Cannes 70 : les années Gilles Jacob ont passé comme un rêve

Posté par cannes70, le 17 mai 2017

70 ans, 70 textes, 70 instantanés comme autant de fragments épars, sans chronologie mais pas au hasard, pour fêter les noces de platine des cinéphiles du monde entier avec le Festival de Cannes. En partenariat avec le site Critique-Film, nous lançons le compte à rebours : pendant les 70 jours précédant la 70e édition, nous nous replongeons quotidiennement dans ses 69 premières années.

Aujourd'hui, J-1. Et pour retrouver la totalité de la série, c'est par .

S'il est bien un homme qui a marqué l'Histoire du Festival de Cannes, c'est évidemment Gilles Jacob, qui y a exercé les fonctions de délégué général de l'édition 78 à l'édition 2003, et la présidence de 2001 à 2014. Il faut même remonter à 1964 pour sa première venue sur la Croisette, où il couvre la 17e édition (et un certain nombre de suivantes) pour la revue Cinéma, puis pour L'Express.

En 1976, il est embauché par le président du festival Robert Favre Le Bret, afin d'être l'adjoint du délégué général du Festival Maurice Bessy. Deux ans plus tard, il accède à la fonction suprême. Ensuite, durant près de 40 ans, Gilles Jacob personnifie à lui seul ce haut lieu du cinéma mondial dont il a fait le plus grand festival de cinéma du monde. Les séances de minuit, la Caméra d'or, la section Un certain regard, la Cinéfondation : c'est lui !

Tout a déjà été écrit sur ce que Cannes, tel qu'on le connaît, doit à Gilles Jacob. Il était donc beaucoup plus amusant de revenir simplement sur les plus beaux moments de ses années à la tête de la manifestation.

1978, la première fois

Avouons-le, au cinéma comme ailleurs, les premières fois ont toujours une saveur particulière. La première sélection de Gilles Jacob ne fait pas exception. On y retrouve un mélange de grands noms et de découvertes, de nouveautés et de fidélité. Un réel équilibre entre l’art et le marché. Fassbinder est là, aux côtés de Carlos Saura, Louis Malle, Jules Dassin, Marco Ferrerri, Nagisa Oshima. Les festivaliers découvrent le 2e long métrage d'un certain Nanni Moretti (Ecce bombo), le premier documentaire de Martin Scorsese (La dernière valse), le Molière-fleuve d'Ariane Mnouchkine (3h50)... C'est la première venue de Claude Chabrol. Sur la croisette, on croise aussi David Bowie, Jane Fonda, la toute jeune Brooke Shields, Susan Sarandon, Isabelle Huppert... Et la Palme d'or va à une chronique familiale aux airs de documentaire quasi ethnologique, L'arbre aux sabots d'Ermanno Olmi. Tout l'esprit cannois résumé en une édition, mélange de glamour et d'exigence cinématographique qui en fait ce lieu unique au monde, copié depuis par tous les festivals du monde.

1979, l'édition préférée


C'est Gilles Jacob lui-même qui l'a avoué, 1979 est l'une de ses années préférées. On voit pourquoi à la lecture des cinéastes en compétition : Claude Lelouch (A nous deux), Andrzej Wajda (Sans anesthésie), Dino Risi (Cher papa), Francesco Rosi (Eboli), Terence Malick (Les moissons du ciel), Luigi Comencini (Le grand embouteillage), André Téchiné (Les soeurs Brontë), Jacques Doillon (La drôlesse), Martin Ritt (Norma Rae), Federico Fellini (Répétition d'orchestre), Alain Corneau (Série noire), James Bridges (Le syndrome chinois, produit par Michael Douglas), James Ivory (The Europeans), John Huston (Le malin), Werner Herzog (Woyzeck)... Auxquels il faut ajouter le flamboyant Hair de Milos Forman en ouverture et une double palme qui fait le grand écart entre Le Tambour de Volker Schlöndorff et Apocalypse now de Francis Ford Coppola.

Et puis, à titre personnel, on est toujours un peu ému d'imaginer le triomphe fait à Manhattan de Woody Allen, en son absence, et hors compétition. Ces applaudissements devant un rideau fermé, c'est aussi Cannes : la nécessité absolue de manifester le bonheur que peut nous procurer un film.

1980, l'année mouvementée


Une année comme seul Cannes les connaît, pleine de grands films, de stars glamour (Isabelle Huppert est à l'affiche de trois films) et de réalisateurs de premier plan : Pialat, Resnais, Hooper, Kurosawa, Tavernier, Godard, Scola...
Mais ce que l'on retient, c'est un épisode lui-même digne d'un film d'espionnage : Stalker de Tarkovski est présenté en film-surprise car les Soviétiques ne voulaient pas qu'il soit montré à Cannes. Les bobines sont même arrivées avec le titre "J’irai cracher sur vos tombes", en référence à Boris Vian. Le secret a été bien gardé et personne ne sait qu'il s'agit de Stalker. Mais bien sûr, dès les premières images, la délégation d’URSS reconnait le film et sort de la salle. S'en suit une sorte de jeu du chat et de la souris dans lequel Gilles Jacob tient parfaitement son rôle, renvoyant "benoîtement" les Russes furieux vers le président du Festival. Lequel gagne à son tour du temps (autour d'un verre). Et les festivaliers découvrent, émerveillés, le film interdit. Il recevra même le prix œcuménique.
Une tradition (montrer des films censurés dans leur pays ou résister à la pression politique) que le Festival maintiendra avec bonheur jusqu'à aujourd'hui, avec des auteurs comme Lou Ye et bien sûr Jafar Panahi, affirmant haut et fort que le rôle de Cannes n'est pas d'épargner les gouvernements mais de soutenir coûte que coûte les artistes.

1987, Festival si humain


Un anniversaire, déjà. Une quarantième édition qui est aussi la 10e sélection de Gilles Jacob. Les festivaliers de l'époque ont l'impression que Cannes est en train de changer. Le "cirque médiatique" s'accélère. La télévision occupe le terrain. Sur les marches, on croise Liz Taylor, Lilian Gish, Faye Dunaway, Paul Newman, Marcelo Mastroianni... et même Lady Di.
Heureusement, on peut toujours compter sur les films (l'autre devise de Cannes). Et cette année-là, à nos yeux, un seul film aurait suffi. En effet, Wim Wenders est de retour avec Les ailes du désir, fable poétique et humaniste en noir et blanc qui va bien au-delà de ce que l'on attend du cinéma. Dans cette parabole bouleversante, le cinéaste interroge notre humanité et notre empathie, notre bonté et notre capacité au bonheur. À travers les doutes et les désirs de ses deux personnages principaux, des anges veillant sur la ville de Berlin,  il met à nu les tourments de l'âme humaine, sa faiblesse, mais aussi sa grandeur lorsqu'elle est transcendée par un amour véritable.
Aujourd'hui encore, trente ans plus tard, on ne comprend pas que le jury (présidé par Yves Montand) ait pu passer à côté de ce chef d'œuvre absolu. À la place, il récompense Sous le soleil de Satan et offre à Maurice Pialat l'occasion de prononcer l'une des répliques les plus célèbres du Festival : "Si vous ne m’aimez pas je peux vous dire que je ne vous aime pas non plus". Humain, si humain.

1989, l'insolence de la jeunesse


Installé depuis plus de dix ans à la tête de la sélection officielle, Gilles Jacob poursuit son travail de défrichage et de découverte. Il ne néglige pas pour autant les réalisateurs plus installés, et n'hésite pas à suivre fidèlement certains d'entre eux. Ce souci permanent d'équilibre lui permet de réunir chaque année les quinze ou vingt films les plus importants de l'année à venir et de ne pas passer à côté de grand chose.

En 1989, c'est d'autant plus flagrant que sont présents Giuseppe Tornatore (et le phénomène Cinema Paradiso), Jim Jarmusch (avec Mystery train, mais il est en train de devenir un habitué), Bertrand Blier (avec Trop belle pour toi, son meilleur film), Denys Arcand (Jésus de Montréal), Spike Lee (Do the right thing), Shohei Imamura (Pluie noire), Émir Kusturica (Le temps des gitans), Ettore Scola (Splendor)... et deux cinéastes qui débutent : Jane Campion (que Gilles Jacob avait repérée avec son court métrage Peel en 1986, couronné d'une Palme d'or) et Steven Soderbergh.

Si Sweetie repart bredouille, Sexe, mensonges et vidéo s'offre la Palme. À 26 ans, le cinéaste américain indépendant est le plus jeune palmé d'or de l'Histoire (et le seul avec un premier film, aujourd'hui encore). Une année tout simplement exemplaire, audacieuse et innovante, durant laquelle Cannes fut plus que jamais à la pointe du cinéma mondial. Ce qui nous rendrait presque nostalgique...

1993 : la revanche du nouveau monde


Beaucoup de premières fois en cette année 1993, ce qui est joli pour un Festival qui approche de la cinquantaine... Mais ce qui prouve surtout que c'est sous la direction de Gilles Jacob que Cannes a connu le plus de nouveautés et de métamorphoses.
Pour la première fois cette année-là, une femme remporte la Palme d'or du long métrage. Jane Campion (et sa merveilleuse et sensuelle Leçon de piano) est également la première cinéaste à faire le doublé Palme du court et Palme du long. Quel triomphe pour Gilles Jacob qui a cru en elle si tôt ! Il se tissera entre la réalisatrice et le festival un lien inextricable expliquant sa présence répétée en sélection ou en jurée (elle fut même présidente en 2014).
Avec elle, c'est également toute une zone géographique qui gagne : la Nouvelle-Zélande remporte sa première (et unique à ce jour) Palme. Le prix est remis ex-æquo à Adieu ma concubine de Chen Kaige. Là aussi, c'est une première pour la Chine. La région Asie-Pacifique arrive en force dans la cour des grands. C'est d'autant plus flagrant que la Caméra d'or récompense quant à elle un film vietnamien : L'odeur de la papaye verte de Tran Anh Hung. Une nouvelle ère s'annonce.

1994, la belle année


Certaines années relèvent du miracle. Les chefs d'oeuvre se succèdent, du moins en a-t-on l'impression lorsque l'on vit le festival de loin et que les sorties sont étalées sur plusieurs mois, et non pas regroupées sur un peu plus de dix jours. 1994 est pour moi (humble avis) l'une des plus belles de l'Histoire de la Croisette (au moins parmi celles dont j'ai tout vu ou presque), aux côtés de 1971 ou de la préférée de Gilles Jacob lui-même (voir plus haut) 1979. La Palme d'or est remise unanimement à Pulp Fiction, qualifié par Catherine Deneuve, vice-présidente de Clint Eastwood, de «moderne, gonflé, audacieux, d’une belle virtuosité, [avec] une vraie jubilation du cinéma».

Face à ce moment charnière – et pop - du cinéma contemporain, d'autres authentiques chefs d'oeuvre, certains étant les meilleurs de leurs auteurs : Exotica d'Atom Egoyan (tout le monde sait, même Leonard Cohen, qu'il s'agit de son meilleur film), Trois couleurs : Rouge de Krzysztof Kieslowski, Grosse Fatigue de Michel Blanc (avec Gilles Jacob himself), Vivre ! de Zhang Yimou, Journal intime de Nanni Moretti, La Reine de la nuit d'Arturo Ripstein, Soleil trompeur de Nikita Mikhalkov, La Reine Margot de Patrice Chéreau, Au travers des oliviers d'Abbas Kiarostami, Le Grand Saut des frères Coen, Les Patriotes d'Éric Rochant avec sa sexy espionne malgré elle Sandrine Kiberlain (présidente cette année de la Caméra d'or), Mrs Parker et le Cercle vicieux d'Alan Rudolph, Un été inoubliable de Lucian Pintilie avec la délicieuse Kristin Scott Thomas (hélas pas présente pour Quatre mariages et un enterrement, finalement non retenu…)… Une belle année, l'une des preuves que le meilleur du cinéma passe par la Côte d'Azur lors du joli mois de mai.

1996, l'année Mastroianni


L'année 1996 fut marquée par la dernière venue sur la Croisette d'un des plus grands représentants du cinéma transalpin : Marcello Mastroianni pour le fantaisiste Trois vies et une seule mort de Raul Ruiz. Déjà manifestement affaibli par la maladie qui allait l'emporter le 19 décembre de la même année, il interprétait là son dernier grand rôle, celui d'un personnage affecté par le syndrome de la multiplication de la personnalité. Le voir ainsi dans cette œuvre poétique et drôle était comme un dernier cadeau pour ceux qui aimaient l'acteur et l'homme d'une grande bienveillance. Le voir monter les marches ou répondre aux interviews aux côtés de sa fille Chiara était bouleversant.

Ce bel écrin final était accompagné d'autres grands moments de cinéma dont les deux qui se sont disputés les deux plus belles places du palmarès, Secrets et Mensonges de Mike Leigh (Palme d'or) et Breaking the Waves de Lars von Trier avec Emily Watson (Grand Prix). Preuve d'une énième belle année, la sélection concoctée par Gilles Jacob incluait encore Crash de David Cronenberg, prix du jury dont quelques membres du jury se sont désolidarisés ; Fargo, énième chef d'oeuvre des frères Coen avec sa drôle de shérif ; Goodbye South, Goodbye de Hou Hsiao-hsien, œuvre qui séduit les plus grandes cinéphiles ; Au loin s'en vont les nuages d'Aki Kaurismäki, belle histoire d'amour aux codes de mise en scène colorés et une belle sélection française : Comment je me suis disputé… (ma vie sexuelle) d'Arnaud Desplechin (première rencontre avec Mathieu Amalric – ils seront à nouveau réunis pour Les Fantômes d'Ismaël –) ; Ridicule de Patrice Leconte ; Un héros très discret, première visite de Jacques Audiard en compétition et Les Voleurs d'André Téchiné, rien de moins. 21 ans après, ces films n'ont rien perdu de leurs qualités artistiques. Enfin, Michael Cimino décevait de nombreux spectateurs avec ce qui est devenu son dernier long-métrage, Sunchaser.

1997, l'année de la Palme des Palmes

Lors de ce même entretien à Télérama en 2009, Gilles Jacob évoque «une fierté, une immense modestie, une soif de les aider à préparer leur nouveau film, la peur de ne pas commencer à l'heure, bref, la routine» lorsqu'on lui demande ce qu'il ressent en haut des marches et qu'autour de soi il y a 33 génies réunis là par lui. Cette édition du 60e anniversaire est ainsi avant tout marquée par la belle brochette de cinéastes réunis pour honorer, en son absence – dommage – Ingmar Bergman, maître du 7e Art, choisi par tous les lauréats d'une Palme d'or pour recevoir la seule et unique Palme des Palmes, remise à un cinéaste passé sur la Croisette mais reparti sans Palme d'or. Billy Wilder (alors encore vivant), Jean-Luc Godard et Woody Allen n'ont pas du arriver très loin. Sur scène sont notamment réunis Akira Kurosawa, les frères Coen, Andrzej Wajda, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Anselmo Duarte, David Lynch, Robert Altman, Michelangelo Antonioni, Henri Colpi ou Claude Lelouch… L'année est aussi celle du putsch de Nanni Moretti sur le jury d'Isabelle Adjani, qui impose une double Palme d'or (la dernière occurrence, ce ne sera hélas – avis tout personnel – plus possible ensuite) à Shohei Imamura (L'Anguille) et Abbas Kiarostami (Le Goût de la Cerise), alors que sa présidente aurait voulu primer Atom Egoyan pour De beaux lendemains, qui se «contente» d'un Grand Prix. Trois chefs d'oeuvre du cinéma contemporain, pourquoi se plaindre d'un palmarès qui honore encore Happy Together (Wong Kar-wai), Ne pas avaler (unique réalisation de Gary Oldman encore aujourd'hui), Ice Storm (Ang Lee) ou Western (Manuel Poirier). Reçu hors-compétition Youssef Chahine reçoit pourtant le Prix du cinquantième anniversaire pour Le Destin mais surtout pour l'ensemble de sa carrière. Une année certainement inoubliable pour ceux qui l'ont vécue...

2003, une dernière année au palmarès radical


À partir de 2004, la sélection sera officiellement signée Thierry Frémaux. 2003 est donc la dernière sous le haut patronage de Gilles Jacob et elle ne sera pas de tout repos. Patrice Chéreau, président du jury, choque en établissant le record du plus petit nombre de films primés : Elephant de Gus Van Sant reçoit la Palme d'or et le Prix de la mise en scène ; Nuri Bilge Ceylan son premier Grand Prix pour Uzak, accompagné d'un double Prix d'interprétation masculine ; Les Invasions barbares permet à Denys Arcand et Marie-Josée Croze d'être respectivement primés pour le scénario et l'interprétation ; À cinq heures de l'après-midi de Samira Makhmalbaf reçoit le Prix du jury et … c'est tout ! Quatre films primés seulement, c'est radical ! «Mieux» que Polanski, autre président «douloureux». Le règlement sera amendé pour éviter à nouveau un tel excès.

Mais ne peut-on pas le regretter ? Chéreau a signé l'acte de naissance d'un des plus grands cinéastes européens et a salué la renaissance d'un cinéaste underground US qui a retrouvé le goût d'un cinéma exigeant. Les trois grands palmarès tendus (le troisième étant celui de David Cronenberg en 1999) ne sont, au final, pas honteux mais marqués par une exigence de qualité et une quête de passion plutôt qu'une envie de saupoudrer les prix, histoire de faire plaisir à tout le monde… On pourrait évoquer une mauvaise humeur imposée aux autres jurés (pas faux) mais au final, pour ne citer que cette édition, quels seraient les grands oubliés de cette édition 2003 ? Honnêtement, j'ai beau avouer un grand faible pour Ce jour-là de Raoul Ruiz et Mystic River de Clint Eastwood, avec le recul, il apparaît évident que Chéreau a su extraire la substantifique moëlle d'une année inégale où des noms majeurs (Kiyoshi Kurosawa, Héctor Babenco, Lars von Trier, Claude Miller, Bertrand Blier, André Téchiné, Alexandre Sokourov, Naomi Kawase, François Ozon, Peter Greenaway, Bertrand Bonello, excusez du peu) n'ont pas forcément signé leurs œuvres les plus indélébiles.

2014, bye bye Mr Cannes (but to be continued...)

Dernière année de Gilles Jacob à la présidence du Festival de Cannes. À partir de 2015, c'est Pierre Lescure, l'ami de Les Nuls (entre autres titres -moindres- de gloire), qui le remplace. On se souvient, avec une émotion non feinte, de son discours bref mais touchant lors de la remise des prix Un Certain Regard (section qu'il a créée en 1978) où il a rappelé son attachement à cet événement et la force de son engagement d'amoureux du cinéma : «on est là pour mettre en question, repousser les limites, inventer inlassablement».

Pour cette dernière présidence, Gilles Jacob, grand utilisateur de Twitter devant l'Eternel (je devrais prendre des cours…), s'amuse à prendre des photos du jury qu'il dévoile en direct, tout en prenant soin de ne rien trop dévoiler, sinon les visages réjouis de Gael Garcia Bernal, Sofia Coppola ou Nicolas Winding Refn (souriant et sans lunettes, une double rareté).

Sans vous demander de trahir le moindre secret, nous serions curieux de savoir quel film aurait eu votre vote si vous aviez participé à leurs délibérations, monsieur Jacob ? L'Adieu au langage de Godard se jouant de la 3D ; Deux jours, une nuit des Dardenne avec la course effrénée de Marion Cotillard pour conserver son boulot ; la critique pas du tout voilée de la corruption russe dans Léviathan d'Andreï Zviaguintsev ; l'une des deux belles biographies artistiques (Mr Turner de Mike Leigh ou Saint Laurent de Bertrand Bonello) ; la satire de Hollywood de Maps to the Stars de David Cronenberg ; la dénonciation des fous de Dieu (Timbuktu d'Abderrahmane Sissako) ou auriez-vous voté vous aussi pour Winter Sleep, la Palme enfin pour Nuri Bilge Ceylan… ? Peut-être auriez-vous pu choisir Mommy de Xavier Dolan pour l'émotion qui se dégage du film mais aussi pour souligner ce qui semble vous lier, lui et vous : un amour illimité pour le Cinéma et les multitudes d'émotions qu'il fait naître.

Marie-Pauline Mollaret (Ecran Noir) et Pascal LeDuff (Critique-Film)

Cannes 70 : la comédie musicale sur le tapis rouge

Posté par cannes70, le 17 mars 2017

70 ans, 70 textes, 70 instantanés comme autant de fragments épars, sans chronologie mais pas au hasard, pour fêter les noces de platine des cinéphiles du monde entier avec le Festival de Cannes. En partenariat avec le site Critique-Film, nous lançons le compte à rebours : pendant les 70 jours précédant la 70e édition, nous nous replongeons quotidiennement dans ses 69 premières années.

Aujourd'hui, J-62.

C’était il y a quelques semaines : Damien Chazelle devenait le plus jeune cinéaste à recevoir un Oscar du meilleur réalisateur pour La La Land, juste après avoir égalé le record de 14 nominations et gagné 6 Golden Globes (réalisation, scénario, musique…). Médiatisé au-delà du possible, le film cartonne au box-office et va même faire chanter certains spectateurs dans les salles avec une ressortie en version karaoké !

Alors, bien sûr, La la land n'était pas à Cannes (il a fait l’ouverture de Venise), contrairement au premier film de Damien Chazelle (Whiplash) sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs. Pourtant, il sonne certes comme un hommage aux classiques américains du genre, mais il est surtout sous l'influence d'un film souvent cité par le réalisateur lui-même : Les parapluies de Cherbourg de Jacques Demy. Qui, lui, avait été sacré Palme d’or du Festival de Cannes 1964. Le genre de la comédie musicale qui semblait un peu tombé en désuétude revient donc sur le devant de la scène. En fait, ce n’est pas vraiment la première fois, et c’est d’ailleurs à Cannes que la comédie musicale a plusieurs fois fait son retour.

A noter d'ailleurs que le premier film musical "palmé" sur la Croisette, c'est Orfeu Negro de Marcel Camus, présenté en 1959. Cette année-là, cette adaptation d'une pièce de Vinícius de Moraes, qui revisite le mythe d'Orphée et Eurydice sur fond de Bossa Nova, l'emporte devant Les 400 coups de Truffaut, ou Hiroshima mon amour d'Alain Resnais.

Mais revenons-en à 1964. Le Festival de Cannes est donc "enchanté" par Les parapluies de Cherbourg : les dialogues en chanson de Jacques Demy ont été mis en musique par Michel Legrand, et en fait on y entend peu la voix des acteurs principaux (Catherine Deneuve, Nino Castelnuovo) qui sont doublés par de véritables chanteurs. La comédie musicale qui est souvent dans l’imaginaire fantaisiste est ici ancrée dans le réel : au début des années 60, un jeune homme doit partir faire la guerre en Algérie et quitter une jeune-fille enceinte avant d’être mariée…

Catherine Deneuve est l’actrice au parcours unique dans le genre de la comédie musicale au Festival de Cannes : après Les parapluies de Cherbourg en 1964, elle va chanter et danser dans Dancer in the dark du danois Lars Von Trier en compétition officielle en 2000. Le Palmarès sera au diapason : Palme d’or pour le film, doublé d’un prix d’interprétation de meilleure actrice pour Björk, personnage principal qui chante et compose chansons et musiques. Là encore, film musical rime avec drame, les épreuves les plus tragiques de l’héroïne Björk sont supportée par son amour des comédies musicales qu’elle se chante et danse dans sa tête.

Dans le film Catherine Deneuve accompagne Björk dans deux séquences musicales : Cvalda dans l’usine quand le bruit des machines devient un rythme qui devient une chorégraphie, et My favourite things à la chorale durant les répétitions d’un spectacle joyeux (chanson qui sera reprise larmoyante de désespoir par Björk seule dans sa cellule de prison). Dans Dancer in the dark, chaque séquence chantée et dansée est une échappatoire joyeuse et résignée pour supporter un moment réel pénible, et juste ensuite survient un nouveau drame encore plus tragique…

Après Dancer in the dark, souvenez-vous quel a été le film d’ouverture choisi l’année suivante ? Encore une comédie musicale !  Moulin Rouge de Baz Luhrmann est bien plus virevoltant, avec quantité de reprises de chansons pop (David Bowie, Elton John, Police…), mais son finale n’en reste pas moins (encore) la mort d’une histoire d’amour...

C’est en 2007 que la comédie musicale fait un beau retour en compétition à Cannes avec Les chansons d’amour de Christophe Honoré qui réunit Alex Beaupain à la composition des musiques et Chiara Mastroianni, la fille de Deneuve, à l'écran aux côtés de Ludivine Sagnier, Lous Garrel et Clotilde Hesme. Cette fois, il y a moins de chorégraphie mais tout autant de chansons qui forment des dialogues sur le trouble amoureux (et le deuil) entre un garçon qui aime deux filles dans un ménage à trois qui se complique quand il est lui-même aimé par un autre garçon… Le film repart bredouille, mais Christophe Honoré sera de retour en 2011 avec Les bien-aimés, présenté en clôture.  Un autre film musical dans lequel on retrouve... Catherine Deneuve. Comme pour boucler la boucle.

Cannes fera connaître dans quelques semaines quels seront les films qui seront sélectionnés pour cette 70 édition, mais, ici, on peut déjà vous pronostiquer que la comédie musicale fera de nouveau l’événement lors du Festival... 2018 : en effet, Léos Carax travaille en ce moment sur son prochain film Annette (avec Adam Driver et une actrice encore inconnue en remplacement de Rooney Mara et de Rihanna initialement attachées au projet) qui « sera envoûtant, noir et cruel, mais aussi drôle et joyeux et saura s’inscrire dans la riche histoire d’amour entre le cinéma, la musique et les voix » d’après ses propres mots. Gilles Jacob (ex président du Festival de Cannes) est déjà emballé par le scénario qu’il a lu : « Je pense que ça va être quelque chose ! Can't wait ». Nous non plus.

Kristofy d'Ecran-Noir

Pierre Tchernia, éternel Monsieur Cinéma, est mort

Posté par vincy, le 8 octobre 2016

Homme de télévision, de cinéma et même croqué par Uderzo dans plusieurs albums d'Astérix, Pierre Tchernia, de son vrai nom Pierre Tcherniakowski, est décédé à l'âge de 88 ans cette nuit, samedi 8 octobre.

"La disparition de Monsieur Cinéma met en tristesse la cinéphilie", a déclaré à l'AFP Gilles Jacob, ajoutant: "Son physique tout en rondeur cachait en réalité un metteur en scène lucide, comme dans son film Le Viager où il mettait en évidence les spéculations sur la mort."

Ne le 21 janvier 1928, il avait fait des études dans cet art nouveau qu'était l'image: à l’Ecole technique des métiers du cinéma et de la photographie puis à l'IDHEC où il était en promotion avec Claude Sautet. Ce pionnier du petit écran avait participé à la création du  premier journal télévisé en 1949 avant de devenir en 1955 animateur d'émissions de variétés telles "La piste aux étoiles" ou d'actualités comme "Cinq colonnes à la Une". C'est avec "La boîte à sel" quu'il fit découvrir aux Français des talents comme Jean Poiret, Michel Serrault, son ami, Raymond Devos et Philippe Noiret.

Magique cinéma

A partir de 1966 et jusqu'en 1988, il avait présenté "Monsieur Cinéma", "Jeudi cinéma" et "Mardi cinéma", émissions cultes sur le 7e art, mais aussi émissions de résistances à leur manière quand les Français préféraient la télévision aux salles de cinéma. 60 ans de télévision, cela en fait, en effet, un complice de beaucoup de téléspectateurs, un "ami public n°1". On lui doit aussi les émissions spéciales autour de l'animation américaine, de Walt Disney à Tex Avery. Il avait un savoir-faire inégalable dans sa façon de partager son amour pour les films. Il a  aussi présenté le Festival de Cannes et la cérémonie des Césars pendant plusieurs années.

Parallèlement, il a aussi été réalisateur : adaptations d'oeuvres de Marcel Aymé ou documentaire sur Jean Carmet pour la télévision, films pour le cinéma (Le Viager, Les gaspards, Bonjour l'angoisse, La gueule de l'autre). Il a aussi été scénariste pour deux co-réalisations avec Robert Dhéry (La belle Américaine, Allez France!) et de longs métrages d'animation (plusieurs Astérix, où il prêtait sa voix en tant que narrateur, mais aussi un Dalton). Il avait eu le coup de foudre pour le grand écran avec La Chevauchée fantastique de John Ford.

Fantastique télévision?

Frédérique Bredin, présidente du CNC, rappelle que ce "passionné de cinéma" avait consacré "une grande partie de sa vie à transmettre son amour pour le 7e art au public, qui avait trouvé en lui un passeur érudit et bienveillant. Sa voix et sa silhouette étaient connues de tous."

"J’appartiens à cette génération qui a fait de la télévision parce que le cinéma ne nous ouvrait pas ses portes. Et en faisant de la télévision, nous ne savions pas que nous allions faire du mal à ce cinéma que nous aimions tant" a raconté Pierre Tchernia en 1987. "La télévision ne nous a jamais dispensé toutes les joies à la fois, mais il semble que nous avons connu une époque où, entre le public et nous, existait un état de grâce” avait-il également expliqué.

"Magic Tchernia" revint à son métier d’acteur en interprétant le rôle du centurion et narrateur Caius Gaspachoandalus dans Astérix et Obélix, mission Cléopâtre d’Alain Chabat.

Cannes 2016: Naomi Kawase, Présidente du jury de la Cinéfondation et des Courts métrages

Posté par vincy, le 15 mars 2016

naomi kawase

La cinéaste japonaise Naomi Kawase, habituée de la Croisette, présidera cette année le jury de la Cinéfondation et des Courts métrages de la 69e édition du Festival de Cannes.

Naomi Kawase a été révélée à Cannes en 1997, à l'âge de 27 ans, en devenant la plus jeune lauréate à recevoir la Caméra d’or pour son film Suzaku (Moe No Suzaku). Shara (Sharasojyu) en 2003, La Forêt de Mogari (Mogari no Mori) en 2007 (Grand prix du jury), Hanezu l’esprit des montagnes (Hanezu no tsuki) en 2011 et le superbe Still the Water (Futatsume no mado) en 2014 ont tous été en compétition. L'an dernier, Les délice de Tokyo (AN) a été sélectionné à Un Certain Regard. Sorti en France en janvier sous la bannière Haut et Court, le film est devenu son plus grand succès en France avec 270 000 entrées. En 2013, elle avait aussi été membre du Jury des longs métrages que Naomi Kawase. En 2009, la SRF lui avait décerné un Carrosse d'or à la Quinzaine des réalisateurs.

La réalisatrice a également fondé en 2010 le Festival International du Film de Nara, dédié à la promotion de la jeune création cinématographique.

Selon le communiqué du Festival de Cannes, Naomi Kawase a déclaré : "Les films enrichissent la vie, leurs univers ouvrent des perspectives. Voilà un peu plus de 100 ans que le cinéma existe et son potentiel ne cesse de grandir. C’est un média exceptionnel pour incarner la diversité culturelle du monde et chaque histoire est une vie parallèle qui enchante le public. Les courts métrages sont des exercices particulièrement difficiles car comment transmettre une histoire en si peu de temps ? En même temps, ils offrent une myriade de possibilités inédites. Parmi les films d’étudiants que nous verrons, il y aura la découverte de pépites, et c’est ce qui me rend impatiente de prendre part à ce jury. Cela va être une belle aventure."

De son côté, Gilles Jacob, président de la Cinéfondation, a rappelé : "De ses racines nippones, Naomi Kawase a tiré son extrême délicatesse, sa courtoisie raffinée, une élégance morale. Son talent pointilliste a su diffuser une intelligence du cinéma, un art subtil fait de mystérieuse poésie et d'une grâce de la simplicité au travers des grandes émotions de la vie et des petits gestes du quotidien. Elle rejoint cette année les grands présidents du jury de la Cinéfondation et des courts, les Martin Scorsese, Abbas Kiarostami, Jane Campion, Hou Hsiao Hsien, John Boorman ou les Dardenne…"

Ettore Scola (1931-2016), nous l’avons tant aimé

Posté par vincy, le 19 janvier 2016

Ettore Scola, né le 10 mai 1931 à Trevico, est mort le 19 janvier 2016 à l'âge de 84 ans. Gilles Jacob a twitté très vite: "La classe/l'élégance morale et vestimentaire/l'intelligence/le charme, l'accent délicieux/l'œil de velours/l'humour railleur." Voilà pour la personnalité.

Il avait commencé sa carrière dans une revue humoristique, en tant que dessinateur, comme Federico Fellini avant de devenir scénariste, notamment pour Dino Risi et l'acteur Toto. De là son humour, son goût du grotesque.

Le cinéaste fait ses premières armes avec Parlons femmes (Se permettete parliamo di donne) en 1964. Entre tragédie et comédie, il affine son style de fin observateur de la classe moyenne italienne. Avec Drame de la jalousie qui vaut un prix d'interprétation à Cannes à Marcello Mastroianni en 1970, il entre dans la cour des grands.

Quatre ans plus tard, Nous nous sommes tant aimés vaste fresque de la société italienne après la Seconde Guerre mondiale, est un succès international. De la satire à la comédie, du registre plus intime au drame historique, Scola aura touché à différents genres, soulignant l'hypocrisie humaine et la désillusion d'un monde meilleur. Il se moque ainsi ouvertement des élites ou des petits bourgeois. Notons parmi ses grands films, Une journée particulière, avec Sophia Loren et Marcello Mastroianni, histoire d'une brève rencontre entre deux voisins exclus du modèle fasciste, une femme au foyer, la Sophia, et un intellectuel homosexuel, il Marcello, alors que Mussolini accueille Hitler en 1938. La femme, cet éternel mystère qui hante tous ses films... Il y avait quelque chose de Claude Sautet dans son cinéma. Mais le cinéma d'Ettore Scola était plus convaincu, plus politique, avec un regard tendre sur les petites gens, mais aussi une absence de complaisance vis-à-vis de ses personnages, qui ne cesse de regretter leurs actes manqués.

40 films en une quarantaine d'années

Son style est ainsi celui d'un réaliste, issu de l'école De Sica, empreint de dérision et de psychologie à la manière d'un Woody Allen, où Rome remplacerait New York. L'ironie se mélange à la mélancolie, la farce à la désillusion. Toujours il s'interroge sur la place du peuple dans l'Histoire et des sociétés souvent oppressantes, à différentes époques, et différents âges de la vie. L'affrontement du temps et les tourments de chacun l'ont conduit à essayer différents genres, comme dans Le Bal qui retrace l'Histoire de France des années 30 aux années 70 à travers des couples et des genres musicaux, du jazz au disco. Ou comme ce documentaire présenté à Venise en 2013, Comme il est étrange de s'appeler Federico : Scola raconte Fellini. Il avait annoncé qu'il ne tournerait plus en 2011, ne se sentant plus appartenir au cinéma contemporain et encore moins à l'industrie telle qu'elle avait évolué.

Depuis 2000, il avait réalisé seulement 2 films, Concurrence déloyale, avec Gérard Depardieu, et Gente di Roma, film quasiment expérimental dans sa narration, avec une promenade dans la capitale italienne durant une journée, où l'on croise notamment Nanni Moretti. Dans tous ses films, la famille est au coeur du récit. Une famille recomposée, élargie, au sens globale du terme: un couple vivant l'amour impossible ou les habitants de sa ville, une communauté dans un bidonville ou les aristocrates français, le peuple de gauche ou les employés du cinéma Splendor. Tous ont des regrets. Car c'est là l'ADN de ses comédies dramatiques, de ces drôles de drames: le regret, émouvant plus que larmoyant, touchant davantage que bouleversant. Ce n'est pas pour rien que Nous nous sommes tant aimés, titre de son film le plus emblématique, pourrait s'accoler à chacune de ses oeuvres.

Cannes, Berlin, les César...

Fondateur du Festival du cinéma de Bari, il est aussi l'un des réalisateurs italiens les plus récompensés du monde. A Cannes, où il avait été président du jury en 1988, il a reçu le Prix de la mise en scène pour Affreux, sales et méchants et le Prix du scénario et des dialogues pour La Terrasse. En France, il reçoit plusieurs César: ceux du meilleur film étranger pour Nous nous sommes tant aimés et Une journée particulière, celui du meilleur film et du meilleur réalisateur pour Le Bal. A Berlin, il est honoré d'un Ours d'argent du meilleur réalisateur pour Le Bal. Sans oublier quelques prix David di Donatello (les César italiens): meilleur film pour Le Bal et La famille, meilleur réalisateur pour Une journée particulière, Le Bal et La famille, meilleur scénario pour La nuit de Varennes et La Famille.

"J’ai sûrement fait des tas de choses horribles au cours de ma vie ! Mais le plus affreux, c’est probablement de n’avoir pas su faire de meilleurs films" disait-il il y a quelques années. Curieux et optimiste, vivant par l'esprit avec ses amis disparus, Ettore Scola, ce caricaturiste méconnu, était le dernier cinéaste italien à avoir été proche des monstres De Sica et Fellini, Gassman et Mastroianni. Tout en jouant sa propre petite musique. N'oublions pas qu'il clamait que le métier de réalisateur était "un travail de menteur"...

René Féret (1945-2015): l’homme qui n’était plus là

Posté par kristofy, le 28 avril 2015

rené feretLe réalisateur René Féret est décédé ce 28 avril, il allait avoir 70 ans.

Dans plusieurs de ses films René Féret racontait des histoires de fiction inspirées de sa propre vie familiale. Dans son œuvre, il y a d’ailleurs trois films qui forment une trilogie familiale : La Communion solennelle (1976), Baptême (1988) et L’enfant du pays (2003). Des acteurs comme Philippe Léotard, Ariane Ascaride, Nathalie Baye, Valérie Stroh, Jean-Yves Berteloot, Jacques Bonnaffé, Antoine Chappey, Philippe Nahon, Samuel Le Bihan, Elsa Zylberstein, Jean-François Stévenin et plus tard sa fille Salomé Stévenin, et aussi ses enfants à lui comme Marie Féret sont passés devant la caméra de ce cinéaste singulier.

Un Guédiguian du nord

La Communion est une grande saga à propos de trois familles durant plusieurs décennies, avec des naissances, des amours, des disputes, des décès… Avec ce film, René Féret est d’ailleurs pour la première fois en compétition du Festival de Cannes en 1977. Il était arrivé en bus accompagné d’une soixantaine de personnes de l’équipe pour monter les marches. Baptême s'écoule aussi sur plusieurs décennies mais concerne surtout un couple entre le moment de leur rencontre amoureuse et la mort. L’enfant du pays se déroule encore sur plusieurs années, mais cette fois il s’agit de la l’adolescence et de la jeunesse d’un garçon entre ses premiers émois amoureux et sa découverte du métier de comédien. La Communion s’attache plus aux grands-parents de René Féret, Baptême est centré sur ses parents, et L’enfant du pays est une façon pour René Féret de se raconter lui (la mort de son père, la mort de son son petit-frère à quatre ans, une tentative de suicide à 21 ans…) A travers ses films René Féret a aussi mis en image le peuple  de Picardie, de la Somme ou du Pas-de-Calais, des régions qui alors étaient très peu représentées au cinéma. Un Guédiguian du nord. Il a d'ailleur produit Guédiguian, mais aussi distirbué des films et même joué chez Doillon et Wargnier.

Né en 1945 dans une famille modeste de petits commerçants du Nord, il avait été profondément marqué par la figure d'un frère décédé avant sa naissance, à l'âge de 4 ans. Ils avaient le même prénom.

Cinéaste de l'intime, il a aussi adapté Doris Lessing, Michel Foucault ou s'est inspiré de personnages historiques comme la soeur de Mozart" ou Tchekhov.

René Féret est toujours resté un réalisateur actif avec comme derniers films Nannerl, la sœur de Mozart en 2010, Madame Solario en 2012, Le Prochain Film en 2013, et Anton Tchekhov-1890 qui venait de sortir en salles le 18 mars, avec Nicolas Giraud, Lolita Chammah, Robinson Stévenin, Jacques Bonnafé, Philippe Nahon, Frédéric Pierrot, Jenna Thiam, Marie Féret…

Entre René Féret et Cannes, il y a eu plusieurs rendez-vous espacés d’une dizaine d’années : sa première fois était en 1975 avec Histoire de Paul, son tout premier film. Il a reçu le Prix Jean Vigo. Ont suivi: La Communion en compétition en 1977, Mystère Alexina à Un certain regard en 1985 (d’ailleurs un des premiers films français à traiter d’une confusion entre genre féminin et/ou masculin), puis , toujours à UCR, en 1993, avec La place d’un autre.

S’il fallait choisir un film de René Féret à (re)voir ou à découvrir pour lui rendre hommage, c'est sans doute Comme une étoile dans la nuit (2008) avec Nicolas Giraud et Salomé Stévenin: " Alors qu'Anne et Marc ont décidé de faire un enfant, Marc découvre qu'il est atteint de la maladie de Hodgkin. Ce film n'est pas l'histoire d'une maladie, c'est l'histoire d'un amour, un amour qui fait échec à la tristesse et à la peur de la mort, un amour qui se nourrit de l'adversité pour se transformer en force véritable… "

Recréer ce qui a disparu

René Féret avait alors déclaré « Je continue à être davantage séduit par l'observation des autres que par l'invention d'un scénario et d'un récit. Ma nièce a vécu cette histoire, celle de perdre injustement son ami atteint du syndrome d'Hodgkin. J'ai d'abord été frappé par le côté odieux de ce qui lui arrivait, et en même temps, tout en restant assez loin d'eux, j'ai perçu à quel point leur attitude était revêtue de dignité, d'amour et de classe. A la mort de son compagnon, je lui ai envoyé une lettre pour lui exprimer mon admiration: c'est celle que l'on retrouve à la fin du film. Les années ont passé et cette tragédie m'est revenue sous la forme d'un film possible, mais j'étais gêné et j'ai mis six mois avant d'oser le dire à ma nièce. J'avais cette idée mais je la chassais, et puis une fois, en la voyant, je lui ai dit que tout ça ferait un film formidable… »

Il a également écrit un roman, Baptême en 1990.

Il était admiré autant par Claude Chabrol que par Bertrand Tavernier. Gilles Jacob, Président d'honneur du Festival de Cannes, lui a rendu cet hommage sur twitter : "Tristesse. Décès de René Féret, cinéaste intimiste de l'épopée familiale. "La Communion solennelle". D'un rien, il faisait tout. Une pensée."

A la question 'Pourquoi filmez-vous ?' (posée à 700 cinéastes par le journal Libération) il avait d’ailleurs répondu en guise de profession de foi : « Je filme surtout pour recréer, pour rendre la vie à ce qui a disparu.»

« Le Festival n’aura pas lieu », un roman de Gilles Jacob, en librairie le 29 avril

Posté par redaction, le 16 avril 2015

Pierre Lescure, nouveau président du Festival de Cannes, a introduit sa première conférence de presse en rendant hommage à son prédécesseur en clamant : "Le Festival aura bien lieu". Référence directe au titre du roman de Gilles Jacob, Le Festival n'aura pas lieu, qui sera édité chez Grasset le 29 avril.

Le roman s'inspire sans aucun doute de son propre itinéraire puisqu'il suit un certain Lucien Fabas, nommé secrétaire général du Festival de Cannes en 1954. Avant cela, en 1952, il a été envoyé en reportage sur le tournage au Kenya du film Mogambo. D'ailleurs, la couverture du livre met en scène la blonde glaciale Grace Kelly et la brune torride Ava Gardner, les deux partenaires féminines du film, l'un des chefs d'oeuvre de John Ford (1953, avec également Clark Gable). C'est là qu'il rencontre la soeur d'Ava Gardner, Béatrice, dite "Bappie", avec laquelle se noue une passion, à l'écart des conventions. Les deux ont une vie officielle. les deux s'aimeront jusqu'à la fin.

A Cannes, Lucien Fabas n'a pas une vie simple et il doit aussi composer avec acteurs, cinéastes et journalistes, bref les professionnels de la profession. Une immersion dans la vie du Festival, du boycott des Américains jusqu'au Londres des années 70 où l'on croise Louis Malle, Claude Lelouch, Roman Polanski, Orson Welles, Fritz Lang, Federico Fellini... On chasse dans le monde entier les films et les stars pour nourrir cette immense fabrique à rêves condamnés à se consumer en cendres.  Mais, en mai 1968, le festival est annulé par Truffaut et Godard. Il décide partir se ressourcer en Suisse où il croise le général de Gaulle.

Manoel de Oliveira: hommages d’Arte, Gilles Jacob, Serge Toubiana…

Posté par redaction, le 3 avril 2015

Suite au décès du doyen du cinéma, Manoel de Oliveira, seul cinéaste de notre époque à avoir travaillé quand le 7e art était encore muet, les réactions n'ont par tardé.

La chaîne Arte rendra hommage au réalisateur le jeudi 9 avril en diffusant son dernier court métrage, Le Vieillard du Restelo, projeté en décembre dernier à Lisbonne et l'un de ses derniers films, Singularités d'une jeune fille blonde, adaptation de la nouvelle Une singulière jeune fille blonde du grand auteur portugais Eça de Queiroz.

Gilles Jacob (Festival de Cannes)
Premier à réagir sur Twitter, l'ancien Président du Festival de Cannes, Gilles Jacob qui a lancé une salve de tweets:
"Tristesse.Mon cher Manoel est mort. Manoel de Oliveira avait 106 ans et moi je suis orphelin comme tt le cinéma mondial.C'était un seigneur."
"Passés cent ans, on s'était habitué à l'idée que Manoel ne disparaîtrait jamais. Bien sûr, il y avait l'œuvre mais lui aussi c'était établi."
"Quand un artiste de renommée mondiale incarne à lui seul dans sa discipline l'âme d'un pays, cela donne Pessoa ou Oliveira, et l'on est fier."
"Comme Dreyer ou Bunuel, l'art d'Oliveira tient de l'ascète baroque ce qui chez eux n'était pas contradictoire. En plus, il était malicieux."
"Non ou la vaine gloire de commander" est l'un des films majeurs de Manoel et quel beau titre! Quelle leçon!"

Serge Toubiana (Cinémathèque française)
"Il ne faudrait vraiment pas que l’on se contente de garder en mémoire, à propos de Manoel de Oliveira, qu’il fut le cinéaste en activité le plus âgé de toute l’histoire du cinéma mondial. Ce serait faire un sort injuste à sa mémoire. Car il fut bien plus que cela, un très grand cinéaste, né en 1908 à Porto, sa ville, qu’il a filmée et qu’il aimait, auteur d’une soixantaine de films, courts ou longs, voire très longs – son adaptation du Soulier de satin, d’après Claudel, œuvre magnifique, autant lyrique que plastique, durait 6 heures cinquante.

Manoel de Oliveira, qui vient de nous quitter à l’âge de 106 ans, était, de tous les cinéastes en activité, le seul qui avait connu le temps du muet. Douro, faina fluvial, son premier film, un documentaire lyrique sur Porto, date de 1929. Cette trace du muet, ce souvenir intime de l’époque où le cinéma n’était qu’images, est demeuré vivace et traverse son œuvre, aiguisant son regard, accentuant son acuité formelle et narrative. Manoel de Oliveira était un infatigable conteur d’histoires, qui croyait ferme au cinéma des temps primitifs, à ce temps où la croyance du spectateur se fondait sur un regard candide, seul à même de pouvoir entrer dans l’écran, comprendre les personnages, vivre leurs sentiments, pénétrer dans la profondeur de leur âme. Lorsqu’il parlait de ses films, ou de ceux des cinéastes qu’il admirait, il y avait chez Manoel de Oliveira, cette même candeur, ce goût dans la croyance des sentiments profonds et exacerbés, quelque chose de l’enfance qu’il exprimait, tel un homme sage et malicieux.

Il était un grand ami de la Cinémathèque française, ayant connu Henri Langlois, qui fut le premier à reconnaître son talent et à montrer ses films. L’an dernier, à l’occasion du centenaire du fondateur de la Cinémathèque, Manoel de Oliveira nous avait adressé un message émouvant et clairvoyant, rendant hommage à ce montreur d’ombres qu’était Langlois.
Nous avions accueilli Manoel de Oliveira à plusieurs reprises à la Cinémathèque, en 2008 pour un formidable dialogue avec Antonio Tabucchi, puis en février 2011 pour l’avant-première de L’Etrange affaire Angelica, et organisé la rétrospective de son œuvre en 2012.

La même année, nous avions découvert Gebo et l’ombre, un de ses derniers films, œuvre qui trouvait son inspiration dans les origines mêmes du cinéma et où l’éclairage des personnages et des décors semblait provenir de lanternes magiques, d’un théâtre optique ou de machines à rêves. Image vacillante et tremblante d’un art balbutiant, qui ne sait pas encore qu’il va devenir l’Art du XXe siècle. Manoel de Oliveira était un paradoxe vivant, à la fois cinéaste des origines, des émotions premières, et cinéaste cultivé, raffiné, inspiré par la grande littérature (Claudel, Flaubert, Dostoïevski, Madame de La Fayette, Agustina Bessa-Luis…), auteur de grands films romanesques, comme Le Passé et le Présent (1972) Amour de perdition (1979), Francisca (1981), Non, ou la vaine gloire de commander (1990), La Divine comédie (1991), Val Abraham (1993), La Lettre, son adaptation de La Princesse de Clèves en 1999. Sans oublier le génial Je rentre à la maison, avec Michel Piccoli, ou Belle toujours, avec Bulle Ogier et Michel Piccoli, suite imaginaire de Belle de Jour de Luis Buñuel.

En France, nous avions découvert ses films vers le milieu des années 70 par l’intermédiaire de Paolo Branco, alors exploitant d’une salle de cinéma à Paris, du côté de République. Ensuite, Paolo Branco devint le producteur attitré de Manoel de Oliveira, l’accompagnant durant deux décennies dans son parcours de cinéaste."

Frédérique Bredin (CNC)
"Frédérique Bredin, présidente du CNC, a appris la disparition de Manoel de Oliveira avec une immense tristesse. Elle rend hommage à la mémoire d’un cinéaste dont l’exigence artistique s’était toujours maintenue au plus haut niveau. Il avait souvent travaillé avec des acteurs et actrices français, et tourné en langue française. L’avance sur recettes l’avait accompagné à plusieurs reprises, saluant la beauté de ses scénarios, emprunts de poésie et de nostalgie. Le cinéma mondial perd l’un de ses grands explorateurs."

Fleur Pellerin, ministre de la Culture et de la Communication
"Manoel de Oliveira nous a quittés le 2 avril, à Lisbonne.

Il avait joué dans La chanson de Lisbonne, le premier film parlant tourné au Portugal. Mais c’est bien sûr comme réalisateur que Manoel de Oliveira s’était fait reconnaître dans le monde entier comme l’un des très grands noms du septième art.

Si son œuvre est profondément marquée par la littérature et le théâtre de son pays, Manoel de Oliveira nous a offert aussi une magnifique adaptation, véritable tour de force, du chef-d’œuvre de Claudel, Le Soulier de satin.

C’est encore une adaptation d’un autre grand texte français, Madame Bovary, qui lui vaudra de s’imposer au-delà de son Portugal natal et avec La Lettre inspirée de La princesse de Clèves qu’il décroche le Prix du jury au Festival de Cannes en 1999.

Manoel de Oliveira avait fêté ses 106 ans ; il y a quelques mois. C’était le doyen des cinéastes en activité, un créateur d’une fascinante énergie que le temps semblait impuissant à lasser. Le grand âge fut pour lui celui de la moisson, continuant à récolter les fruits de toute une vie de méditation et de contemplation, une vie vécue en poète."

14 événements marquants de l’année cinéma 2014

Posté par vincy, le 4 janvier 2015

scarlett johansson under the skin

L'année cinéma ne fut pas de tous repos. Hormis ce qui compte le plus, les films, l'industrie a connu de fortes turbulences et parfois même quelques séismes faisant bouger les plaques tectoniques les plus solides. Le cinéma reste un art fragile, mué par une industrie qui cherche en vain des formules, recettes, et autres martingales rassurant les investisseurs.

La preuve la plus spectaculaire est évidemment l'énorme opération de piratage qui a ébranlé le géant Sony Pictures. Alors que le studio lançait en fanfare le tournage du nouveau James Bond, Spectre, ses ordinateurs étaient "hackés". Et les "Gardiens de la Paix", qui revendiquent l'acte de "vandalisme" pour reprendre le mot de Barack Obama, se sont délectés: révélation des salaires des dirigeants, des contrats pour les films, des courriels (parfois très politiquement incorrects) entre les dirigeants, diffusion de films en ligne et, en point d'orgue, menace d'attentats pour quiconque projetterait le film The Interview. Ce dernier fait marquant a créé un dangereux précédent: Sony a d'abord annulé la sortie du film, avant de négocier avec quelques 300 salles et une plateforme en ligne. En capitulant devant des terroristes, en censurant une comédie satirique, Sony s'est mis Hollywood et une grande partie de la classe politique à dos...

Mais l'année 2014 ce n'était pas que ça. A Hollywood, les mines sont peu enjouées: le box office est en retrait, les suites produites n'ont pas été les cartons annoncés. Seuls les super-héros et franchises pour la jeunesse ont vraiment cartonné (les deux films les plus populaires de l'année sont finalement un Hunger Games). Pas étonnant alors que tous les studios se soient lancés dans un programme ambitieux de sagas, avec en tête une guerre déclarée entre Disney-Marvel-Star Wars et Warner Bros-DC Comis-Harry Potter. Les plannings sont prêts jusqu'en 2020. Un véritable travail à la chaîne.

Mais Hollywood a les yeux rivés au-delà. Du financement à la distribution, désormais c'est du côté de la Chine que ça se passe. L'Empire du milieu, déjà 2e marché cinéphile du monde, va devenir rapidement la plus grosse réserve de spectateurs. Certains films américains y font un box office presque supérieur à celui qu'ils réalisent en Amérique du nord. Partenariat, coopération, joint-venture: tout le monde veut sa place là bas. C'est le nouvel eldorado.

Même les Français s'y investissent. Ironiquement d'ailleurs, c'est un remake chinois d'un film français réalisé par un cinéaste français qui représentait la Chine aux Oscars. Tout un symbole d'ouverture. Tandis que dans l'Hexagone, on joue à Jean-qui-rit/Jean-qui-pleure. La fréquentation des salles est à un excellent niveau. La part de marché des films français a rarement été aussi bonne.  Trop tôt pour dire si l'opération 4€ pour les moins de 14 ans a joué un effet déclencheur sur les films familiaux. Mais avec deux symboles, le carton à 12 millions d'entrées de Qu'est-ce-qu'on a fait au Bon Dieu? et le triomphe international de Lucy, le cinéma français continue de séduire (y compris à la télévision puisqu'Intouchables s'est offert une audience de coupe du monde avec 13 millions de téléspectateurs). Mais, dans le même temps, la production française connaît une crise sans précédent avec une réduction drastique des tournages et des budgets. A cela s'ajoute une véritable vulnérabilité du modèle économique et des tensions sociales toujours d'actualité.

Le cinéma est une économie périlleuse. Des studios Ghibli au Japon qui décident de fermer temporairement leur département long métrage aux festivals (Film asiatique de Deauville, Paris Cinéma) qui mettent la clef sous le rideau, la crise touche tout le monde, même des valeurs qu'on croyaient sûres. Cela oblige de nombreux acteurs de l'industrie de modifier leurs stratégies. L'événement le plus flagrant fut sans doute la mise en ligne par Wild Bunch, en Vidéo à la demande, de Welcome to New York, d'Abel Ferrara, avec Gérard Depardieu, sans passer par la case salles. Evénement qui a parasité Cannes et qui sera de plus en plus courant. Dans le même temps Wild Bunch a d'ailleurs créé une société de e-distribution et s'est marié avec un groupe allemand.

Le numérique est de plus en plus présent dans toutes les strates du cinéma: tournage, diffusion, et même marketing et promotion. Un selfie aux Oscars fait davantage de bruit et d'impact qu'une campagne de publicité massive. Même si la tendance du selfie peut agacer (sur les marches de Cannes), tous les distributeurs profitent désormais des réseaux sociaux pour promouvoir leurs films. Les stars aussi. James Franco en a même un peu abusé...

Évidemment, d'autres faits ont marqué cette année 2014. A commencer par les disparitions de personnalités qui nous manqueront devant ou derrière l'écran. L'émotion mondiale a été à son comble avec l'overdose de Philip Seymour Hoffman et le suicide de Robin Williams, deux immenses acteurs américains. De l'émotion, il y en a eu cette année. Nous resterons marqués par les adieux discrets et humbles, mais ô combien touchants, de Gilles Jacob sur la scène du Palais des Festivals à Cannes, après avoir remis la Caméra d'or, qu'il a créé, à un premier film français revigorant (Party Girl).

Mais finalement, 2014 n'est-ce-pas Scarlett Johansson qui l'incarne le mieux, en étant, paradoxalement, l'actrice la plus désincarnée de l'année? Voix virtuelle et numérique dans Her, super-héroïne se muant en clé USB dans Lucy, girl next door irrésistible en second-rôle dans Chef et personnage de BD en tête d'affiche dans Captain America : Le soldat de l'hiver, elle est toutes les femmes sans en être une seule. Elle est à la fois la belle et la bête. Elle incarne le vide existentiel de notre époque, reflète nos fantasmes, nous renvoie l'image d'une star caméléon, jusqu'à se désintégrer pour bien nous prouver qu'elle n'est pas réelle dans Under the Skin. En cela, en alien-vampire s'humanisant au contact des hommes qu'elle piège, créature hybride mise à nue par la souffrance de notre monde, Scarlett Johansson illustre numériquement et charnellement (antagonismes?) ce que le cinéma cherche encore et toujours: la restitution de la réalité à travers un imaginaire de plus en plus technologique.

Cannes 2014 : Lettre à… Gilles Jacob

Posté par MpM, le 25 mai 2014

Gilles JacobCher Gilles Jacob,

Voilà, c'est fini. Cette 67e édition du Festival de Cannes se referme (déjà) sur une multitude d'impressions, d'images et d'émotions. Nous avons vécu tant d'histoires pendant ces dix jours. Tant de destins, de coups du sort, d'émerveillement et de drames. De quoi nous accompagner longuement sur nos chemins respectifs.

Et que dire alors des presque 40 ans que vous avez passé dans l'organisation du Festival ? De ces milliers de films qui ont défilé devant vos yeux, des choix sensibles qu'il a fallu faire, des regrets, des amertumes et des immenses joies ?

Avec votre départ, c'est une page primordiale de l'histoire de Cannes qui se tourne. On ne dira jamais assez ce que le Festival vous doit : le Certain Regard, la caméra d'or, la Cinéfondation... et une certaine idée du cinéma mondial. Tout au long de cette 67e édition, notre série "les années Jajacobbi" est ainsi revenue sur ces cinéastes que vous avez révélés et qui nous ont depuis offert des énergies et des fulgurances inoubliables.

Pour nous tous, amoureux de Cannes et du cinéma (qui se confondent), votre départ va laisser un vide immense, incommensurable. La sensation que plus rien ne sera jamais pareil.

Heureusement, vous continuerez à veiller sur le festival de loin, et notamment à travers la Cinéfondation. On vous imagine riant sous cape en découvrant tous les hommages qui vous sont rendus et balayer joyeusement la nostalgie qui nous gagne déjà. Il vous reste plein d'idées, plein d'envies, plein de découvertes à faire et de choses à raconter. On attend désormais le nouveau volume de vos mémoires de Cannes. Et, qui sait, d'autres surprises.

Car comme vous l'avez si bien dit lors de la clôture de la section un Certain Regard, au sujet de cette sélection parallèle qui gagne chaque année en qualité : "on est là pour mettre en question, repousser les limites, inventer inlassablement." Soit ce qui devrait être le but de toute existence.

Aussi, de notre côté, comme vous nous avez exhortés à le faire, nous continuons notre route avec Cannes et avec le cinéma. Et ce faisant, notre vie de festivalier cannois, malgré votre éloignement, passera comme un rêve.