Fin novembre, le box-office américain enregistrait une hausse des entrées de 8% par rapport à 2008 et prévoyait déjà de dépasser le chiffre historique des 10 milliards de dollars d’ici fin 2009. En comparaison, l’an dernier à la même époque, les recettes atteignaient 8,78 milliards quand elles sont cette année de 9,64 milliards.

Ce qui surprend les observateurs, c’est que ces excellents résultats ne tiennent pas tant aux bons scores réalisés par les films sortis pendant l’été (période classiquement faste) que par le succès rencontré par les sorties du printemps et de l’automne. Sur les seuls mois d’octobre et de novembre 2009, on constate en effet une  progression de plus de 10% par rapport à l’an dernier et cinq films (contre trois en 2008) ont dépassé les 100 millions de dollars de recette sur cette période, pour un total de 680 millions. Bien sûr, le démarrage sur les chapeaux de roue de Twilight : Tentation et de 2012 n’est pas étranger à ce bond en avant du nombre des entrées… bien que les films soient loin d’avoir fini leur carrière.

Toujours est-il que de tels chiffres pourraient encourager les distributeurs à revoir certaines de leurs stratégies marketing, à commencer par la possibilité de répartir les sorties importantes sur toute l’année au lieu de les concentrer traditionnellement sur les périodes d’été et les fêtes de fin d’année.

Pour sa 35^ème édition, le Festival de Deauville a proposé une sélection de 11 films en compétition. De la comédie à un style de film plus violent, le public et les jurys ont découvert une large palette du cinéma américain indépendant mais aussi des histoires singulières.

Le prix de la critique est allé à un premier long-métrage, The Messenger, réalisé par Oren Moverman, en permanence sur la corde raide et dans la retenue, jamais dans le pathos. “Pour la maîtrise de sa mise-en-scène, pour son montage, et pour sa direction d’acteur“. il effectue un doublé prestigieux puisqu’il obtient aussi le Grand Prix du jury.

C’est Jean-Pierre Jeunet qui était le président du jury officiel, dont le prochain film Micmacs à tire-larigot va bientôt sortir avec Dany Boon, lui aussi juré tout comme Patrice Leconte (qui l’avait dirigé dans Mon meilleur ami), Jean-Loup Dabadie (scénariste du film à venir La tête en friche de Jean Becker, et pour Claude Sautet, Yves Robert, Claude Pinoteau…), le réalisateur Bruno Podalydès, les actrices Sandrine Kiberlain, Géraldine Pailhas, Hiam Abbas, Emilie Dequenne et Déborah François. Enthousiasmés par la compétition, ils ont tenu à récompenser plusieurs films. “Puisque nous avions la possibilité de remettre un prix ex-æquo, on en a profité pour le faire car on aurait voulu remettre plus de prix au vu de la qualité de la sélection qui nous a été proposée“, ont-ils précisé.

Le prix du jury ex-æquo va donc aux films Precious de Lee Daniels et au film Sin nombre de Cary Joji Kukunaga.

Le jury de la révélation Cartier, qui distingue plutôt un film pour ses qualités novatrices, était présidé par Maïwenn, avec le chanteur Raphaël, l’écrivain Nicolas Fargues, et les comédienne Aïssa Maïga, Louise Monot et Romane Bohringer. “On a voulu choisir un film singulier et surtout pas formaté, un film qui se démarque des autres dans la forme et le propos“, a précisé le jury. “Pour ces raisons, nous donnons ce prix au film Humpday, réalisé par Lynn Shelton“.

ZAZ, trois lettres synonymes de rires assurés. Derrière cet acronyme, il y a en effet le trio David Zucker - Jim Abrahams - Jerry Zucker présent à Deauville pour un hommage.

Leur tout premier film comme scénaristes, Hamburger Film Sandwich (une suite de sketch parodiant différents types de films) est un véritable succès qui lance leur carrière au cinéma et en même temps devient leur marque de fabrique. Ils vont ensuite s’échanger leur casquette de scénariste, réalisateur ou producteur selon les projets. Les “ZAZ” s’inspirent de films que tout le monde connaît pour proposer des films parodiques beaucoup plus drôles. Les enquêtes policières deviennent ainsi déjantées et polissonnes avec le lieutenant Drebin dans Y a-t-il un flic pour sauver la reine ?, Y a-t-il un flic pour sauver le président ?, Y a-t-il un flic pour sauver Hollywood ? et, dans le même registre absurde, Hot shots 1 et 2 tournent largement les aviateurs en ridicule.

Mais, avant ces parodies, leur collaboration a donné naissance à deux autres films dont ils signent conjointement le scénario et la réalisation : des nazis sur le retour en prennent pour leur grade dans le méconnu mais hilarant Top Secret (qui n’a pu être projeté à Deauville pour défaut de voilage rouge sur la copie, mais qui a été récemment diffusé sur Arte) en 1984, et surtout en 1980 le cultissime pastiche de film catastrophe Y a-t-il un pilote dans l’avion?, sans doute leur chef d’œuvre.

Chacun de son côté a aussi œuvré à la production de films plus “sérieux” : David Zucker pour Phone game de Joel Schumacher, Jim Abrahams pour Cry baby de John Waters, et Jerry Zucker sur Fair game, le prochain film de Doug Liman (avec Sean Penn et Naomi Watts). Jerry Zucker est aussi l’heureux réalisateur de Ghost, romance entre Demi Moore et Patrick Swayze qui récolta en son temps cinq nominations aux Oscars.

Si, en France, les ZAZ ont notamment influencé les Nuls (La cité de la peur), ils n’ont guère eu d’héritiers aux Etats-Unis avant l’arrivée des frères Wayans (dont la prochaine parodie, Dance Movie, sortira d’ailleurs le 28 octobre) et leur fameux Scary Movie. Mais la suite (Scary Movie 2) s’étant révélée une déception, les ZAZ ont encore repris le flambeau : David Zucker a réalisé Scary Movie 3 et 4, ce dernier étant co-écrit avec Jim Abrahams. A Deauville, c’est le rigolo du jury, Dany Boon, qui a remis le trophée-hommage aux trois trublions. Sur scène, ils ont régalé les festivaliers de quelques blagues, notamment d’un discours cacophonique (oui, les ZAZ sont lol). Et dans cette grande fête du cinéma américain, le trio qui dynamite les clichés hollywoodiens avec un mauvais goût de qualité a connu son moment de gloire… de quoi lui inspirer une nouvelle idée de film ?

Crédit photo : Christophe Maulavé

Depuis longtemps, le genre du biopic a le vent en poupe. Il faut dire que raconter la vie d’une personnalité présente bien des avantages. Parfois, il existe déjà des biographies dont il suffit de s’inspirer (ce qui est pratique en cas de grève des scénaristes), et de nombreux livres ne demandent qu’à être adapté sur grand écran. Par ailleurs, il s’agit souvent d’une célébrité publique dont on raconte les temps forts, la vie cachée et intime, les faits et gestes. L’autre voie à suivre est de se baser sur une personnalité pour évoquer plus largement une époque ou une aventure. Mais il y a encore bien d’autres façons de réaliser un biopic, et Deauville, pour son 35e anniversaire, n’y échappe pas. La preuve par l’exemple…

D’abord, l’équipe du film Julie & Julia est venue en force sur les planches : la réalisatrice Nora Ephron, le compositeur Alexandre Desplat, les acteurs Chris Messina et Stanley Tucci, et la grande Meryl Streep. Ce film a la particularité d’être basé non pas sur une mais sur deux histoires vraies : celle de Julia Child, femme au foyer, qui a co-écrit le best-seller Mastering the art of French cooking dans les années 50 et celle de Julie Powell, fonctionnaire des années 2000, qui a ouvert un blog pour raconter son pari de réussir à faire les 524 recettes de cuisine de ce livre en un an. Julia a initié un livre pour que les américaines réussissent à cuisiner comme un chef les bons petits plats de la gastronomie française (cocorico !), et environ 50 ans plus tard Julie utilise ce même livre… Le film alterne le récit de ces deux femmes qui ont plusieurs points commun. Bien entendu, la réalisatrice se défend de dire que les femmes aux fourneaux c’est un épanouissement, mais elle insiste sur le fait que des recettes de cuisine avec des bons produits, c’est meilleur que du surgelé et des conserves. Ces deux histoires parallèles (Paris, New York) nous parlent aussi d’autres choses en filigrane comme le Maccarthysme et l’après 11 septembre.

Le réalisateur Richard Linklater, connu pour ses heureuses expérimentations (Before Sunrise, Fast food nation, A scanner darkly), est lui venu nous présenter Me and Orson Welles, ou comment s’inspirer d’un biopic pour faire un film très (trop) académique. Il s’agit d’un jeune prétendant acteur (l’idole des gamines Zac Efron) qui se retrouve engagé dans la troupe théâtrale qui prépare une pièce sur Jules César mis en scène par le fameux Orson Welles (imité par Christian McKay, voix et postillons compris). On découvre un Orson Welles comme on pouvait l’imaginer mais en pire : un homme autoritaire, égoïste, jaloux, brillant. “Vous êtes tous des accessoires de ma vison“, c’est ainsi qu’il semblait réduire les gens travaillant pour lui. En coulisse, l’amour se heurte à la soif de réussite…

This is it

Du côté de la sélection Les docs de l’oncle Sam de Deauville, des personnes peut-être moins connues font l’objet de documentaires. William Kunster : disturbing the universe fait le portrait d’un célèbre avocat, et The September issue suit Anna Wintour la rédactrice en chef de Vogue. Ecran Noir y reviendra longuement dans quelques jours. Enfin, Facing Ali réunit une dizaine de boxeurs qui rendent hommage à Mohamed Ali.

Enfin, il existe un type de biopic particulier qui est plutôt difficile à réaliser : le film rock. Et c’est quelque chose que Tom DiCillo vient de réussir avec When you’re strange : a film about The Doors. Son documentaire, que diffusera MK2 au premier semestre 2010, exploite uniquement des images d’archives (de 1966 à 1971), avec Johnny Deep en narrateur. Tom DiCillo a présenté son film ainsi : “ça aurait fait plaisir à Jim Morisson de vous voir ici un dimanche matin au lieu de l’église… Aucune image n’a été retournée, tout ce que vous verrez est vrai, gardez les portes de la perception ouvertes“. Avec un montage de films de l’époque (et aussi quelques photos et coupures de presse), il raconte le début d’un groupe de jeunes gens qui vont avoir un succès énorme suite au hit Light my fire et surtout grâce aux prestations scéniques de son chanteur. A un moment, on a de plus en plus l’impression que les gens ne viennent pas aux concerts pour la musique des Doors mais pour le spectacle imprévisible de Jim Morrison. Alors le film s’attache plus à lui qu’aux autres membres du groupe, le leader étant devenu un personnage incontrôlable. Jim Morrison apparaît à la fois comme une idole de la jeunesse contestataire et un monstre victime de ses abus de drogues et alcool. The Doors qui prônait l’illumination de l’esprit ont été gagnés par la folie… this is the end.

Crédit Photo Meryl Streep : Christophe Maulavé

A Deauville, il y a une place Claude Lelouch, située à l’endroit où il avait tourné Un homme et une femme, cette histoire d’amour atypique qui a gagné la Palme d’or et deux Oscars (et 47 autres récompenses de par le monde !). Hasard ou coïncidence, les deux meilleures comédies romantiques présentées ici cette année sont aussi des histoires d’amour atypiques. Il ne s’agit plus du traditionnel “ils se rencontrent et s’embrassent à la fin, puis se marièrent et eurent beaucoup d’enfants“. Quand tout est mélangé dans la chronologie, c’est souvent bien plus étonnant. Les personnages sont déjà ensemble ou séparés, puis on découvre comment ils se sont rencontrés ou ou ce qui les a réunis, bref beaucoup d’émotions ! La romcom (romantic comedy) est un genre que les Américains savent toujours très bien produire.

Le ton est donné avec le film d’ouverture The time traveler’s wife présenté par son couple star Eric Bana et Rachel McAdams. Les deux interprètes sont d’ailleurs pour beaucoup dans lepouvoir de séduction de leurs personnages sur le public. Un homme qui a un trouble génétique voyage involontairement dans le temps et rencontre à différents âges celle qui deviendra son amoureuse. L’aspect fantastique est gommé au profit de situations drôles (plusieurs disparitions et réapparitions durant une cérémonie de mariage) ou tragiques (annoncer ou pas un grand malheur avant qu’il ne se produise). Le film s’avère une belle et attirante histoire d’amour à travers le temps.

Mais le film qui risque de bientôt remporter tous les suffrages, c’est 500 days of Summer, qui va sortir le 30 septembre. Quand un garçon tombe amoureux d’une fille qui elle ne croit pas vraiment en l’amour… Dès le début, la voix-off nous indique que “this is a story of boy meet girl, but this is not a love story”, leur histoire a duré 500 jours et on découvre donc les moments qui ont compté dans leur relation avant la rupture. Joseph Gordon-Levitt rencontre à son boulot Zooey Deschanel, et il va se déclarer au karaoké d’une fête (en chantant Here comes your man des Pixies). Du premier baiser sur une photocopieuse au jeu du papa et la maman dans les rayons de meubles d’un magasin, chaque scène est attendrissante. Zooey Deschanel incarne à l’idéal la fille impossible et craquante. Les souvenirs de ces 500 jours ensemble arrivent dans le désordre avec petits évènements anodins et dialogues annonciateurs de tension. De plus, beaucoup d’allusions culturelles se font remarquer de manière discrète pour lier des liens de connivence avec le public : un Tshirt London Calling des Clash, un générique de K2000, une musique de Belle & Sebastian, un reflet de Han Solo… Le réalisateur Marc Webb ponctue aussi son film de scènes originales comme un numéro de comédie musicale ou une séquence en split-screen avec les espoirs à gauche de l’écran et la dure réalité à droite. 500 days of Summer apporte définitivement quelque chose de frais dans la comédie sentimentale… avant de devenir un film culte ?

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Crédit photo Eric Bana et Rachel McAdams : Christophe Maulavé

Dans Un enfant pas comme les autres, un écrivain de romans de science fiction adopte un jeune orphelin qui prétend venir de la planète Mars. Fantasme enfantin ou troublante réalité ? Vite débordé, le nouveau papa ne sait plus que croire…

Ce 4e long métrage du réalisateur Menno Meyjes est l’adaptation d’une nouvelle de David Gerrold intitulée L’Enfant de Mars qui a remporté plusieurs récompenses à travers le monde, dont les prix Hugo et Nebula. L’écrivain est d’ailleurs producteur exécutif sur le long métrage.

A l’occasion de la sortie du film sur nos écrans le 15 juillet prochain, Ecran Noir met en jeu 10 places de cinéma. Pour participer, il suffit de répondre à la question suivante :

Un enfant pas comme les autres est la deuxième collaboration de l’acteur John Cusack avec le réalisateur Menno Meyjes. Comment s’appelait le film qui les a réunis pour la première fois ?

Les gagnants seront tirés au sort parmi les bonnes réponses, à nous adresser par e-mail en indiquant votre nom, votre email et votre adresse postale.

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Un enfant pas comme les autres de Menno Meyjes
Avec John Cusack, Amanda Peet, Oliver Platt et Joan Cusack.
Au cinéma le 15 juillet 2009.

“Choisis entre la rue et le studio.”

L’histoire : l’ascension spectaculaire de Christopher ‘Notorious BIG’ Wallace, un petit dealer des bas quartiers qui devint l’un des plus grands rappeurs de son temps avant d’être victime d’une inextricable guerre des gangs.

Notre avis : S’il n’y a pas de quoi crier au génie, on est quand même agréablement surpris par ce biopic efficace qui retrace le parcours étonnant de l’un des plus grands chanteurs de rap des années 90. Assez classiquement, George Tillman Jr. commence par la fin (pour créer l’effet de destin brisé) puis revient sur quelques événements-clefs de la jeunesse de son héros. Père absent, mère aimante, entourage violent et criminel, importance de la musique… en quelques scènes, on a un aperçu du contexte qui a vu naître la légende de Notorious BIG et du parcours initiatique qui en a précipité la chute.

Avec un vrai sens du rythme et des enchaînements, le film insiste sur la personnalité de Christopher Wallace, un dealer minable capable d’écrire des textes magnifiques et percutants. Les scènes de battle ou de concert sont ainsi très réussies, offrant une vraie vision du personnage et donnant envie de mieux connaître son œuvre. A l’inverse, les séquences personnelles et intimes semblent plus formatées, voire cousues de fil blanc. La dernière partie bascule même dans la pure hagiographie, avec rédemption, sacrifice et résurrection symbolique. Dommage, car on peine à se laisser totalement convaincre par cette interprétation messianique que George Tillman Jr. fait de la mort du chanteur… Restent l’ambiance de l’époque, les rapports troubles entre labels et gangs, en gros tout ce qui a trait à la musique et à l’expérience de la rue, qui élèvent Notorious BIG de téléfilm clinquant à témoignage sensible.

“Cette différence, c’est comme quelque chose qu’ils savent et que je ne comprends pas.“

L’histoire : Jen va avoir quinze ans. Encore sous le choc de la mort de son père, elle vit avec sa mère, immature et paumée, à l’écart de la ville de Covina, au nord des Etats-Unis. Un jour, Ian, le demi-frère du défunt, vient vivre près de chez elles. Jen est à la fois troublée et attirée par cet homme mutique et solitaire.
 

Notre avis : Ce portrait d’une jeune fille introvertie et complexe ressemble à l’adolescence : on sait précisément ce qui nous attend, en raison d’une intrigue cousue de fil blanc, et pourtant tout est à la fois inconfortable et déconcertant. A commencer par la voix off (particulièrement présente) qui raconte l’histoire du point de vue de Jen (Laurence leboeuf), mais plusieurs années après les faits. La manière qu’a l’héroïne de parler dans un souffle, presque sans expression ni émotion, fait osciller le spectateur entre intérêt (l’envie de dissiper le mystère) et agacement. Cette ambivalence se retrouve dans tout le film : tantôt on est séduit par une sèche séquence dramatique dénuée de pathos, tantôt on soupire devant une profusion de clichés maladroitement accumulés.

Peut-être plus que cette trouble histoire de famille, d’amour et de violence, c’est le contexte dans laquelle elle se déroule qui fascine. La communauté  fermée et méfiante de Covina est dépeinte très subtilement au détour d’une conversation entre mère et fille (”tu crois que quand ils disent que je pourrais être ta grande sœur, c’est pour me faire plaisir ? Parce que moi, c’est ce que je croyais, au début“) ou d’une soirée ratée où la sollicitude empressée des hôtes donne rapidement froid dans le dos (”vous n’avez que des amis ici“). Les mentalités fermées, à la limite de la malveillance, ont induit le drame autant qu’elles ont prétendu l’éviter. L’amie de Jen, Ana, symbolise d’ailleurs ce puritanisme hypocrite qui impose ses principes aux autres et refuse en bloc tout élan du cœur ou du corps. Comment “ces gens-là” pourraient-ils comprendre les émotions complexes de Jen ? François Rotger, lui, a l’élégance de ne pas chercher à les expliquer. En laissant cette part d’ombre à son personnage, il rend indirectement hommage à la véritable Jen qui, en lui révélant son passé, lui a offert bien plus qu’une intrigue autobiographique.

Et si finalement, ce n’était pas tant la crise que ça ? Cette année, le marché du film cannois annonce un total de 1500 projections, ce qui représente à peine trente séances de moins que l’an dernier. Pour l’instant, on dénote 9 100 accrédités et les  organisateurs pensent accuser une baisse de seulement 2% par rapport à 2008, dont la moitié est due à la plus faible représentation américaine.

C’est un film étrange, déroutant, risqué, incompris, maîtrisé, envoûtant et proposant une vision fantasmée – ou cauchemardesque – d’une humanité courant à sa perte qui est sorti en DVD et Blu-ray le 25 mars dernier (achat sur alapage.com). Cet OVNI en celluloïd, ce Léviathan industriel crachant sa vapeur toxique, cet essai post apocalyptique d’un monde charriant sa propre décrépitude, ce maelström visuel où la contre-culture s’empale dans une bulle de poésie pure c’est Southland Tales, le dernier film de Richard Kelly, jeune prodige américain responsable d’un Donnie Darko à l’imaginaire de labyrinthe. Projeté au festival de Cannes en mai 2006 où il fut hué, remonté et amputé de vingt minutes peu de temps après, sortit dans l’indifférence coupable aux Etats-Unis fin 2007 et programmé en Europe avant d’être sans cesse repoussé, sa trajectoire, pour le moins chaotique, se termine donc dans les bacs froids de grands magasins.

Rappelons qu’Ecran Noir avait été l’un des rares magazines à défendre cette vision originale et casse-gueule, à l’époque.

Pourtant le film existe et, malgré ce triste constat, risque bien de devenir culte comme indispensable à tout bon cinéphile qui se respecte. Long-métrage lunaire aux multiples entrées, Southland Tales brasse dans un faux rythme contemplatif une série de rencontres entremêlées dans un présent d’uchronie glamour, trash, délétère, extatique mais dont le décalage subtile se prête admirablement bien à la redéfinition d’une réalité aussi factice que terriblement actuelle. Gonflé, Richard Kelly accouche d’un film hybride aux plans séquences enivrants, aux ballets improbables (voir la danse conclusive entre The Rock et Sarah Michelle Gellar), comme aux digressions psychédéliques. L’expérience visuelle vaut à elle seule le détour…

Oeuvre prophétique au sens premier du terme, elle le demeure surtout dans la manière dont le cinéaste reprend les codes du cinéma hollywoodien pour mieux les exploser en vol (scène du Zeppelin) et dire, à sa façon, le danger d’une dictature de l’image et de ses soi-disant symboles. L’inter-relation entre virtualité et réalisme s’élabore en continu dans un patchwork détonant diaboliquement contemporain qu’il faut absolument découvrir, même sur disque vidéo.