment fait ses preuves. Ce faisant, elles se détournent de plus en plus franchement d'une classe d'âge (les 20-30 ans) qui n'avait guère besoin de cela pour se désintéresser du cinéma français. Pas étonnant qu'il s'agisse de la cible privilégiée du cinéma américain, qui, lui, ne l'a jamais négligée.

Alors les jeunes comédiens font leurs armes chez les jeunes réalisateurs (avec plus ou moins de succès) ou en marge de l’industrie. Quitte à ramer, ensuite, pour s'extraire d'une étiquette "art et essai" qui finit par être aussi sclérosante qu'une autre. Or, jeunesse, ça rime avec promesse. Il s'agit d'y croire, alors que le cinéma français réfléchit à une grande réforme de son financement, constatant une désaffection d'une partie du public. Les jeunes comédiens, c'est un pari de rajeunissement certes, mais surtout de renouvellement, et donc de désir. Ce qui manque cruellement actuellement. En regardant les grands succès français de l'année - Les profs, La vie d'Adèle (avec la révélation Exarchopoulos), Au bout du conte, Le passé ou encore 20 ans d'écart, Paris à tout prix, Jeune & Jolie, on constate que les moins de 30 ans peuvent pourtant séduire et même épater le public, entourés ou non de comédiens "confirmés".

Sélection subjective mais rationnelle

Il y a donc des raisons d'y croire. Fragiles, certes, mais bien réelles. En préparant ce dossier, la rédaction d'Ecran Noir a établi de longues listes de jeunes acteurs et actrices qui, au moins une fois dans leur courte carrière, ont crevé l'écran. Pour certains, on attend encore une confirmation avant de s'enflammer (à l'image de Zacharie Chasseriaud ou Paul Bartel très prometteurs dans Les Géants de Bouli Lanners, ou Pauline Burlet épatante dans Dead man talking et Le passé).

Pour d'autres, on espère qu'ils rebondiront après un apparent passage à vide. Ainsi Christa Théret et Lola Créton, qui n'ont pas (encore) de projets annoncés pour 2014, ont été écartées du dossier. Au vu de leur filmographie passée, impossible, pourtant, de penser qu'elles en resteront là.

Finalement, huit comédiens et comédiennes figurent dans le premier volet de ce dossier qui pourrait s'enrichir au fil du temps. Certains creusent leur sillon depuis plusieurs années, d'autres n'ont fait que dernièrement leur apparition sur nos grands écrans, mais tous seront au premier plan pendant l'année 2014. Leurs visages ne vous sont probablement pas inconnus, et quoi qu'il en soit, ils ne le resteront pas. C'est en tout cas le pari que nous prenons en cette période de souhaits pour l'avenir.

Les nouveaux visages du cinéma français (part 1)

Anaïs Demoustier, la belle personne

Ana Girardot, the girl next door

Adèle Haenel, la combattante

Vincent Lacoste, crocodile dandy

Charlotte le Bon, le bon canal

Pierre Niney, le jeu de l'amour et du hasard

Solène Rigot, graine de star

Niels Schneider, l'âge de la séduction

Nina Hoss n'en finit plus de chambouler les festivaliers berlinois. Il faut dire que l'actrice allemande a une longue histoire avec la Berlinale qui l'a placée sous le feu des projecteurs dès 2000 en faisant d'elle une  "shooting star", l'une des meilleurs jeunes talents européens soutenus par l'EFP (European Film Production). Des années plus tard, elle est revenue par la grande porte en faisant partie du jury (2011).

Entre deux, beaucoup de films et de travail. Puis, en 2007, la récompense berlinoise suprême : l'Ours d'argent de la meilleure actrice pour le film Yella de Christian Petzold. C'est leur deuxième collaboration (après Wolfsburg en 2003, pour lequel elle reçoit un Adolf Grimme Award) et depuis le cinéaste n'a cessé de lui offrir ses plus beaux rôles. On la retrouve ainsi dans Jerichow en 2009 et surtout dans Barbara, Grand Prix  en 2012.

Dans ce thriller froid et paranoïaque, elle incarne une médecin exilée dans une petite ville d'Allemagne de l'Est pour avoir fait une demande de visa étranger. Le film est acclamé par la presse ainsi que sa prestation glaçante mais habitée.

Et cette année, Nina Hoss est de retour, plus impressionnante que jamais dans Gold de Thomas Arslan. L'actrice, qui n'a plus rien à prouver, surprend en pionnière attirée par le mirage de l'or. A cheval, dans de vastes paysages, et une carabine à la main, elle est l'héritière des cowboys d'antan, indestructible et obstinée, avec une pointe d'humour en prime. Le film est un drôle de western au féminin dans lequel les candidats à la ruée vers l'or disparaissent les uns après les autres, comme dans une émission de téléréalité. C'est également un joli portrait de groupe et surtout un très beau portrait de femme, ambivalente et forte, rôle dans lequel l'actrice excelle.

Une fois encore, elle mériterait un prix d'interprétation... mais il est peu probable qu'on lui en attribue un deuxième en si peu d'années. Trop d'ours tuent les ours...  Toutefois, puisqu'elle est attendue dans le dernier film d'Anton Corbijn, A most wanted man, d'après le roman de John le Carré, on se prend à rêver : pourquoi ne pas l'imaginer fouler les marches d'un autre grand festival européen et, qui sait, ajouter un nouveau trophée à son palmarès ? Histoire de prouver que, quelle que soit la forme de la statuette, 'elle est définitivement une actrice en or.

Traditionnellement, le Festival international des Cinémas d'Asie de Vesoul rend hommage à un cinéaste réputé dont il propose de (re)découvrir une partie de l'œuvre. Cette année, il s'agit du réalisateur indonésien Garin Nugroho, par ailleurs président du jury international, et dont trois films sont projetés dans le cadre du regard sur le cinéma indonésien. Il recevra un Cyclo d'or d'honneur pour l'ensemble de sa carrière lors de la cérémonie d'ouverture du festival qui se tient ce mardi.

Peu connu du grand public, Garin Nugroho est l'une des figures incontournables du cinéma indonésien contemporain. D'abord tourné vers le documentaire, il réalise sa première œuvre de fiction en 1991, Love in a slice of bread, qui se distingue par une narration inhabituelle et un érotisme latent. C'est un échec commercial, mais il marque le renouveau d'un cinéma indonésien moribond grâce à sa sélection dans de nombreux festivals internationaux. Après l’essoufflement de la production nationale à la fin des années 80, notamment à cause de la suppression des quotas de films importés, Nugroho permet ainsi le grand retour du cinéma indonésien sur la scène mondiale.

Ses deux films suivants connaissent globalement le même destin : Letter to an angel (1993) et And the moon dances (1995) ont une belle carrière dans les festivals internationaux mais ne sortent même pas en Indonésie, où le public trouve le cinéma de Nugroho relativement indigeste. Il aborde pourtant des sujets typiquement indonésiens, comme les cultures locales et le choc entre ces cultures et le phénomène de mondialisation.

Tout change en 1998 avec son quatrième film, Feuille sur unoreiller, présenté dans la section Un certain Regard du festival de Cannes, puis distribué sur les écrans français. Il devient le premier film indonésien distribué en France et, bénéficiant de l'aura cannoise, connaît même un succès notable dans son pays. Cette fois, Nugroho s'inspire de faits réels et fait tourner des gamins des rues qui jouent leur propre rôle. On retrouve surtout dans l'un des rôles principaux l'actrice et productrice Christine Hakim.

En 2006, le cinéaste est de retour à Cannes avec Serambi, présenté à nouveau à Un certain regard où il fait l'objet d'une polémique. Le film, qui décrit l'après Tsunami dans la province indonésienne d'Aceh, est jugé de mauvaise qualité. Cela n'empêche pas Nugroho de réaliser en parallèle le film qui est considéré comme son meilleur : Opera Jawa (photo de droite), un film musical à grand spectacle, qui transpose le Ramayana, poème épique indien, dans la vie contemporaine. Il s'agit d'une commande du metteur en scène Peter Sellars, dans le cadre du "New Crowned hope Festival", pour célébrer le 250e anniversaire de la naissance de Mozart. En 2011, le film devient un spectacle mis en scène par le cinéaste lui-même au Musée du Quai Branly de Paris.

Car Garin Nugroho refuse de se cantonner à une discipline. Féru de cultures indonésiennes et de philosophie, il se passionne aussi bien pour la danse, la musique et la photo que pour la peinture et le cinéma. Il est également très attaché à parler des réalités concrètes et actuelles de son pays. Ainsi, The blindford, son dernier film (photo de gauche), présenté à Vesoul en avant-première, aborde frontalement l'existence de l'Indonesian Islamic State, un mouvement indonésien islamiste illégal et aux méthodes de recrutement agressives. Une œuvre qui, au vu de l'actualité, fera forcément parler d'elle lors de sa sortie sur les écrans français... et l'occasion de continuer à promouvoir le cinéma indonésien, qui tient avec Garin Nugroho l'un de ses plus importants chefs de file.

Pour obtenir de ses interlocuteurs des propos vraiment personnels et intimes, la réalisatrice Raphaëlle Catteau a imaginé en 2006, pour la première série de l’Autre émoi, un dispositif original et novateur d’auto-interview. Concrètement, elle met l’acteur face à lui-même en lui demandant tout d’abord de répondre, en tant que comédien, à une série de questions sur sa vie et son travail, puis d’interpréter un personnage de journaliste qui poserait ces questions. Au montage, cela donne un fascinant dialogue entre deux facettes bien distinctes (par le biais notamment de costumes, voire de voix ou d’accent différents) d’une seule et même personne.

Diffusée depuis le début de l’année sur TPS star, la 2e saison de cette excellente série propose des rencontres avec treize comédiens aussi variés que Jean-Pierre Darroussin, Florence Foresti ou encore Arié Elmaleh, qui abordent tous sensiblement les mêmes thèmes : méthode de travail, distance avec le personnage, influence de son vécu personnel pour expliquer son choix de carrière, doutes et joies du métier de comédien… C’est tour à tour drôle et émouvant, farfelu et profond, léger et complexe, témoignant de la belle relation de confiance que Raphaëlle Catteau a su tisser avec ses interlocuteurs.

Et même si le dispositif du dédoublement de personnalité pourrait paraître artificiel, surtout quand certains comédiens s’inventent des personnages de journalistes particulièrement hauts en couleurs (mais peut-être y-a-t-il du vécu derrière tout ça…), qu’il s’agisse du fan compulsif imaginé par Thierry Frémont ou de l’anglo-saxonne ultra-stressée composée par Sara Forestier, il n’en est rien. Les deux points de vue que cela donne sur chaque comédien se complètent et se répondent en effet avec une certaine justesse. Le choix de l’interviewer (un professeur pour Bernard Campan, une réincarnation d’Henry Chapier pour Antoine Duléry, une sorte de Johnny Depp rocker pour Stéphane Rousseau…) n’est d'ailleurs jamais innocent, en disant parfois presque aussi long sur le comédien que ses propres paroles.

Chaque épisode vaut la peine d’être vu indépendamment des autres, mais il est également passionnant de dresser des parallèles entre les réactions des différents protagonistes. Ainsi ne faut-il pas manquer le best-of (programmé le dernier week-end de mars) permettant de revivre les meilleurs moments, fous rires, répliques inopinées et propos enflammés de ces treize rencontres. Sara Forestier qui vante le métier de comédien comme "expression dans sa forme la plus entière", Antoine Duléry avouant que son premier public a été composé d’arbres, Aïssa Maïga qui peut tout jouer ("Si on me demande de jouer une pute, je peux la trouver… en moi"), Bernard Campan racontant sa première tentative de suicide, Thierry Frémont qui au début de sa carrière voulait "être extraordinaire tout le temps", Mathias Mlekuz et ses exercices de diction loufoques pour combattre le trac, Bruno Lochet qui a besoin de croire en son personnage pour l’interpréter, Hafsia Herzi en pleine démonstration de danse orientale, Mélanie Laurent qui déclare s’effacer totalement derrière le personnage au moment où elle joue… Autant de sensations, de vécu et de convictions qui constituent une plongée fascinante et souvent instructive dans l’univers mystérieux du jeu et de la création.
______________
Les derniers épisodes de la saison 2 sont diffusés chaque dimanche soir sur TPS star jusqu’au 29 mars.
Extraits et informations sur le site de Canal+.