Cannes 2019: Nos retrouvailles avec Fernanda Montenegro

Posté par vincy, le 20 mai 2019

C’est une grande dame du cinéma brésilien (et pour le coup du cinéma mondial) qui revient par la grande porte du 7e art. La vie invisible de Euridice Gusmao de Karim Aïnouz, adaptation du roman de Martha Batalha, est sélectionné à Un certain regard, et met en vedette Fernanda Montenegro. Il y a 20 ans, l’actrice était nommée aux Oscars (la seule comédienne lusophone a avoir été nommée), un an après avoir reçu l’Ours d’argent de la meilleure actrice à Berlin pour Central do Brasil de Walter Salles, qui remporte également l'Ours d'or du meilleur film. En France, le film a attiré près de 600000 spectateurs dans les salles, le plus gros succès du cinéma brésilien dans le pays, toujours aujourd’hui.

Fille de la classe ouvrière, Arlete Pinheiro Esteves da Silva, son nom de naissance, approche des 90 ans. Elle est considérée comme la plus grande comédienne de son pays. Honorée d’à peu près toutes les breloques officielles que le Brésil compte, en plus de prix internationaux (y compris un Emmy Award), elle a traversé les décennies depuis ses début dans les années 1950, quand elle a été la première actrice à signer un contrat avec la chaîne Tupi. Vedette de « telenovelas », parmi les plus populaires (parmi lesquelles Danse avec moi, qui a fait les belles heures de TF1 dans les années 1980), Fernanda Montenegro reste l’une des personnalité les plus influentes du pays. C’est notamment elle qui a lu un poème lors de la cérémonie d’ouverture des J.O. de Rio, doublée en anglais pas une autre Lady, Judi Dench.

Grande comédienne de théâtre, cette littéraire n’a jamais cessé de jouer, de la comédie à la tragédie. Au cinéma, elle a débuté en 1965 avec A Falecida, de Leon Hirszman, où elle interprète une jeune femme obsédée par la mort, jusqu’à prévoir le moindre détail de ses funérailles. Occupée par le petit écran et les planches, elle ne tourne pas tant que ça. On la remarque chez Arnaldo Jabor dans Tudo bem, comédie catastrophe de 1978. A noter que Fernanda Torres, sa fille, a remporté le prix d’interprétation au Festival de Cannes pour le film Parle-moi d’amour du même Arnaldo Jabor. En 1985, elle figure au générique en second-rôle dans A Hora da Estrela, de Suzana Amaral, trois fois primé à Berlin et sacré à La Havane.

Il faut réellement attendre les années 1990 pour que Fernanda Montenegro prenne le cinéma au sérieux. Elle apparaît dans un court métrage de Carlos Diegues, Veja Esta Cançao, fait face à Alan Arkin dans Quatre jours en septembre, de Bruno Barreto. Le film est nommé aux Oscars et en compétition à Berlin. Puis vint Walter Salles avec Central do Brasil, où elle joue une vieille femme pieuse et revêche qui se prend d’affection pour un gamin qui cherche son père. Une performance unanimement saluée qui lui vaut une myriade de prix.

En 2004, elle frappe de nouveau avec L’autre côté de la rue de Marcos Berstein. Le film va à Berlin et San Sebastian. L’actrice est récompensée à Tribeca (New York). En 2005, dans La maison de sable de son gendre Andrucha Waddington, elle interprète trois rôles. Le film est récompensé à Sundance.

Figure engagée pour la défense de la culture, dans un pays qui est en train de couper dans toutes les aides, elle semble faire un retour. Outre La vie invisible, où elle a un rôle symbolique et qui sortira en décembre en France, elle a aussi tourné pour Claudio Assis (Piedade) et pour son beau-fils (O Juizo).

Cannes 2019: Nos Retrouvailles avec Imogen Poots

Posté par kristofy, le 19 mai 2019

Le parcours d'Imogen Poots est d’une certaine manière révélateur d’un aspect de l’industrie de cinéma : un appétit pour se nourrir des jeunes actrices, mais, quelques années plus tard, la difficulté de leur trouver des rôles valorisant.

Dès ses 18 ans, Imogen a la chance de débuter en étant bien entourée. Une courte participation à V pour Vendetta de James McTeigue avant d'être plus remarquée ans 28 semaines plus tard de Juan Carlos Fresnadillo. Elle est alors très demandée : Me and Orson Welles de Richard Linklater, Cracks de Jordan Scott, Centurion de Neil Marshall, Jane Eyre de Cary Fukunaga, Fright Night de Craig Gillespie, Célibataires ou presque de Tom Gormican, Le quatuor de Yaron Zilberman, A Very Englishman de Michael Winterbottom (au festival de Berlin en 2013), A Long Way Down réalisé par le français Pascal Chaumeil…

Elle est à chaque fois entourée par un casting très prestigieux mais manque d'obtenir un premier grand rôle féminin pour devenir une figure centrale parmi les étoiles montantes. Imogen Poots gardera longtemps cette image de jeune espoir : être dans la liste des 10 talents à suivre en 2012 pour le magazine Variety, un prix de Meilleure actrice dans un second rôle pour A Very Englishman (aux British Independent Film Awards 2013). Qu’importe si son nom n’est pas celui qui s'écrit en haut de l’affiche, elle est toujours appelée pour des productions de qualité : Broadway Therapy de Peter Bogdanovich, Knight of Cups de Terrence Malick, Chasseuse de géants d'Anders Walter…

Cette année Imogen Poots est donc à Cannes avec le film Vivarium de Lorcas Finnegan, avec Jesse eisenberg, l'un des événements de La Semaine de la Critique : "À la recherche de leur première maison, un jeune couple effectue une visite en compagnie d’un mystérieux agent immobilier et se retrouve pris au piège dans un étrange lotissement..."

C’est en fait la troisième fois qu’Imogen Poots vient sur la Croisette : on y avait déjà découvert déjà Chatroom de Hideo Nakata en 2010 (à Un Certain Regard) et ensuite dans Green Room de Jeremy Saulnier en 2015 (à La Quinzaine des Réalisateurs). Dans ce film, on l’a re-découverte transformée en punk au mauvais endroit au mauvais moment qui doit sauver sa vie. Imogen Poots était devenue une guerrière. Son joli physique juvénile ne lui fera plus jouer des ingénues, place enfin à des rôles plus adultes (dans Chasseuse de géants elle devient soutien de famille confrontée à un deuil).

Imogen Poots s’est métamorphosée progressivement de jeune actrice prometteuse en future grande actrice. La retrouver de nouveau à Cannes cette année devrait apporter cette confirmation.

Cannes 2019: Nos Retrouvailles avec Udo Kier

Posté par kristofy, le 16 mai 2019

Udo Kier est cet acteur allemand qui, dès ses débuts, a tourné dans quantité de films en Europe dans les années 70 avant de s’installer ensuite aux Etats-Unis. Son visage particulier percé d’un regard bleu perçant a fait de lui un second rôle recherché en particulier pour divers rôles de ‘méchants’ : aujourd'hui, il apparaît dans plus de 150 films !

C’est en 1979 que le Festival de Cannes sélectionne deux films dans lesquels il joue : Rhapsodie Hongroise de Miklos Jancso est en sélection officielle, et La Troisième Génération de Rainer Werner Fassbinder est à Un Certain Regard. Udo Kier a jouer dans trois films de Fassbinder mais aussi dans 8 films de son ami Lars Von Trier. C’est ainsi que Udo Kier apparaît plusieurs fois encore à Cannes : on le voit dans Epidemic en 1987, Europa en 1991, Breaking the waves en 1996, Melancholia en 2011.

La carrière de Udo Kier est marquée en particulier par le genre fantastique: en vampire pour Paul Morrissey (dans Chair pour Frankenstein en 1973, Du sang pour Dracula en 1974), ou en dictateur de l’univers nazi pour Timo Vuorensola (dans Iron Sky, et sa suite Iron Sky: The Coming Race). Dansson Panthéon, on trouve des films populaires ou cultes Histoire d'O de Just Jaeckin, Suspiria de Dario Argento, Johnny Mnemonic avec Keanu Reeves, Barb Wire avec Pamela Anderson, Armageddon de Michael Bay, La Fin des temps avec Arnold Schwarzenegger, BloodRayne de Uwe Boll, Halloween de Rob Zombie, Brawl in Cell Block 99 de S. Craig Zahler... C'est, à sa manière, un prince du Genre.

Udo Kier n’est pourant pas seulement un tueur au cinéma. Il a aussi eu des rôles plus diversifiés dans des films dramatiques signés, par exemple, d'Alexander Payne (Downsizing) ou de Gus Van Sant (My own private Idaho en 1991, Even cowgirls get the blues en 1993 et le dernier Don't worry, he won't get far on foot au Festival de Berlin 2018). La Berlinale lui avait d'ailleurs remis un Teddy Award d’honneur en 2015. Certains de ses films ont été à Venise (My son, my son, what have we done de Werner Herzog en 2009), et il a été membre du jury au Festival de Locarno (en 2004 et en 2015). Il navigue ainsi entre séries B et œuvres de festival, films cultissimes pour fans de fantastique et films plus expérimentaux vénérés par les cinéphiles (La chambre interdite, Ulysse souviens toi!).

Udo Kier est cette année quasiment re-découvert avec un hommage du festival fantastique de Bruxelles (le BIFFF) et un autre du festival de Gérardmer. Mais nul ne doute que ce sont ses retrouvailles avec le Festival de Cannes cette année qui vont lui valoir d'être redécouvert : il est un des personnages principaux (avec Sonia Braga, dont on célébrait les retrouvailles en 2016 avec Aquarius) dans le film brésilien Bacurau de Kleber Mendonça Filho et Juliano Dornelles (en compétition), annoncé comme un ‘western fantastique’.

« Dans un futur proche… Le village de Bacurau dans le sertão brésilien fait le deuil de sa matriarche Carmelita qui s’est éteinte à 94 ans. Quelques jours plus tard, les habitants remarquent que Bacurau a disparu de la carte... »

Cannes 2018: Nos retrouvailles avec Terry Gilliam

Posté par vincy, le 18 mai 2018

Un chemin de croix. Près de 20 ans qu'il en rêve. Terry Gilliam touche au but en présentant en clôture du Festival de Cannes son Don Quichotte. Une première tentative, avec Johnny Depp, Vanessa Paradis et feu Jean Rochefort, avait collectionné les avanies. Le tournage s'interrompit. Ce désastre fut l'objet d'un formidable documentaire de Keith Fulton et Louis Pepe, Lost in La Mancha, sorti en 2001.

Aujourd'hui on parle davantage du feuilleton judiciaire qui entoure L'homme qui tua Don Quichotte, objet d'un conflit financier entre le producteur Paulo Branco, qui permit de réveiller le projet, et les actuels producteurs, qui ont financé le film. A la sixième tentative c'était la bonne.

Mais peu importe, on est heureux de retrouver Terry Gilliam à Cannes avec son arlésienne, ce film qu'il a porté si longtemps, ce rêve d'enfant. A bientôt 78 ans, le britannique est l'un des rares cinéastes à avoir un fan-club authentique. Son style a même un nom, "Gilliamesque", qui fut d'ailleurs le titre de son autobiographie très illustrée (éditée chez Sonatine en France).

L'homme qui tua Don Quichotte sera son quatrième film en sélection officielle à Cannes. Il est d'abord venu en compétition avec Monty Python, Le sens de la vie, film culte et désopilant de 1983 et Grand prix spécial du jury, puis avec le déjanté Las Vegas Parano, avec Johnny Depp et Benicio del Toro, en 1998. On ne l'avait plus croisé sur les marches depuis 2009, avec L'imaginarium du Docteur Parnassus, hors-compétition.

Il faut dire que Terry Gilliam n'a rien réalisé depuis 2013 (Zero Theorem, peu convaincant), tout concentré qu'il était à l'idée de filmer l'adaptation très personnelle du classique de Cervantès. Ses films les plus récompensés - Brazil, sans doute son meilleur car son plus fondateur, Les aventures du Baron Münchausen, incontestablement son plus emblématique, Le roi Pêcheur (The Fisher King), magnifique et poétique - tous réalisés après la période Monty Python, ont affirmé sa singularité visuelle et narrative: des personnages fantasques, des univers oniriques, des délires flirtant avec Kafka, Bosch, ou Bukowski. Pas surprenant qu'il ait filmé Les frères Grimm, conteurs éternels, où, déjà, à l'instar de Don Quichotte, il remaniait leurs récits à sa manière.

Inégal, il a quand même su séduire un large public avec trois films. Outre Le roi Pêcheur, ses deux plus gros succès sont Bandits, bandits (1981), avec Sean Connery, film fantastique burlesque, et L'armée des 12 singes (1995), avec Bruce Willis et Brad Pitt, thriller entre anticipation et aliénation.

On voit bien que Terry Gilliam n'a jamais hésité à se frotter aux subconscients et aux genres. En créant un univers aussi personnel, il a composé une œuvre singulière et fascinante, un grand bazar d'images où la création est reine.

Cannes 2018: Nos retrouvailles avec Spike Lee

Posté par wyzman, le 14 mai 2018

Seize ans après avoir fait sensation dans la section Un certain regard avec l'un des segments de Ten Minutes Older, Spike Lee est de retour au Festival de Cannes. Pour la troisième fois de sa carrière. Il fait ainsi partie des (rares) Américains qui tenteront de décrocher la Palme d'or cette année, faut de productions Netflix ou de stratégies de studios plus enclins à positionner leurs films sur les festivals de l'automne. Et connaissant le monsieur, il y a de grandes chances pour que son nouveau film, Blackkklansman, crée une nouvelle polémique!

Le retour d'un incompris

Particulièrement chanceux, Spike Lee a dès son plus jeune âge fréquenté les meilleures écoles de la côte Est américaine. Plongé dans un milieu intellectuel malgré lui, il se forge rapidement son identité et des avis tranchés, notamment sur la cause noire. Et comme de nombreux prodiges, c'est à travers l'art qu'il s'exprime le mieux. Parmi ses grands films, impossible de ne pas citer Nola Darling n'en fait qu'à sa tête (sélectionné à la Quinzaine des réalisateurs dès son 2e long!), School Daze, Do the Right Thing et Jungle Fever, tous deux en compétition à Cannes respectivement en 1989 et 1991, Malcolm X et Inside Man, ses deux plus gros succès publics. Côté documentaires, il est évident que Katrina et Bad 25 sont des must-see.

Néanmoins, Spike Lee est comme de nombreux autres cinéastes talentueux, un incompris. Et cela notamment par les grands studios américains qui, relativement prudes, ne sont pas toujours partants pour financer les nouveaux projets d'un réalisateur désormais plus connu pour ses dérapages verbaux que pour ses prouesses techniques. Ainsi, on fait aujourd'hui plus souvent mention de Spike Lee pour l'évoquer comme détracteur de Quentin Tarantino et Clint Eastwood plutôt que pour aborder la richesse de son travail. Et qui se souvient de son dernier long métrage, Chi-raq, sorti dans l'indifférence générale en 2015? Tout comme Da Sweet Blood of Jesus en 2014, le raté Old Boy en 2013, Red Hook Summer en 2012, l'affreux Miracle à Santa Anna en 2008?

Voilà pourquoi ce 71e Festival de Cannes a tout d'une planche de salut pour Spike Lee, deux ans après un Oscar d'honneur qui panthéonisait finalement le premier grand auteur afro-américain du cinéma US ! Avec Blackkklansman, le réalisateur, âgé de 61 ans, raconte l'histoire vraie du premier policier Noir américain à avoir infiltré une branche locale du Ku Kux Klan. Nous sommes alors en 1978, dans le Colorado. Si les cinéastes américains en compétition se font rares cette année (Spike Lee n'aura de compatriote que David Robert Mitchell), Blackkklansman a déjà tout ce qu'il faut pour faire sensation sur la Croisette et attirer l'attention des médias, de l'actuel résident de la Maison-Blanche ainsi que de l'industrie cinématographique états-unienne toujours réticente à l'idée d'aller à Cannes par peur de critiques trop... justes?

Cannes 2018: Nos retrouvailles avec Nicoletta Braschi

Posté par vincy, le 13 mai 2018

Une si longue absence. Cette rubrique semble être faite juste pour elle. Nicoletta Braschi revient sur le grand écran, treize ans après son dernier film. Pourtant durant ces treize ans, sa vie a été mouvementée.

A Cannes, on se souvient d'elle comme membre du jury Cinéfondation et courts métrages lors du Festival de Cannes 2013. A peine trois semaines plus tard, elle est victime d'un accident de voiture, la laissant avec des blessures au visage. Ce n'était pas la seule blessure qui l'a éloignée du cinéma. Cinq ans plus tôt, son frère, le producteur Gianluigi Braschi décède à l'âge de 45 ans des suites d'une maladie grave.

Durant ces treize années sans cinéma, Nicoletta Braschi a préféré les planches dont Giorni felici (Oh les beaux jours), de Samuel Beckett, mis en scène par Andrea Renzi en 2013 et reprise en 2016.

A 58 ans, l'actrice italienne (et productrice) revient au cinéma, avec Heureux comme Lazzaro (Lazzaro felice) d'Alice Rohrwacher (Grand prix du jury à Cannes en 2014). Aux côtés de Adriano Tardialo, Sergi López et Alba Rohrwacher, elle incarne la marquise Alfonsina de Luna, qui règne sur un hameau resté à l’écart du monde où réside Lazzaro, un jeune paysan abusé à cause de sa bonté exceptionnelle.

Vous la reconnaitrez immédiatement. Son visage de muse de Raphaël, blonde aux airs vénitiens, a fait le tour du monde avec le film de son époux, Roberto Benigni, La vita è bella (La vie est belle), où elle incarnait sa femme déportée dans les camps. Elle a tourné dans tous les films de Benigni, et a même produit les deux derniers, Pinocchio et Le tigre et la neige (2005).

Nicoletta a aussi tourné pour Jim Jarmusch (Down by Law, Mystery Train), Marco Ferreri (Y'a bon les Blancs), Bernardo Bertolucci (Un thé au Sahara, où elle était une femme française), Blake Edwards (Le Fils de la panthère rose), Marco Tullio Giordana (Pasolini, mort d'un poète), Roberto Faenza (Pereira prétend), Paolo Virzi (Ovosodo, film aux accents néo-réaliste pour lequel elle reçoit un David di Donatello de la meilleure actrice dans un second rôle) et Francesca Comencini (J'aime travailler, primé à Berlin et pour lequel elle est récompensée comme meilleure actrice à Mar del Plata).

Il y a deux ans, elle disait que le mot carrière était plus adapté à sa prochaine vie. "Je n'ai aucun regret et je suis satisfaite du fait que j'ai fait des films qui ont la capacité de donner quelques heures de divertissement honnête à ceux qui les regardent" évoquait-elle. Et de mettre les points sur les "i": "Mon indépendance vient précisément par le fait que l'on travaille ensemble, collabore et se confronte. Je suis plus qu'heureuse et honorée de travailler avec Roberto Benigni, j'ai été très chanceuse de l'avoir rencontrée et d'avoir construit nos films avec lui".

La muse de Benigni, telle Giulietta Masina pour Federico Fellini, s'émancipe depuis plusieurs années, sur les planches. La voici qui entre dans l'univers onirique de Rohrwacher, voulant sans doute montrer sa part fantasque et une autre facette que celle d'une femme adulée par un génie de la comedia dell'arte. La grande popularité du couple mythique du cinéma italien n'a pas atteint son humilité et sa suavité, qui ne l'empêche pas d'incarner des femmes de caractères ou des rêveuses...

Cannes 2018: Nos retrouvailles avec Carlos Diegues

Posté par MpM, le 12 mai 2018

Cela fait plus de trente ans que Carlos Diegues n’était pas venu présenter l’un de ses nouveaux films à Cannes. Le chef de file du mouvement du Cinema Novo (mélange de néo-réalisme italien et de Nouvelle Vague française qui apparaît au Brésil au milieu des années 50) fut pourtant en son temps un grand habitué de la Croisette.

C’est en 1971 qu’il y fit sa première apparition avec Os Herdeiros (Les héritiers), l'un de ses premiers longs métrages, sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs.  Le film raconte l’histoire d’une famille brésilienne sur une période de 40 ans, ce qui permet au réalisateur de parler de l’histoire politique du pays et de ceux qui ont eu le pouvoir (ou qui pensaient l’avoir). Au générique, on retrouve notamment Jean-Pierre Léaud.

En 1978, retour à la Quinzaine avec Pluie d’été, une histoire d’amour entre septuagénaires dans un quartier pauvre de Rio. Deux ans plus tard, il décroche enfin une sélection en compétition officielle avec Bye bye Brasil, qui suit des forains proposant des spectacles aux populations les plus pauvres du Nord du pays, immédiatement suivie en 1981 d’une invitation à faire partie du jury des longs métrages.

C’est pour Carlos Diegues la décennie de la consécration, qui lui permet de revenir deux fois dans la course à la Palme d’or : en 1984 avec Quilombo et en 1987 avec Un train pour les étoiles.

Mais s’il continue de tourner régulièrement par la suite (Regarde cette chanson, Orfeu, Le plus grand amour du monde…), Cannes le boude tout au long des années 90 puis 2000. Il revient bien sur la Croisette, mais pour accompagner ses anciens films à Cannes Classics (Bye bye Brésil en 2004, Xica da Silva en 2012, ou encore le documentaire Cinema Novo, dans lequel il apparaît, en 2016) et comme membre du jury : celui de la Cinéfondation et des courts métrages en 2010, puis celui de la Caméra d’or (qu’il préside) en 2012.

Son grand retour en sélection officielle avec Le grand cirque mystique est ainsi une forme de surprise, doublée d'une excellente nouvelle. Déjà parce que l'on se réjouit de retrouver une nouvelle fois le grand réalisateur brésilien sur la Croisette, même si c'est en séance spéciale, mais aussi parce que le résumé du film laisse présager un récit romanesque à souhait, inspiré d'un poème de Jorge de Lima, et racontant l'histoire d'une famille sur cinq générations dans l'univers du cirque entre réalité, fantaisie et mysticisme.

Cannes 2018 : Nos retrouvailles avec Jean-Luc Godard

Posté par MpM, le 10 mai 2018

La 71e édition du Festival de Cannes sera godardienne ou ne sera pas. Cinquante ans après le fameux festival 1968 qu’il contribua à faire arrêter, le doyen des cinéastes de la Nouvelle vague est de retour sur la Croisette, avec à la fois une affiche tirée d’un de ses films (Pierrot le fou) et un long métrage en compétition, Le livre d'image.

Si l’on sait qu’il ne sera pas personnellement présent à Cannes (il s’en était clairement expliqué lors de sa dernière sélection en 2014), son ombre planant sur le tapis rouge a quelque chose de forcément ultra symbolique, surtout en cette année anniversaire des révoltes étudiantes et ouvrières de Mai 68.

D’autant que Jean-Luc Godard et Cannes, c’est une histoire longue et mouvementée qui court elle-aussi sur un demi-siècle. Le Festival est totalement passé à côté des chefs d'œuvre du cinéaste et, c’est difficile à croire, n’avait remarqué ni A bout de souffle (Ours d’argent du meilleur réalisateur à Berlin), ni Pierrot le fou (sélectionné à Venise), ni Le mépris, ni Alphaville (Ours d’or à Berlin), ni La Chinoise (sélectionné à Venise)… ni aucun des films de la prolifique période 1960-1968.

Alors, c’est vrai, le réalisateur avait fait sa première incursion dans la course à la palme d’or en 1962, grâce à Cléo de 5 à 7 d’Agnès Varda, dans lequel il apparaît. Mais en réalité, il aura fallu attendre 1970, et un film relativement mineur, Vent d’Est, pour que Godard soit sélectionné à Cannes avec l’une de ses œuvres. Et encore : pas en compétition officielle, mais à la Quinzaine. C'est un début.

Les années suivantes, on le retrouve dans la section « Perspectives du cinéma français » (qui n’existe plus aujourd'hui) : en 1976 avec Comment ça va et en 1977 avec Ici et ailleurs. Enfin, Gilles Jacob répare « l’oubli » (le manque absolu de discernement ?) dont il avait été victime en invitant enfin Godard en sélection officielle en 1980 avec Sauve qui peut (la vie). Suivront Lettre à Freddy Buache (Un Certain regard, 1982), Passion (Compétition, 1982), Détective (Compétition, 1985), Aria (Compétition, 1987), Histoires du Cinéma (Séance spéciale, 1988), Nouvelle vague (Compétition, 1990), Histoire(s) du cinéma (Un Certain regard, 1997), Eloge de l’amour (Compétition, 2001) ou encore Notre musique (Hors Compétition, 2004).

Au milieu des années 2000, il devient un habitué de la sélection Cannes Classics, où sont montrés Moments choisis des Histoire(s) du cinéma (2005), Loin du Vietnam (2009), Pierrot le fou (2009), Masculin féminin (2016) et même Paparazzi de Jacques Rozier en 2017, un court métrage qui relate le tournage du Mépris.

Comme pour se rattraper de l’indifférence des premières années, Cannes semble ne plus pouvoir se passer de Godard, et continue en parallèle des classiques à inviter méticuleusement chacun de ses nouveaux films : en 2010, Film socialisme est à Certain Regard, en 2014, Les ponts de Sarajevo est montré en séance spéciale et Adieu au langage en compétition (il rafle un prix du jury ex-aequo avec Xavier Dolan, tout un symbole).

Et même quand il n’a pas de longs métrages à présenter, Godard réussit à s’inviter dans la grand messe cannoise : en 2013, son court métrage The three disasters est en clôture de la Semaine de la Critique dans le cadre du programme 3X3D aux côtés de Peter Greenaway & Edgar Pêra. En 2016, l’affiche de la sélection officielle est tirée du Mépris. En 2017, il est carrément le personnage principal du Redoutable de Michel Hazanavicius.

Certains fustigent d’ailleurs l’image comico-ridicule que donne de lui le film, et s’insurgent de cette pochade qui s’attaque à leur idole. Le livre d'image sera-t-il une forme de droit de réponse ? Un nouveau virage dans la carrière du réalisateur ? La poursuite de ses expérimentations des dix dernières années ? Peu de choses ont transpiré sur le film, mais il figure probablement parmi les plus attendus de ces dix jours. Parce que Cannes s’essouffle, le cinéma s’étiole, la critique se meurt, mais l’effet Godard, lui, n’a rien perdu de son pouvoir d’attraction.