Les rencontres animées de l’été (5/6) : Boris Labbé, réalisateur de La chute

Posté par MpM, le 17 août 2018

A l'occasion de cette pause estivale, Ecran Noir part à la rencontre du cinéma d'animation. Six réalisatrices et réalisateurs de courts métrages parlent de leur travail, de leurs influences et du cinéma en général.


Pour ce cinquième épisode, nous avons posé nos questions à Boris Labbé, artiste et réalisateur français révélé en 2012 avec Kyrielle, notamment récompensé par une mention spéciale du jury au festival d'Annecy. Ses oeuvres suivantes (Danse macabre, Rhizome, Orogenesis...) ont fait le tour des festivals internationaux.

En mai dernier, son dernier court métrage La chute était présenté en séance spéciale à la Semaine de la Critique du Festival de Cannes, puis à AnimaFest à Zagreb (où il a remporté le Grand Prix), à Annecy (Prix Fipresci) et Vila do Conde (Grand Prix). Le film est une oeuvre foisonnante et singulière qui prolonge le travail du réalisateur autour des motifs de la boucle et de la métamorphose.

Inspiré de Dante, dont il est une évocation hypnotique et puissante, il montre un ordre du monde bouleversé par la rencontre entre les habitants du ciel et ceux de la terre. Se mêlent alors des images en perpétuel mouvement et une musique envoûtante et intense qui transforment le film en expérience sensorielle unique.

Ecran Noir : Comment est né le film ?

Boris Labbé : L'idée du film est née pendant que je travaillais sur mon précédent projet Rhizome, alors que je me décidais à plonger pour la première fois dans la lecture de Dante. Cette lecture a vraiment été révélatrice pour moi, c'est évidemment un texte majeur, mais d'un point de vue plus personnel je sentais que mon travail d’animation pouvait avoir quelque chose à faire avec cette oeuvre. L'obsession de faire quelque chose sur L'Enfer est née. Après mûre réflexion, je décidais de ne pas en faire une adaptation directe, il me fallait faire comme un "pas de côté" nécessaire à sa digestion. Cette attitude m'a permis de me libérer de la référence.

EN : Il y a dans le film de nombreuses références picturales et artistiques qui semblent convoquer toute l'histoire de l'Humanité. Pouvez-vous nous en dire quelques mots ?

BL : Si je reprends le texte de Dante, son périple se déroule dans une sorte de "structure topographique" renfermant les âmes des hommes ayant vécus dans le passé, classées en fonction de leurs actions sur terre. Chez Dante, toute l'histoire de l’Humanité est convoquée grâce à sa rencontre avec de nombreux personnages célèbres. Dans mon film, je ne m’intéresse pas à l'individu mais plutôt aux mouvements de masse, parsemés de détails évocateurs qui viennent frapper notre mémoire. On n'est pas loin de l'art de la mémoire, cette discipline inventée par les Grecs puis reprise et transformée jusqu'à la Renaissance, fondée sur des "images" et des "lieux".
Pour construire mon film j'ai en effet utilisé de nombreuses références venant de l'histoire de l'art européen. Parmi les artistes clairement cités, je peux nommer Bosch, Bruegel, Botticelli, Goya et Henry Darger.

EN : Pouvez-vous nous parler également de vos choix esthétiques ? Comment se sont-ils faits ?

BL : J'ai choisi de travailler à l'encre de Chine sur papier. Cette technique me permet un travail de matière unique, que l'ordinateur ne pourrait rendre. Mes images sont principalement en noir et blanc avec des niveaux de gris subtils sur fond noir. Je cherchais un rendu lumineux pour les personnages et les décors, pour les rendre électriques et vivants. Le fond noir évoque le vide, la nuit et il donne une sensation proche du cauchemar. Des touches de couleurs vives parsèment l'écran. La couleur sur fond de noir et blanc attire le regard et ponctue l'espace visuel. L’utilisation du rouge vif évoque la vie, les organes, le sang, et donc aussi la mort.
Le style d'animation développé dans le film est assez particulier : à la fois en métamorphose perpétuelle tout en conservant un ordre par répétition. Cela évoque la création, la vie et engage un rapport hypnotique aux images. Le chaos se glisse parfois dans ces paysages animés, créant différentes ruptures dans le film. Ce film est probablement plus cinématographique que mes précédents, pour son travail du rythme, des cadrages, bien qu'on soit loin d'un montage "classique". Pour la musique, j'ai laissé mon ami compositeur Daniele Ghisi donner le meilleur de lui-même. Il a travaillé sa composition musicale à partir d'une base de données existante d’enregistrements de quatuors à cordes, transformés et agencés électroniquement. Le parti pris est fort et rebute parfois certaines personnes, mais nous assumons nos choix, le spectateur n'est pas pris avec des pincettes.

EN : Quel a été le principal challenge au moment de la réalisation ?

BL : Pendant la presque totalité du processus de fabrication du projet, je n'étais pas sûr d'aimer mon film, c'était les montagnes russes émotionnelles. J'ai souvent cru que j'étais en train de rater quelque chose, de passer à côté du projet... C'était difficile de travailler et donner 100% de mon énergie dans quelque chose d'inconnu, je partais vers une exploration qui était nouvelle pour moi et pour laquelle il n'y avait pas vraiment de précédent.
Ensuite, il y avait évidemment des challenges techniques, le travail manuel, le travail d'ordinateur, la gestion de l'équipe, les deadlines... mais heureusement j'étais très bien entouré, l'équipe de production, mes animateurs, stagiaires et techniciens étaient tous supers !

EN : Quel genre de cinéphile êtes-vous ?

BL : Je pense que j'ai une culture du cinéma en général assez moyenne. Il y a beaucoup de classiques que je n'ai pas encore vus, mais je rattrape cette lacune quand je peux. En fait, je ne suis pas un grand "consommateur" de films. Aujourd’hui, le cinéma est lié à la consommation de masse et même si je ne fais pas exception, je prends un peu de distance avec cette tendance. Par contre, lors de moments de recherches personnelles, je peux passer des jours à chercher des petites pépites filmiques que je n'aurais pas encore découvertes. Mes recherches m'amènent souvent vers le cinéma d'avant-garde, cinéma expérimental, art vidéo, mais bien sûr des courts et longs métrages plus "classiques". Donc ma culture cinématographique est assez incomplète et très ciblée je pense. Et malheureusement, je vois beaucoup de choses sur internet en mauvaise qualité... Là où je me rattrape, c'est lors de mes voyages en festivals, je vois beaucoup de films produits chaque année, surtout des courts métrages et surtout de l’animation.

EN : De quel réalisateur, qu’il soit ou non une référence pour votre travail, admirez-vous les films ?

BL : Il y a beaucoup de réalisateurs que j’admire, alors c'est difficile de faire un choix. Mais je vais profiter de la question pour donner un nom presque inconnu en France : José Val del Omar. C'est un réalisateur d'avant-garde espagnol (1904-1992), aussi inventeur de dispositifs radio, dispositifs de projection, de son, et de techniques de filmage. Il a été oublié pendant presque 20 ans. Les jeunes cinéastes espagnols ainsi que de grandes institutions telles que le Musée Reina Sofia de Madrid ont participé à sa redécouverte récemment. Il s’intéressait au cinéma comme forme poétique, proche du documentaire, du film d'avant-garde et des tentatives du "cinéma augmenté". Son travail cinématographique le plus abouti est le "Tríptico Elemental de España", mais il a aussi anticipé les dispositifs d'installation vidéo alors qu'à l’époque peu d'artistes travaillaient dans ce sens. Malheureusement, beaucoup de ses travaux sont inachevés, voire détruits, mais j'admire la démarche de l'artiste pour ces films, pour son rapport complexe au médium cinéma et pour la générosité de sa recherche.

EN : Quel film (d’animation ou non) auriez-vous aimé réaliser ?

BL : J'ai beaucoup de mal à répondre à cette question, car je suis impressionné par beaucoup de films que j'admire mais que je ne me verrais pas réaliser moi-même ! Mais peut-être que je peux citer Canon de Norman McLaren. Il comprend tout ce que j'aime chez ce réalisateur, une certaine simplicité, une vraie sensibilité et un travail théorique sous-jacent. C'est un travail certainement fondateur pour ma pratique.

EN : Comment vous êtes-vous tourné vers le cinéma d’animation ?

BL : A la base, je viens du dessin et des arts plastiques, grâce à une formation aux Beaux Arts. A cette époque, le cinéma ne m’intéressait pas spécialement, en tout cas ça n'était pas une obsession comme aujourd'hui.
Encore aux Beaux Arts, je sentais le besoin d'aller chercher dans de nouvelles directions et je pensais que mon travail pouvait avoir quelque chose à faire avec l'animation. Mon idée était de devenir plutôt vidéaste, je visais plus la salle d’exposition et les installations que la salle de cinéma.
Je suis finalement entré dans une école de cinéma d'animation, dans laquelle j'ai développé des projets hybrides, entre cinéma expérimental et installation.
Ensuite c'est le succès d'un de mes films étudiant en festival qui m'a poussé vers le cinéma : ce film (Kyrielle) m'a permis de rencontrer mon producteur chez Sacrebleu.
Le chemin de mon travail vers le cinéma a donc pris plusieurs années. Aujourd'hui, je me sens plus cinéaste que plasticien, mais l'envie de revenir vers des explorations plus liées à l'espace d'exposition revient régulièrement.

EN : Comment vous situez-vous par rapport au long métrage ? Est-ce un format qui vous fait envie ou qui vous semble accessible ?

BL : Le long métrage n'est clairement pas ma priorité. Mais c'est aussi vrai que cela m’intéresserait de chercher une idée pour faire un film expérimental qui tiendrait sur la longueur, un jour. D'un autre côté, je ne pense pas que cela soit inaccessible. Dans mon cas, il faudrait savoir travailler avec des budgets restreints, ce qui permettrait de garder une liberté artistique et ne pas basculer vers la course aux remboursements du film. Cela dit, je pense que ce genre de projet reste très périlleux et difficile à tenir.

EN : Comment voyez-vous l’avenir du cinéma d’animation ?

BL : Le cinéma d'animation est de plus en plus reconnu, la production et l'industrie augmentant chaque année, ça parait un bon espoir pour l'avenir. Il est clair que nous n'avons pas la même reconnaissance que la prise de vue réelle et je pense que cela va durer encore longtemps malheureusement. De mon côté, je n'aime pas trop faire de pronostics, mon économie personnelle ne me projetant pas plus loin qu'à un an ou deux dans l'avenir... Je suis aussi loin d'être clairvoyant sur l'état de l'industrie du cinéma d'animation pour pouvoir me prononcer. J'espère juste que la production de film d’animation continuera à être florissante, et surtout j'espère qu'il restera encore des libertés aux cinéastes du futur. Parfois, le travers d'une industrie trop productive et trop bien réglée, c'est qu'elle risque de se tourner vers la facilité et le stéréotype. Selon moi, il faudrait ne pas oublier que tout art a besoin de laboratoires et d'espaces de liberté nécessaires au renouvellement. De la formation en école d'art jusqu'à la vie professionnelle, laissons des espaces aux artistes pour la recherche et l'innovation dans leurs domaines respectifs, autant du point de vue technique et conceptuel qu'esthétique.

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Les rencontres animées de l’été (4/6) : Justine Vuylsteker, réalisatrice d’Etreintes

Posté par MpM, le 10 août 2018

A l'occasion de cette pause estivale, Ecran Noir part à la rencontre du cinéma d'animation. Six réalisatrices et réalisateurs de courts métrages parlent de leur travail, de leurs influences et du cinéma en général.


Pour ce quatrième épisode, nous avons posé nos questions à Justine Vuylsteker, cinéaste d'animation française révélée en 2015 avec Paris, l'un des films de la collection « En sortant de l’école » consacrée à Robert Desnos, qui mêlait papier, sable et végétaux.

Après s'être familiarisée avec la technique spécifique de l'écran d’épingles lors d'un atelier donné par la réalisatrice Michèle Lemieux à Annecy, elle a réalisé son premier court métrage professionnel avec cet objet unique et singulier qui permet de travailler directement la matière et de littéralement sculpter les ombres. Le film, bien nommé Etreintes, a fait sa première mondiale à Annecy en juin dernier. Il s'agit d'une oeuvre à l'extrême délicatesse, qui revisite dans un jeu intime et sensuel de noirs, de blancs et de gris, le motif universel du désir et des élans amoureux.

Ecran Noir : Comment est né le film ?

Justine Vuylsteker : Ce film est né d’avoir pu travailler avec un outil comme l’écran d’épingles. C’est en ayant été confrontée à cet instrument, ses possibilités plastiques et son histoire, que la première étincelle, qui a donné ensuite Etreintes, a pu jaillir. On pourrait presque dire que le film est la mise en forme des sensations que j’ai ressenties en travaillant avec l’Epinette, l’extrême sensualité de sa matière, l’ambiguïté de sa force et de sa fragilité simultanées et le sentiment de m’engouffrer dans une temporalité où présent et passé se confondent.

EN : Justement, Etreintes est le premier film réalisé en France avec un écran d'épingles, depuis la disparition de ses créateurs Alexandre Alexeïeff et Claire Parker au début des années 80. Pouvez-vous nous dire quelques mots de cette technique singulière ?

JV : Les écrans d’épingles sont effectivement des instruments rares, fruits de la rencontre d’Alexandre Alexeieff et Claire Parker, qui ensemble, ont passé leurs vies à inventer et perfectionner cette technique si singulière : utiliser des épingles pour pouvoir sculpter leurs ombres, et réussir à animer des blancs, gris, noirs, d’une extrême richesse. Après la mort du couple, il n’est longtemps resté qu’un seul écran en activité, celui qu’ils avaient confié à l’Office national du Film du Canada. C’est grâce à l’initiative du Centre national de la Cinématographie et à l’effort conjugué de Jacques Drouin et Michèle Lemieux, les cinéastes de l’écran montréalais, qu’un autre écran Alexeieff-Parker a pu refaire son entrée dans le paysage de la production d’animation. C’est seulement en 2015, après plusieurs années de restauration, que l’Epinette, dernier écran construit par le couple en 1977, a pu être remis entre les mains de réalisateurs.

EN : L'écran d'épingles impose des contraintes spécifiques. Dans quelle mesure a-t-il influé sur les choix esthétiques et le résultat final ?

JV : Certaines de ces contraintes sont d’ordre pratique, comme le temps de chauffe avant l’utilisation, ou l’ergonomie de travail, éprouvante pour les épaules et le dos, ce qui impose des journées de six heures de manipulation, maximum, sous peine de blessures sur le long terme. Je dirais que les contraintes esthétiques sont plus cachées ; on ne les rencontre qu’en travaillant. J’ai par exemple eu l’effrayante surprise de découvrir au tournage l’impossibilité de réaliser des parfaites verticales, alors que l’un de mes motifs principaux, à l’écriture, était le cadre d’une fenêtre… Mais l’écran ne nous laisse jamais sans solution lorsqu’il nous confronte à l’impossibilité de sculpter ce à quoi l’on avait pensé… alors le cadre rigide est devenu un rideau souple, et le tournage a pu aller de l’avant.

A vrai dire tout est dans ce bout de phrase : « ce à quoi l’on avait pensé ». Les contraintes que l’on dit rencontrer face à l’écran d’épingles, sont bien souvent des contraintes que l’on se crée de toutes pièces, parce qu’on a, en amont, trop projeté en perdant de vue sa matière. Ce sont toutes les choses que j’avais pensées en dehors de l’écran d’épingles qui se sont ensuite révélées infaisables, ou peu intéressantes. L’écran d’épingles a ça de fantastique : on doit construire le film avec et pour lui, sinon c’est implacable, ça ne fonctionne pas. Là où une autre matière courberait l’échine. C’est une très belle leçon que d’avoir dû rester à l’écoute de l’instrument, sans plaquer sur lui des choses qui ne lui correspondent pas.

EN : Quel a été le principal challenge au moment de la réalisation ?

JV : Certainement de travailler avec une structure mouvante, jusqu’à la fin de la fabrication. L’écran d’épingles, par la configuration singulière de tournage qu’il impose, un tête-à-tête réalisateur-matière, a permis de défendre l’idée de ne pas figer le film sous la forme d’un story-board ou d’une animatique, avant même que le dialogue avec l’instrument n’ait commencé. Et même si le travail d’écriture avait été important, et mené dans cette perspective d’improvisation à venir, avancer avec une structure en constante recomposition a été un challenge de tous les jours.

EN : Quel genre de cinéphile êtes-vous ?

JV : Très infidèle au cinéma. Je suis spontanément bien plus attirée par la littérature, la danse, la poésie ou les arts plastiques… alors pourtant que le cinéma est mon médium d’expression. Lorsque ponctuellement je reviens vers les films, c’est souvent très intense, pour ne pas dire boulimique. Je peux ne faire que ça pendant des jours, pour ensuite ne rien vouloir voir pendant des mois. Beaucoup d’inconstances donc, et très peu de mesure !

EN : De quel réalisateur, qu’il soit ou non une référence pour votre travail, admirez-vous les films ?

JV : Michelangelo Antonioni. Et plus que les films, je dirais que c’est la recherche, qui traverse tout son travail et qui se prolonge toujours un peu plus d’un film à l’autre, sans changer d’essence, et sans pour autant se répéter, que j’admire profondément. Il y a d’ailleurs une phrase de lui que je me répétais systématiquement, pendant la fabrication d’Etreintes : "Je déteste ce que je ne comprends pas. S’il y a quelque chose d’énigmatique dans ce que je fais, c’est moi qui me trompe. Le problème est que mes erreurs sont peut-être ce qu’il y a de plus personnel dans mes films." L’erreur comme gage d’honnêteté, alors que la tendance va à l’ultra-perfection, c’est particulièrement inspirant, et émouvant, à lire.

EN : Quel film (d’animation ou non) auriez-vous aimé réaliser ?

JV : Summertime de David Lean.

EN : Comment vous êtes-vous tournée vers le cinéma d’animation ?

JV : Le cinéma d’animation donne la possibilité du travail solitaire. Ce n’est pas une obligation, ni nécessairement une norme, mais c’est une possibilité. On peut faire (les images d’) un film, seul. Et il y a quelque chose là-dedans qui m’attire beaucoup, ou peut-être qui m’est nécessaire. Le silence et la solitude, pour créer. Il y a aussi que le travail de la matière m’est particulièrement cher, et l’animation, c’est exactement ça, de la matière qui s’exprime par le mouvement.
Alors comment j’en suis arrivée au cinéma d’animation ? Par hasard, après avoir vu des oeuvres qui m’ont fait me dire : je veux faire ça ! C’est seulement une fois que j’ai commencé que j'ai réalisé à quel point c’est l’art qui me donne les moyens de mettre le plus justement en forme mon imagination.

EN : Comment vous situez-vous par rapport au long métrage ? Est-ce un format qui vous fait envie ou qui vous semble accessible ?

JV : Pour qui utilise le cinéma comme moyen d’expression, le long métrage, tout ce temps, c’est forcément quelque chose qu’il est difficile de ne pas avoir envie de s’approprier. Mais c’est aussi une énorme responsabilité, que de vouloir remplir tout cet espace, devoir en créer sa densité, sa profondeur, sa structure. Il me semble factice d’envisager le long métrage, pour faire un long métrage. C’est si un projet se forme, qui a besoin de ce temps-là pour respirer et résonner à sa pleine puissance, que la question a seulement raison de se poser.

EN : Comment voyez-vous l’avenir du cinéma d’animation ?

JV : Je crois qu’il y a beaucoup d’avenirs possibles pour le cinéma d’animation. Si aux yeux du grand public, et de la critique, nous sommes longtemps restés dans l’ombre du cinéma de prises de vues continues - en partie à cause de l’étiquette pour enfant posée par l’hégémonie Disneyenne - il y a comme une prise de conscience qui est en train d’opérer, sur ce qu’est, et pourrait être, le cinéma d’animation. Prise de conscience qui peut nous faire espérer l'entrée dans une nouvelle ère, plus adulte, pour cette forme de cinéma. C’est le long-métrage qui porte ici tout l’enjeu de cette métamorphose, puisque le court-métrage est depuis longtemps déjà un formidable lieu de maturité et d’expérimentations. Tous les espoirs sont donc permis, pour le long métrage, et la série d’ailleurs, pour peu que les instances de financements et de diffusion réussissent à s’engager et prendre les « risques » nécessaires pour accompagner cette dynamique vertueuse. Je reste néanmoins sur mes gardes, et ne crierais pas victoire trop vite, parce qu’une telle croissance est évidemment fragile. Il me semble nécessaire d’être vigilant à ce que, dans un tel moment, les exigences artistiques et poétiques réussissent à primer sur les considérations marchandes et financières, si l’on veut véritablement pouvoir dire que le cinéma d’animation est en train de grandir.

Les rencontres animées de l’été (3/6) : Rocío Álvarez, réalisatrice de Simbiosis Carnal

Posté par MpM, le 3 août 2018

A l'occasion de cette pause estivale, Ecran Noir part à la rencontre du cinéma d'animation. Six réalisatrices et réalisateurs de courts métrages parlent de leur travail, de leurs influences et du cinéma en général.


Pour ce troisième épisode, nous avons posé nos questions à Rocío Álvarez, artiste multidisciplinaire d'origine espagnole, qui s'est fait connaître en 2012 avec son film de fin d'études Ecart de conduite, réalisé à la Poudrière. Elle présentait cette année un nouveau film en compétition à Annecy, Simbiosis Carnal, une fresque sur l'attraction sexuelle à travers les âges et les espèces, à mi-chemin entre l'essai politique et l'évocation poétique, qui aborde plus particulièrement l'évolution des contraintes posées sur le désir et le plaisir féminins en fonction des époques.

Dans un graphisme épuré, sur fond blanc, cellules, animaux et êtres humains des deux sexes (roses pour les mâles et bleus pour les femelles, une fois n'est pas coutume) se livrent aux jeux atemporels de l'amour sensuel et du sexe débridé, se métamorphosant au gré du récit. Bourré d'énergie et de fantaisie, le film est à la fois une ode joyeuse au désir sous toutes ses formes, et une réponse intelligente et drôle aux tentatives systématiques d'enfermement et de conditionnement auxquelles ont été soumises les femmes au fil des siècles.

Ecran Noir : Comment est né le film ?
Rocío Álvarez : Les premières images du film je les ai créées pour un concours de BD, dans le festival Fumetto. Le thème de l’année, c’était l’érotisme, et ça m’a inspirée. C’est à ce moment-là que j’ai créé ce couple rose et bleu et certaines transformations. C’était une BD de trois pages avec déjà ces figures mais avec un contenu peu profond, c’était simplement le délire sensuel imaginaire d’un fille autour d’un café. Après, j’ai voulu l’adapter en court métrage et là je lui ai donné un contenu plus personnel et critique. Pour qu’il puisse inspirer les gens mais aussi les faire réfléchir.

EN : Pouvez-vous nous dire quelques mots sur les choix esthétiques ? Comment se sont-ils faits ?
RA : Le rose et bleu avec le blanc étaient là depuis le départ. J’ai voulu garder cette simplicité chromatique car je trouve que le rendu est assez élégant et épuré. En même temps, j’adore les textures et le trait que le vrai acrylique permet, du coup j’ai fait la peinture de quelques plans à la main ou au banc-titre et le reste en 2D avec le logiciel TVpaint mais avec beaucoup de couches pour rendre la texture vivante. Derrière le style épuré de chaque plan, il y a toute une histoire de couches, expérimentation et processus assez longs.

Pour le rose masculin et le bleu féminin, c'est venu un peu comme ça au hasard, mais je l’ai laissé car je trouve que c’est plus intéressant que de suivre le schéma habituel, comme un clin d’œil pour remettre en cause les traditions culturelles assumées. Et je l’ai su plus tard, mais dans la peinture de l’Antiquité, les femmes étaient souvent habillées en bleu et les hommes en rouge.

EN : Comment s'est fait l'équilibre entre le ton plutôt humoristique du film et les événements parfois tragiques qu'il relate ?

RA : Je pense que la clé, c’est la fluidité. Le rythme, c’est le plus important. J’ai conçu le film comme un show esthétique. Il y a des moments historiques qui sont vraiment trash, mais tout est évoqué un peu rapidement et poétiquement, du coup, tu peux être choqué, mais rapidement tu es déjà emporté par le contenu suivant.

EN : Quel a été le principal challenge au moment de la réalisation ?

RA : La partie la plus difficile a été de choisir entre toutes les idées possibles de mouvement et de contenu à chaque scène et en faire quelque chose de synthétique et rythmé, avec un sens.

EN : Quel genre de cinéphile êtes-vous ?

RA : J’aime bien découvrir des nouveaux talents en allant au cinéma et aussi voir des vieux classiques. Je suis fan de certains réalisateurs et réalisatrices mais je ne suis vraiment pas une cinéphile qui connaît toute l'histoire du cinéma. J’adore découvrir des courts métrages dans les festivals comme Clermont Ferrand ou bien les festivals d’animation d’Annecy ou Anima. Dans l’animation j’aime bien les court métrages qui osent un truc nouveau, soit une nouvelle esthétique, soit dans la narration. Je pense que c’est un bon format pour pouvoir oser.

EN : De quel réalisateur, qu’il soit ou non une référence pour votre travail, admirez-vous les films ?

RA : J’adore Michaela Paulatova et Joanna Queen. Et les films de Gianluci Toccafondo aussi.

EN : Comment vous êtes-vous tournée vers le cinéma d’animation ?

RA : J’ai toujours dessiné et d’abord j’ai fait les Beaux Arts en Espagne. Là-bas j’ai fait un peu d’animation et ça me plaisait déjà mais je continuais plus avec la peinture. C’était mon métier après l’Université. Après je suis allée au festival Animac en Espagne et j’ai découvert l’école de la Poudrière, car il y avait le directeur de l’école qui faisait une présentation et aussi qui montrait des films. J’ai adoré tout de suite et heureusement j’ai eu la chance d’être prise dans cette école. Depuis, je me dédie à cela.

EN : Comment vous situez-vous par rapport au long métrage ? Est-ce un format qui vous fait envie ou qui vous semble accessible ?

RA : Pour l’instant, ça ne me donne pas envie. Tellement de pression et de responsabilités sur les épaules... : peut-être qu'on perd le plaisir de la fabrication ! Mais qui sait, pour le futur, peut-être que je changerai d’avis.

EN : Comment voyez-vous l’avenir du cinéma d’animation ?

RA : Cette question est un peu ambitieuse pour moi je crois. Je ne pourrais pas vous dire. Je crois que les long métrages en 3D mainstream vont continuer à occuper la place dans les cinémas. Mais en même temps, chaque année, il y a de plus en plus d'écoles et de gens qui font des court métrages et aussi des festivals qui les montrent. Je crois que cette dynamique de crescendo va continuer. J’aimerais bien que les court métrages soient plus accessibles à tout le monde, que ça ne reste pas juste pour les festivaliers.

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Les rencontres animées de l’été (2/6) : Gilles Cuvelier, réalisateur de (Fool Time) Job

Posté par MpM, le 27 juillet 2018

A l'occasion de cette pause estivale, Ecran Noir part à la rencontre du cinéma d'animation. Six réalisatrices et réalisateurs de courts métrages parlent de leur travail, de leurs influences et du cinéma en général.


Pour ce deuxième épisode, nous avons posé nos questions à Gilles Cuvelier, réalisateur français révélé en 2005 avec Chahut, présenté au Festival d'Annecy, puis sélectionné à la Semaine de la Critique en 2010 avec son film Love patate, et que l'on retrouve régulièrement aux génériques des films de ses collègues du Studio Train-Train et de la société de Production Papy3D (qu'il a tous deux participé à créer).

Cette année, son dernier film en date (Fool Time) job était notamment en compétition à Clermont-Ferrand (à la fois en sélection nationale et internationale) et à Annecy. Cette fable clinique et noire raconte l'histoire d'un homme contraint d'accepter un travail ambigu et inquiétant pour nourrir sa famille. Sa mise en scène ultra précise et son sens aigu de l'ellipse permettent d'avancer implacablement vers un trouble de plus en plus palpable. L'épure du récit, le choix du noir et blanc et l'actualité brûlante du contexte social du film lui confèrent une dimension quasi prophétique qui n'en est que plus glaçante.

Ecran Noir : Votre film est ancré dans son époque, avec un fond social et politique extrêmement fort. Comment est-il né ?

Gilles Cuvelier : Le film devait au départ être une relecture des Chasses du comte Zaroff. Mais son origine première vient d'un dessin représentant celui qui allait devenir le personnage du film, en train de se déshabiller dans une forêt, face à un casier métallique. J'avais donc ce thème de la chasse à l'homme en tête. Puis le projet a été en pause plusieurs années car je travaille pour beaucoup de réalisateurs entre deux films personnels. Le jour où j'ai repris le scénario, j'ai en grande partie gommé cet aspect premier (la chasse à l'homme) pour y introduire cette observation du monde du travail et consolider le thème principal du film : la domination.

EN : Pouvez-vous nous dire quelques mots sur les choix esthétiques ? Comment se sont-ils faits ?

GC : J'ai assez rapidement choisi le noir et blanc. Mes références pour ce choix sont plutôt les films de Jarmusch en noir et blanc et notamment Down by law, même si au final on a du mal à le déceler. La couleur ne m'apportait que des problèmes pour ce film. Je ne voulais pas distraire le spectateur avec de « belles » ambiances colorées. Par contre, la lumière était primordiale. Pour les personnages, dès le départ je les voulais mi- humains, mi-animaux. Avec leurs becs, ils peuvent rappeler les oiseaux. Le personnage principal n'a pas de bouche, je vois son visage un peu comme un masque. L'image du film est très grouillante, très dense et granuleuse, chose présente dès mes premières esquisses. En général, je fais peu de recherches. J'affine l'aspect du film en le commençant.

EN : L'animation, aux yeux du grand public, ne va pas forcément de pair avec engagement et sujets politiques. Quel atout offre-t-elle, à votre avis, pour traiter de telles thématiques ?

GC : Je pourrais répondre qu’elle offre avant tout un regard décalé. Un pas de côté. Même pour des sujets actuels ou réalistes. Une chanson engagée offre autre chose qu’un article de journal engagé lui aussi. Mais ce côté décalé n’est pas l’apanage de l’animation, la prise de vue réelle en est tout autant capable et souvent bien plus efficace !
En fait c’est le cinéma tout court qui est capable de ça. En tout cas pour quelqu’un comme moi qui fait un cinéma narratif plutôt classique, j’évite au maximum de me poser la question de savoir si l’animation est justifiée ou non, ou si elle apporte quelque chose ou non. Je ne pense jamais à ce que peut apporter ou non l'animation pour mes films. C’est juste mon mode d’expression propre et la façon de fabriquer des films qui me convient le plus.

EN : Quel a été le principal challenge au moment de la réalisation ?

GC : Comme je n’aime pas faire deux fois la même chose, pour ce film, je n’ai pas fait de storyboard mais directement le layout ( la phase juste avant l’animation). J’ai donc construit la mise en scène de façon chronologique et le film s’est monté petit à petit comme ça. Normalement on ne procède pas ainsi mais cela m’a permis d’improviser durant toute la fabrication du film. Et de ne pas m’ennuyer ! J’avais donc le scénario en tête (que je n’ai jamais ouvert durant la fabrication) et j’ajoutais des scènes ou j’en enlevais au gré des besoins du film. Je pense que cette façon de faire a vraiment eu un impact sur la mise en scène. Si le film est si étrange dans son rapport aux ellipses et à la temporalité en général, c’est en grande partie dû à cette méthode peu conventionnelle, je pense.

EN : Quel genre de cinéphile êtes-vous ?

GC : Un vrai gruyère ! Un cinéphile à trous ! Ça va des Feebles de Peter Jackson à Stalker, avec d’énormes lacunes que j’essaie de combler au fur et à mesure des années. Mon enfance et mon adolescence ont été bercées par les films grand public américains des années 80. Et même si je ne fais absolument pas ce genre de films, cela a certainement influencé certaines choses en moi. Mais je voyais aussi des films que je n’aurais jamais dû voir à l’époque. Je pense à Délivrance par exemple, que j’ai dû mater avec mes parents quand j’avais une dizaine d’années, sur le canapé familial. N’appelez pas la police s'il vous plaît !

EN : De quel réalisateur, qu’il soit ou non une référence pour votre travail, admirez-vous les films ?

GC : Le nom qui me vient aujourd'hui est Jim Jarmusch. De plus en plus.

EN : Quel film (d’animation ou non) auriez-vous aimé réaliser ?

GC : Alors là, je ne vais pas faire le malin en vous citant un film d’auteur obscur pour faire bien. J’aurais adoré réaliser un film comme Retour vers le futur, ou Gremlins, ou Ghostbusters... Bref un film de la bande Zemeckis, Reitman, Spielberg, Dante... Des films populaires, malins et ambitieux. Mais je reste sur Retour vers le futur qui synthétise un peu le meilleur de ce cinéma selon moi. Je pense que les tournages de ces films devaient être incroyables.

EN : Comment vous êtes-vous tourné vers le cinéma d’animation ?

GC : Rien que de très banal. Je voulais faire de la BD, puis j’ai opté pour les Arts Appliqués après mon bac scientifique. Après un BTS, la première section post bac publique en animation s’est créée dans mon école, l’Ésaat, et j’ai été pris. Avant cela, ces métiers me paraissaient inaccessibles et je ne voyais pas trop comment m’en approcher. Puis après ce DMA [Diplôme des métiers d'art] et 2 ans aux Gobelins ( pour info : 5000 francs l’année à l’époque, si des étudiants me lisent), j’ai commencé à travailler aux Films du Nord, qui m’ont permis de réaliser mon premier film, Chahut, en 2005. Le déclic pour le court fut une émission sur Arte avec pour thème les films de l’école de la Cambre, dans les années 90, ainsi que l’Oeil du Cyclone sur Canal plus. J’ai par contre détesté mes stages sur de grosses séries animées. Je préférerais changer de métier plutôt que de revivre ça !

EN : Comment vous situez-vous par rapport au long métrage ? Est-ce un format qui vous fait envie ou qui vous semble accessible ?

GC : Je milite pour des longs peu chers ! Et des films plus adultes. L’animation peut coûter moins aujourd’hui et prendre moins de risques financiers pour pouvoir faire des films autres que des films tout public. Sans devoir passer 6 ans à trouver 5 ou 7 millions et multiplier les intervenants et les décideurs qui nuisent souvent à l’intégrité du film. Donc oui, cela me semble accessible. Mais à moi de convaincre les décideurs que c’est possible. Que l'on peut faire autrement.

EN : Comment voyez-vous l’avenir du cinéma d’animation ?

GC : Cela dépend où on se place. Le court a explosé et s'est professionnalisé depuis 15 ans. Le long européen existe de plus en plus ( mais restons réalistes, beaucoup d’échecs au niveau des entrées pour nombre d'entre eux...) Il y a une relocalisation des métiers, on manque d'animateurs par exemple. Artistiquement, le long commence à nous proposer autre chose et c'est bien. Mais ce sont les films des grands studios US qui raflent la mise. L'animation est partout, et pas seulement dans les films. On dit que le milieu de l'animation est fait de creux et de vagues. Je pense qu'on est en haut de l'une de ces vagues justement...


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Les rencontres animées de l’été (1/6) : Nara Normande, réalisatrice de Guaxuma

Posté par MpM, le 20 juillet 2018

A l'occasion de cette pause estivale, Ecran Noir part à la rencontre du cinéma d'animation. Six réalisatrices et réalisateurs de courts métrages parlent de leur travail, de leurs influences et du cinéma en général.

Pour ce premier épisode, nous avons posé nos questions à Nara Normande, réalisatrice brésilienne révélée dès son premier film Dia estrelado en 2011, puis sélectionnée à la Quinzaine des réalisateurs en 2014 avec Sem Coração, co-réalisé avec Tião.

Au dernier festival d'Annecy, elle présentait Guaxuma, un court métrage intime sur ses souvenirs d'enfance, et la profonde amitié qui la liait à son amie Tayra. Une oeuvre délicate qui donne toute sa mesure à l'animation de sable et évoque la douceur des paradis perdus, avant de se voiler peu à peu d'une mélancolie contagieuse et profonde.

Ecran Noir : Comment est né le film ?

Nara Normande : La plage où j’ai passé mon enfance m’inspire toujours. C’était à Guaxuma, où j’ai tourné mon court précédent (Sem Coração, co-réalisé par Tião). Après la mort de mon amie d’enfance Tayra, j’ai eu envie de parler de cette plage et de cette amitié avec un rapport plus personnel.

EN : Pouvez-vous nous dire quelques mots sur les choix esthétiques ? Comment se sont-ils faits ?

NN : La technique que j’utilise dans mes films dépend de l’histoire que je veux raconter. Guaxuma parle des souvenirs et des rêves, et pour moi le film est arrivé naturellement comme une animation. Utiliser le sable de différentes façons me semblait un bon choix. Je n’avais  jamais travaillé avec du sable, mais j'aime découvrir des nouveaux univers et les défis me motivent.

EN : Le film traite d'un sujet intime. Comment avez-vous abordé cet aspect-là tout au long du processus ?

NN : Au début c’était dur, c’est un sujet très émouvant pour moi.  Mais il y a eu des personnes essentielles dans le processus comme Tião (consultant scénario) - qui m’a suivie depuis la première version - et Eduardo Serrano (monteur) - qui a commencé à travailler au montage depuis les premiers dessins du story-board. Ils avaient une vision plus éloignée de l’histoire et ça m’a aidée. Mais avec le temps, j’ai pu laisser l’émotion de côté et penser plus objectivement au film. J’étais tranquille quand on a commencé la tournage. La décision de laisser ma propre voix (prise juste au dernier moment) était aussi difficile, et l'actrice Maeve Jinkings, qui a fait la direction de voix, a également été essentielle pour le processus.

EN : Quel a été le principal challenge au moment de la réalisation ?

NN : Avoir la persévérance et la patience pour finir le film comme il le méritait et ne pas laisser les animateurs et animatrices perdre leur motivation. C’est un film assez compliqué techniquement, l’animation de sable est une de plus difficiles à faire - chaque personne faisait une moyenne de 5 images par jour.

EN : Quel genre de cinéphile êtes-vous ?

NN : Mauvaise ! S’il y a un film qui m’inspire, je prends des notes, je le revois souvent… mais je ne vais pas nécessairement voir toute la filmographie du réalisateur ou de la réalisatrice. C’est arrivé quelques fois, bien sûr, mais ce n’est pas commun.  Il y a beaucoup de films que je veux voir, mais j’y vais doucement. Mon père, lui, il est un cinéphile! Il connait le cinéma beaucoup mieux que moi et il m’a clairement inspirée pour travailler dans le cinéma…

EN : De quel réalisateur, qu’il soit ou non une référence pour votre travail, admirez-vous les films ?

J’aime beaucoup Lucrecia Martel et Agnès Varda, par exemple. Dans Guaxuma,  j’ai fait un hommage direct à Agnès, à ces plages. Aussi, j’ai choisi de faire le mix du son avec Emmanuel Croset, qui est le mixeur de la plupart de films de Lucrecia. J’aime le cinéma des Dardenne aussi. Ici, au Brésil, il y avait Hector Babenco (Pixote) et Andrea Tonacci (Serras da Desordem). Il y a aussi des films d’animation qui m’ont inspirée pour Guaxuma, comme les courts The man with the beautiful eyes, de Jonathan Hodgson et This Could Be Me, de Michaela Pavlátóva. Dans les longs animés, j’aime bien Persepolis. Il y a pas mal de gens qui m’inspirent !

Quel film (d’animation ou non) auriez-vous aimé réaliser ?

La Cienaga de Lucrecia Martel.

Comment vous êtes-vous tournée vers le cinéma d’animation ?

J’ai toujours aimé le cinéma, mais je n’aimais pas les films d’animation que je voyais pendant l’adolescence (je ne suis pas très partisane de l’animation 3D). J’aimais aussi sculpter des poupées, dessiner. Peu à peu j’ai commencé à découvrir les courts métrages d’animation indépendants et j’ai été fascinée. Au lycée, j’ai fait mes premiers tests de cinéma en stop motion, c’était plus facile car je n’avais pas besoin d’une grande équipe. Après, j’ai écrit mon premier film professionnel en stop motion. J’ai eu un budget pour le faire et j’appris à le réaliser pendant la production avec beaucoup de recherches et d’efforts. En 2010, j’ai commencé à travailler dans un festival international d’animation,  j’étais en charge de la programmation du festival pendant 5 ans. Encore aujourd'hui je travaille dans la programmation de quelques festivals au Brésil (surtout les programmes animés) et cette expérience est super important pour ma formation comme réalisatrice.

Comment vous situez-vous par rapport au long métrage ? Est-ce un format qui vous fait envie ou qui vous semble accessible ?

J’ai un projet de long-métrage avec Tião, co-réalisateur de Sem Coração, qui sera produit par Emilie Lesclaux (Les Bruits de Recife, Aquarius). C’est un film en prise de vues réelles inspiré de l’univers de notre court-métrage Sem Coração. J’ai un projet d’un deuxième long que je vais réaliser toute seule, c’est aussi en prise de vues réelles, mais il y a un rapport avec un monde fantastique et l’univers artistique de l’animation. Je veux réaliser un long-métrage d’animation d’ici quelques années quand j’aurai plus d’expérience. Il faut avoir un bon budget et être encore plus persévérante pour le faire et je ne suis pas prête encore.

Comment voyez-vous l’avenir du cinéma d’animation ?

Je pourrais emprunter beaucoup de chemins pour répondre votre question. Mais je vais en choisir un : je vois aujourd'hui moins de préjugés et de barrières entre le cinéma en prise de vues réelles et le cinéma animé et je pense que c’est un bon signe.  Mais le cinéma animé est encore jugé comme un genre et pas comme un moyen de raconter une histoire, soit-elle fiction, documentaire ou expérimentale. Je pense qu’il faut séparer la façon de les produire et de les financer car c’est un processus technique assez différent, mais pas la façon de les voir.

Nara Normande sur Viméo

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Cannes 2018 : Nos retrouvailles avec Jean-Luc Godard

Posté par MpM, le 10 mai 2018

La 71e édition du Festival de Cannes sera godardienne ou ne sera pas. Cinquante ans après le fameux festival 1968 qu’il contribua à faire arrêter, le doyen des cinéastes de la Nouvelle vague est de retour sur la Croisette, avec à la fois une affiche tirée d’un de ses films (Pierrot le fou) et un long métrage en compétition, Le livre d'image.

Si l’on sait qu’il ne sera pas personnellement présent à Cannes (il s’en était clairement expliqué lors de sa dernière sélection en 2014), son ombre planant sur le tapis rouge a quelque chose de forcément ultra symbolique, surtout en cette année anniversaire des révoltes étudiantes et ouvrières de Mai 68.

D’autant que Jean-Luc Godard et Cannes, c’est une histoire longue et mouvementée qui court elle-aussi sur un demi-siècle. Le Festival est totalement passé à côté des chefs d'œuvre du cinéaste et, c’est difficile à croire, n’avait remarqué ni A bout de souffle (Ours d’argent du meilleur réalisateur à Berlin), ni Pierrot le fou (sélectionné à Venise), ni Le mépris, ni Alphaville (Ours d’or à Berlin), ni La Chinoise (sélectionné à Venise)… ni aucun des films de la prolifique période 1960-1968.

Alors, c’est vrai, le réalisateur avait fait sa première incursion dans la course à la palme d’or en 1962, grâce à Cléo de 5 à 7 d’Agnès Varda, dans lequel il apparaît. Mais en réalité, il aura fallu attendre 1970, et un film relativement mineur, Vent d’Est, pour que Godard soit sélectionné à Cannes avec l’une de ses œuvres. Et encore : pas en compétition officielle, mais à la Quinzaine. C'est un début.

Les années suivantes, on le retrouve dans la section « Perspectives du cinéma français » (qui n’existe plus aujourd'hui) : en 1976 avec Comment ça va et en 1977 avec Ici et ailleurs. Enfin, Gilles Jacob répare « l’oubli » (le manque absolu de discernement ?) dont il avait été victime en invitant enfin Godard en sélection officielle en 1980 avec Sauve qui peut (la vie). Suivront Lettre à Freddy Buache (Un Certain regard, 1982), Passion (Compétition, 1982), Détective (Compétition, 1985), Aria (Compétition, 1987), Histoires du Cinéma (Séance spéciale, 1988), Nouvelle vague (Compétition, 1990), Histoire(s) du cinéma (Un Certain regard, 1997), Eloge de l’amour (Compétition, 2001) ou encore Notre musique (Hors Compétition, 2004).

Au milieu des années 2000, il devient un habitué de la sélection Cannes Classics, où sont montrés Moments choisis des Histoire(s) du cinéma (2005), Loin du Vietnam (2009), Pierrot le fou (2009), Masculin féminin (2016) et même Paparazzi de Jacques Rozier en 2017, un court métrage qui relate le tournage du Mépris.

Comme pour se rattraper de l’indifférence des premières années, Cannes semble ne plus pouvoir se passer de Godard, et continue en parallèle des classiques à inviter méticuleusement chacun de ses nouveaux films : en 2010, Film socialisme est à Certain Regard, en 2014, Les ponts de Sarajevo est montré en séance spéciale et Adieu au langage en compétition (il rafle un prix du jury ex-aequo avec Xavier Dolan, tout un symbole).

Et même quand il n’a pas de longs métrages à présenter, Godard réussit à s’inviter dans la grand messe cannoise : en 2013, son court métrage The three disasters est en clôture de la Semaine de la Critique dans le cadre du programme 3X3D aux côtés de Peter Greenaway & Edgar Pêra. En 2016, l’affiche de la sélection officielle est tirée du Mépris. En 2017, il est carrément le personnage principal du Redoutable de Michel Hazanavicius.

Certains fustigent d’ailleurs l’image comico-ridicule que donne de lui le film, et s’insurgent de cette pochade qui s’attaque à leur idole. Le livre d'image sera-t-il une forme de droit de réponse ? Un nouveau virage dans la carrière du réalisateur ? La poursuite de ses expérimentations des dix dernières années ? Peu de choses ont transpiré sur le film, mais il figure probablement parmi les plus attendus de ces dix jours. Parce que Cannes s’essouffle, le cinéma s’étiole, la critique se meurt, mais l’effet Godard, lui, n’a rien perdu de son pouvoir d’attraction.

Cannes 2017 : Qui est Stacy Martin ?

Posté par MpM, le 17 mai 2017

Vous ne connaissez peut-être pas son nom, mais si vous avez vu son visage, ne serait-ce qu'une fois, alors vous ne pourrez plus l'oublier. Stacy Martin, jeune actrice franco-britannique née en 1991, évoque Liv Tyler à ses débuts, tout en fraîcheur et délicatesse, avec des airs de Madone magnétique qui fascinent réalisateurs comme spectateurs.

Evidemment remarquée très tôt, elle est d'abord mannequin ("une activité annexe pour payer mes cours de comédie" explique-t-elle), avant d'être choisie par Lars von Trier pour incarner le personnage de Joe, l'héroïne de Nymphomaniac (2013), dans sa période adolescente. Tout de suite, on est aimanté. Les scènes où elle apparaît sont les plus réussies, les plus gracieuses. On croit à sa fausse candeur, à ses désirs irrépressibles, à sa douleur. Elle fait oublier tout le reste du film et rend la performance de Charlotte Gainsbourg (qui reprend le flambeau du personnage adulte) un peu fade.

Après l'univers sulfureux du cinéaste danois (et pas mal de scènes de nudité), elle rejoint la fresque fantastique Tale of tales de Matteo Garrone qui est sélectionnée en compétition à Cannes en 2015. Symboliquement, elle y incarne la quintessence de la jeunesse et de la beauté, une forme de miracle inaccessible et enchanteur. Inutile de se demander pourquoi le cinéaste italien a fait appel à elle... elle est globalement la jeune femme que l'on rêverait tous d'être (oui, oui, hommes compris).

2015 est définitivement son année puisqu'on la retrouve également à l'affiche de La Dame dans l'auto avec des lunettes et un fusil de Joann Sfar (dans le rôle secondaire mais venimeux d'Anita, la bonne copine de l'héroïne), Winter de Heidi Greensmith et surtout Taj Mahal de Nicolas Saada.

Dans ce quasi huis-clos terrifiant mais minimaliste, c'est sur son visage que se déroule toute l’action du film. La frêle jeune fille, d’une pâleur de plus en plus extrême au fur et à mesure qu’avance l’intrigue, est presque de tous les plans. Ses yeux reflètent l’horreur, son corps accuse la progression fulgurante de l'angoisse. Seule dans la salle de bains, rampant sous le lit, épiant le moindre bruit, elle devient une bête traquée, prise au piège, dont le moindre geste peut s’avérer fatal. Le film est extrêmement puissant et elle y est magistrale. Le résultat ne se fait pas attendre : elle figure dans la première liste des révélations pour les César 2016. Elle n'est pas dans le quinté final, mais on se dit que ce n'est plus qu'une question de temps... et de rôle.

Depuis, on l'a aperçue chez Ben Wheatley (High rise), dans L'enfance d'un chef de Brady Corbet (primé à Venise) et The last photograph de Danny Huston (non sortis en France). Mais c'est surtout dans Le redoutable de Michel Hazanavicius, en Anne Wiazemsky aux côtés de Louis Garrel en Jean-Luc Godard que l'on a hâte de la retrouver. Comme un passage de relais symbolique entre deux générations de cinéma ?

Cannes 2015 : Qui est Michel Franco ?

Posté par MpM, le 22 mai 2015

michel franco

Quatre films, trois sélections cannoises. Belle moyenne pour le réalisateur Michel Franco, à peine âgé de 36 ans, et désormais présenté partout comme "la relève du cinéma mexicain", qui accède pour la première fois cette année à la compétition officielle.

Cet autodidacte revendiqué s’est fait remarquer dès son premier long métrage, Daniel y Ana, sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs en 2009, qui racontait comment la relation entre une jeune femme et son frère adolescent était irrémédiablement altérée suite à leur enlèvement. Le cinéaste y imposait sa marque de fabrique, à savoir un cinéma dérangeant, extrêmement maîtrisé, mais refusant toute explication psychologique. Probablement sous l’influence de Bresson et Bergman dont il admire les "études de la condition humaine" et les "formes" trouvées pour les mener à bien.

Logiquement, son film suivant est de retour sur la Croisette trois ans plus tard, direction la section Un certain Regard. Despues de Lucia divise violemment la critique en montrant le calvaire d’une jeune fille harcelée et maltraitée par ses camarades de classe. Tandis que ses détracteurs le trouvent "pervers" et "complaisant", ses défenseurs vantent la précision et la densité de sa mise en scène, ainsi que la force de son propos. Le jury présidé par Tim Roth tranche et lui décerne son Prix. C’est la consécration pour Michel Franco, qui devient immédiatement le "jeune cinéaste sud-américain" à suivre.

Certains auraient eu du mal à supporter la pression, lui décide de réagir par le travail. Il se lance à corps perdu dans son troisième long métrage, A los ojos (inédit en France), réalisé avec sa sœur documentariste, Victoria Franco. Le film, qui sera notamment présenté au festival de Moralia, suit le quotidien d’une travailleuse sociale dont le dévouement est plus ambigu qu’il n’y paraît. Il aura peu de retentissement au niveau international, mais qu'importe, le cinéaste continue de creuser son sillon (et de poursuivre ses fantômes ?).

Son nouvel opus, Chronic, place ainsi à nouveau le thème de la famille au cœur de l’intrigue en mettant en scène un infirmier (incarné par Tim Roth rencontré à Cannes quand l'acteur était président du jury Un certain regard) qui assiste des patients en phase terminale et tente de renouer des liens avec la famille qu'il a abandonnée. Un sujet qui devrait a minima permettre à Michel Franco de renouer avec son sport favori : diviser la critique.

Cannes 2015: Qui est Zhao Tao ?

Posté par MpM, le 20 mai 2015

zhao taoL'actrice chinoise Zhao Tao ne se destinait pas au cinéma, mais à la danse, qu’elle a pratiqué durant toute sa jeunesse. Devenue professeur à l’université, elle rencontre le réalisateur Jia Zhang-ke par hasard lors du casting pour Platform. A la recherche d’étudiantes, il décide finalement de lui proposer le principal rôle féminin. C’est le début d’une collaboration (et d’une histoire d’amour) qui se poursuit jusqu’à aujourd’hui.

Ensemble, ils se font l’écho d’une jeunesse désenchantée et paumée (Plaisirs inconnus, 2002), explorent l’univers confiné d’un parc d’attractions, métaphore d’une Chine aux apparences trompeuses (The world, 2004), dénoncent les victimes collatérales du "miracle économique" (Still life, 2006), témoignent encore et toujours des impacts de la transformation de l’économie planifiée à l’économie de marché à travers le démantèlement d’une cité ouvrière modèle (24 city, 2008) ou des bouleversements de la ville de Shanghai (I wish I knew, 2010), et n’en finissent plus de dénoncer les injustices et la colère qui monte dans une société où la violence semble le dernier recours (A touch of sin, 2013). Cette année, ils sont de retour à Cannes, où la majorité de leurs films ont été présentés, avec un nouveau projet intitulé Mountains May Depart, en course pour la Palme d’or.

Mais si Zhao Tao, de son propre aveu, « s’arrange » pour participer à tous les projets de son mari, elle mène aussi de son mieux une carrière parallèle. On l’a notamment vue dans Dada de Yuan Zhang, Ten thousands waves d’Isaac Julien aux côtés de Maggie Cheung ou La petite Venise d’Andrea Segre, qui lui a valu un prix d’interprétation au Festival de Venise.

D’après Jia Zhang-ke, la principale qualité de Zhao Tao serait de se "fondre" dans les lieux où elle évolue, si bien qu’elle donne toujours l’impression d’appartenir réellement à ce lieu et non d’y être "une touriste". Elle est également pour lui une source d’inspiration, à la fois pour les idées qu’elle apporte sur le tournage, et pour les expériences personnelles dont elle peut nourrir ses personnages. Elle a par exemple travaillé dans un parc d’attractions comme celui qui apparaît dans The world, et avait déjà expérimenté la sensation pesante de répétition infinie qui y règne et que retranscrit le film.

Muse, collaboratrice et comédienne chevronnée, Zhao Tao prouve ainsi triplement, s’il en était besoin, qu’elle n’est pas seulement "la compagne de" mais bien une artiste à part entière. Que l’on rêve juste de voir plus souvent à l'écran.

Cannes 2015: Qui est Tadanobu Asano ?

Posté par MpM, le 19 mai 2015

Tadanobu AsanoSéduisant, Tadanobu Asano l’est assurément, avec son air rebelle, son regard effronté et sa gueule d'ange déchu. Mais pour se distinguer des falots pop-idols qui se battent pour avoir sa place, il a opté pour un détachement qui transpire jusque dans la moitié de sa filmographie. Depuis ses débuts, le comédien alterne en effet les rôles de personnages gauches et paumés avec des compositions plus extériorisées de psychopathes borderline.

Qui est-il vraiment ? La légende veut qu’il soit dans le privé un homme simple, père modèle et rangé, dont les seuls excès consistent à chanter dans le groupe Mach 1.67 qu’il a créé avec le réalisateur Gakuryû Ishii. Devenu acteur un peu par hasard (il refuse d’ailleurs toujours le terme) lorsque son père, agent de comédiens, lui obtient un rôle dans un série télévisée, il se fait remarquer pour la première fois en 1993 dans Fried Dragon Fish de Shunji Iwai. Il a vingt ans, et le cinéma ne semble attendre que lui.

Dans la décennie qui suit, on le retrouve chez Kore-Eda (Maborosi, Distance), Shinji Aoyama (Helpless), Ishii Katsuhito (Shark Skin Man and Peach Hip Girl, Party 7), Nagisa Oshima (Tabou) et Takashi Miike (Ichi the killer). Rien qu’en 2003, il est à l’affiche de quatre films asiatiques de premier plan : Café lumière de Hou Hsiao-Hsien dans lequel il dirige une boutique de bouquinistes et enregistre à ses heures perdues le bruit des trains qui traversent la ville ; Jellyfish de Kyoshi Kurosawa, où il incarne un jeune homme obsédé par une méduse et sombrant dans une folie criminelle ; Last life in the universe de Pen-ek Ratanaruang qui le met en scène en jeune homme mutique et suicidaire (encore) confronté à une violence qui le dépasse ; Zatoichi de Takeshi Kitano où il est un samouraï virtuose.

L’éclectisme et la variété dont fait preuve l’acteur a quelque chose de vertigineux et de jouissif. Rien ne lui semble impossible, et de ce fait les metteurs en scène de tous horizons le sollicitent, lui proposant sans a priori des rôles violents ou contemplatifs, légers ou terrifiants, décalés ou absurdes. Il participe ainsi à la très belle aventure de The taste of tea, chronique familiale barrée, poétique et sensible de Ishii Katsuhito, puis se laisse à nouveau entraîner dans un polar poisseux et étrange avec les Vagues invisibles de Pen-ek Ratanaruang, se mue en Ghengis Khan pour le Mongol de Sergey Bodrov, souffre d’amnésie pour Shinya Tsukamoto (Vital)… Le moins qu’on puisse dire est qu’il ne laisse enfermer dans aucun type de personnage, jouant tout avec gourmandise, et succès.

Curieusement, le début des années 2010 marque un tournant dans ses choix de comédien. A-t-il fini par se lasser ou s’est-il laissé charmer par les sirènes d’une carrière internationale ? Tadanobu Asano tourne plus souvent hors d’Asie et accepte des superproductions hollywoodiennes. En 2011, il rejoint ainsi l’équipe de Thor réalisé par Kenneth Branagh pour interpréter Hogun, l’un des amis du personnage principal. "J’ai du sang néerlandais et norvégien, donc j’ai le sentiment qu’il était nécessaire que je rejoigne le film", explique-t-il à l’époque. "Car j’ai l’impression que Thor est le point de départ pour trouver mes racines. J’ai découvert que j’ai de la famille aux Etats-Unis, je veux prendre mon temps et faire de mon mieux pour que les spectateurs étrangers me connaissent mieux, et c’est aussi un processus dont je veux profiter." Il y aura ensuite Battleship de Peter Berg, Thor 2 d’Alan Taylor et 47 Ronin de Carl Erik Rinsch.

Comme pour prouver que l’Occident n’a aucune prise sur lui, l’acteur poursuit en parallèle une carrière asiatique, mais ses films s’exportent moins qu’autrefois. Comme s’il traversait le premier passage à vide de sa carrière, près de vingt-cinq ans après ses débuts. Un passage à vide tout de même plus que relatif, puisque Martin Scorsese a fait appel à lui pour son prochain film, Silence, et qu’il sera présent une nouvelle fois sur la Croisette avec Journey to the shore de Kiyoshi Kurosawa. On a vu des agendas moins bien remplis.