Malgré de très belles performances, le cinéma français (qui inclue les coproductions internationales entrées totales dans ce bilan) qui représentent 15% des ) est en recul sur les marchés internationaux. On pourrait se réjouir, malgré tout, que les films "made in France" aient attiré 57,2 millions d'entrées dans le monde (67, 2 millions l'an dernier) et rapporté plus de 330 millions d'euros (20 millions d'euros en moins par rapport à 2009). Cela signifie que près de 130 millions de spectateurs ont vu un film français cette année. Pas si mal, mais encore une fois, la baisse (-17,9% pour les entrées, -6% pour les recettes) est inquiétante. D'autant qu'il y avait quelques poids lourds (Polanski, Besson), des films cités dans différents palmarès locaux, des adaptations de best-sellers internationaux...

Seul rayon de lumière : les films en langue française représentent pour la première fois en dix ans plus de la moitié des entrées (soit 55,2%).

Des marchés dynamiques et des contre-performances

Les films français ont particulièrement été séduisant en Italie (+142%), aux USA pour les films en français (+36%) - même si dans ces deux pays on est loin des niveaux d'antan - en Russie (+42%), en Espagne (+30%), au Royaume Uni (+79%), aux Pays-Bas (+51%) et au Japon (+25%). Gros bémol en Allemagne (-30%) et en Chine (-43%). Aux USA, la chute des films français, toutes langues confondues, est de 45%, ce qui est imputé à l'énorme succès de Taken en 2009.

Géographiquement, l'Europe occidentale reste la locomotive de l'exportation des films français avec 38,9% des entrées, devant l'Amérique du Nord (27,5%), l'Asie (15%), l'Europe Centrale et Orientale (8,1%), l'Amérique Latine (6,3%), l'Océanie (2,2%) et l'Afrique (2%). Côté pays, les USA demeure toujours le marché leader avec 13,07 millions d'entrées, devant l'Italie, l'Espagne, l'Allemagne, le Japon, la Russie, le Royaume Uni, la Chine et la Belgique.

Polanski, Besson, Perrin affichent de bons chiffres partout dans le monde

3 leaders incontestables ont dominé les entrées en salles à l'international. The Ghost-Writer (6,57 millions d'entrées dans 27 pays), Luc Besson (6,56 millions d'entrées pour From Paris With Love et 3,19 millions d'entrées pour Les aventures extraordinaires d'Adèle Blanc-Sec) et le documentaire Océans (6,52 millions d'entrées dans seulement 14 territoires).

Loin derrière, on peut souligner les succès de certains films très différents : Le concert (1,8 million), Solomon Kane (1,7 million), Le Petit Nicolas (1,2 million et un total sur deux ans de 2 millions), le documentaire Bébés (1,1 million), Arthur et la vengeance de Malthazard, Un prophète (qui a fait autant en France que dans le monde avec 1,1 million de spectateurs internationaux sur deux ans), L'immortel, Le Hérisson, L'Arnacoeur (750 000 entrées dans le monde), Micmacs à tire-larigot, Des hommes et des Dieux (600 000 entrées dans le monde).

Elle s'appelait Sarah bat un record aux Pays-Bas

On remarque aussi la belle continuité du Ruban Blanc (917 000 entrées, soit 1,46 million de spectateurs en dehors de la France depuis sa Palme d'or). Et surtout la belle performance d'Elle s'appelait Sarah avec 487 000 entrées sur 3 territoires, dont 425 000 fans rien qu'aux Pays-Bas, soit un record historique puisque le film a battu le premier Astérix et Amélie Poulain. Au pays des tulipes, Tatiana de Rosnay, auteure du livre homonyme, est l'écrivain étrangère la plus vendue en librairie.

On peut aussi se féliciter des 420 000 entrées pour Gainsbourg (vie héroïque), des 282 000 entrées pour Copie conforme et du bon débit de la carrière internationale de Potiche avec déjà 320 000 entrées dans 6 pays.

Créer un star-système pérenne et persévérer dans la diversification de l'offre

Le cinéma français est le cinéma européen qui s'exporte le mieux, devant le cinéma espagnol, si l'on excepte le cinéma britannique, souvent aidé par les studios américains. Mais pour conserver sa place, il doit persévérer dans cet équilibre entre productions internationales en langue anglaise et films d'auteurs destinés aux grands festivals. Il est intéressant de voir que la littérature est devenue un vecteur de succès : un best-seller (L'élégance du Hérisson, Elle s'appelait Sarah, Le petit Nicolas) transforme souvent l'essai au cinéma.

Alors qu'Unifrance, l'organisme chargé de la promotion du cinéma français dans le monde, va changer de Président, les enjeux et défis ne manquent pas dans un monde cinéphile en mutation : le cinéma français doit moins dépendre des gros marchés occidentaux et continuer d'offrir un panel varié alliant du thriller à l'animation en passant par la comédie romantique, tout en continuant à miser sur ses vedettes internationales ou son patrimoine universel.

Patrick Bernabé est l'un des programmateurs du festival Cinespana. Chaque année, il suit avec attention la production cinématographique ibérique et en tire la substantifique moelle afin de donner aux festivaliers un aperçu représentatif de sa richesse et de sa diversité.  S'il y a un bien un homme capable de nous donner les grandes tendances du festival et plus globalement du cinéma espagnol actuel, c'est lui !

Ecran Noir : Comment avez-vous bâti la sélection de Cinespana cette année ?

Patrick Bernabé : Plus que jamais, nous avons souhaité montrer les différents aspects du cinéma espagnol, ce qui est passé par une programmation plus structurée. Il faut préciser qu'il y a eu moins de films produits en Espagne cette année, à cause de la crise économique. Le choix était donc plus restreint, et il y a par exemple moins de longs métrages dans la section Panorama que les autres années.

EN : Par contre, il y a plusieurs sections thématiques...

PB : Oui, par exemple "de la résistance à la Transition" est un reflet de la société espagnole récente, entre la censure de la dictature et l'apparition de la liberté avec la Transition. La section "Mémoire" explore la mémoire et les difficultés à l'exprimer, en montrant comment aujourd'hui on perçoit l'époque de la guerre civile.  Nous avons aussi voulu donner une carte blanche au producteur indépendant Lluis Minarro qui a produit une vingtaine de films souvent difficiles dans le forme. C'était important pour nous de présenter son travail, d'autant qu'il est le coproducteur d'Oncle Boonme, la dernière Palme d'or. Enfin, "la dernière séance" rappelle que le cinéma fantastique espagnol est l'un des plus innovants au monde. Nous rendons notamment un hommage à Paul Naschy qui est l'un des initiateurs du genre en Espagne.

EN : Vous avez une bonne image d'ensemble des films sortis en Espagne ces derniers mois... Quelles tendances avez-vous notées ?

PB : Les problèmes sociaux sont toujours très présents, notamment la drogue. Par contre, cette année, il n'y avait pas de film de prison contrairement à l'an dernier. Le cinéma est toujours le reflet d'une société, mais c'est particulièrement vrai pour le cinéma espagnol ! Par ailleurs, nous avons vu peu de comédies, et moins de films historiques, à part bien sûr dans le domaine documentaire.

EN : Sur quels films attirez-vous particulièrement l'attention du public, toutes sections confondues ?

PB : Il y en a plein car le niveau était très bon cette année ! Mal dia para pescar de Alvaro Brechner est un film formidable. Personnellement, j'aime aussi beaucoup Habitacion en Roma. Dans la section Panorama, il y a notamment Elisa K qui vient de recevoir un prix à San Sebastian. Dans les documentaires, il y a Mi Vida con Carlos sur l'histoire récente du Chili. C'est l'histoire d'un fils qui part à la recherche de son père assassiné en 1973. Garbo, el espia sur la vie d'un espion pendant la deuxième guerre mondiale. Le film est entrecoupé d'images tirées de films d'espionnage, c'est très bien fait. Et puis bien sûr il y a Fake orgasm qui est un film incroyable, qui fait vraiment se remettre en questions le spectateur. Dans la section "Mémoire", Los caminos de la memoria fait écho à la loi sur la Mémoire historique et essaye de comprendre ce qu'il s'est réellement passé pendant les années Franco. Enfin, Senora de apporte le témoignage de femmes qui racontent leur vie sous le franquisme et l'oppression sexiste qu'elles ont subie à l'époque.

EN : Aujourd'hui, on a l'impression de voir plus de films espagnols dans les salles...

PB : C'est vrai, le cinéma espagnol s'exporte mieux : en 2009, 20 films espagnols ont été distribué) en France. Il rencontre une vraie reconnaissance internationale. En France, je pense qu'on y est un peu pour quelque chose. Nous avons réussi à le faire reconnaître, à le sortir des clichés dans lequel il était enfermé. En tout cas, c'était notre ambition.

Les spectateurs présents au festival Différent3 ! jeudi soir n’ont pas eu à regretter d’avoir fait l’impasse sur France-Mexique. Déjà, ils ont échappé à un match désastreux, mais surtout parce qu’ils ont assisté à une expérience unique avec la projection de l’atypique Fake orgasm du Catalan Jo Sol. De l’avis du réalisateur lui-même, il s’agit plus d’un "geste radical" que d’un film, commençant en toute légèreté avec un concours d’orgasmes simulés (d’où le titre) et s’achevant sur un questionnement de l’identité (personnelle, pas nationale).

Le "maître de cérémonie" et initiateur du projet, Lazlo Pearlman, est en effet un artiste conceptuel qui cherche à combattre les clichés, les préjugés et l’ignorance en matière de genre et de transgenre. Au cours de shows à la fois poétiques et frappants, il montre ainsi à un public non sensibilisé qu’en matière d’identité, rien n’est jamais ni certain, ni acquis. Pour ce faire, il n’hésite pas à se mettre à nu, au propre comme au figuré, s’offrant en pâture à la fois aux regards et aux interrogations des spectateurs.

Et le sacrifice n’est pas vain (à défaut d’être facile) puisqu’il révèle les doutes de l’activiste aussi bien que la confusion de ceux qui y sont confrontés. Il en ressort alors une profonde humanité : celle des spectateurs, touchants de maladresse, et celle, bouleversante, de l’artiste et de son irrépressible besoin d’empathie.

C’est aussi bien sûr passionnant dans la manière dont Lazlo Pearlman interpelle chacun de nous. En remettant en cause tout azimut la binarité sexuelle dans laquelle on nous enferme depuis l’enfance, il nous amène à réfléchir sur notre propre rapport à cette identité fluctuante qui nous construit pourtant jour après jour. Qu’est-ce qu’être un homme ? Qu’est-ce qu’être une femme ? Quelle proportion des deux porte-t-on tous en nous ? Et surtout, comment s’extraire de ces étiquettes ?

On peut être perturbé, voire dérangé par ces questions, mais impossible d’y rester indifférent. C’est pourquoi Fake orgasm donne l’impression, l’espace d’une heure, de soulever la chappe de plomb qui a tendance à complaisamment englober le sujet le reste du temps. Pourtant, parler, réfléchir, confronter ses points de vue et se remettre en questions n’a jamais fait autre chose que permettre d’avancer.

Pour la 3e année consécutive, "Différent !" propose de découvrir pendant une semaine  "l’autre cinéma espagnol". Né du désir d’un groupe d’amis ayant des affinités avec l’Espagne, et organisant toute l’année les fameuses "Espagnolas en Passy",  ce festival se veut un condensé de projections inattendues mêlant cinéma, musique et festivités juste avant la naissance de l’été.

Car comme le rappelle José María Riba, journaliste et programmateur de Dífferent 3 !, "en France, le seul cinéma espagnol qui soit vraiment connu, c’est celui d’Almodovar. Pour les gens qui sont un peu pointus, on peut ajouter Carlos Saura, Luis Bunuel, Alejandro Amenabar… mais tout le reste est inconnu ! Cela laisse un large éventail à montrer. Nous ne nous mettons aucune barrière : des courts, des longs, des documentaires, de toutes les époques… Le seul critère de sélection, c’est que chaque projection soit superbe. Ce qui nous importe, c’est que vous soyez contents de votre soirée."

En tout, ce sont ainsi une dizaine de longs métrages, des courts, de la musique et des rencontres festives autour d’un verre ou d’un buffet qui sont proposées pour célébrer une cinématographie sortant des sentiers battus ! Comment faire son choix parmi une telle offre ? "Ca dépend des goûts !", assure José María Riba. "Si vous êtes intéressé par les questions de sexe, de genre ou érotiques, il faut venir au Majestic Passy pour voir un ovni de film : Fake orgasm de Jo Sol, réalisé par une équipe de fadas ! En plus, la projection sera suivie d’un buffet aphrodisiaque à la mode ibérique…"

Pour les amateurs de documentaires ou de films historiques, il y a également Los caminos de la memoria de José Luis Penafuerte qui traite de la guerre civile, et qui cherche un distributeur en France. Les amateurs de musique, eux, ne devront pas rater le concert Espagnolas en la intimidad, de l’écran à la scène, qui sera le premier concert de la fête de la musique.

"Entre tout ça, il y a des premières et deuxièmes œuvres de cinéastes qui, cette année, voyagent beaucoup : en Uruguay, en Argentine..." Notamment Mal dia para pescar de Alvaro Brechner, présenté à la Semaine de la Critique 2009, ou encore Al perdida de Enrique Gabriel et Javier Angulo, sur le coup d'état militaire de 1976 en Argentine.

Et si malgré tout, vous ne parvenez toujours pas à vous décidez, suivez l’ultime conseil de José María Riba : "tirez au sort ! "

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Différent 3 !
Du 14 au 20 juin 2010
Information et programme sur le site de la manifestation

Pour les amoureux de cinéma espagnol, les "Espagnolas en Passy", organisées au Majestic Passy (XVIe) par une petite troupe de Parisiens passionnés, constituent depuis janvier 2008 un rendez-vous incontournable.

Ces soirées, qui ont lieu un lundi par mois, mêlent découvertes de films inédits, débats avec les acteurs et réalisateurs et moments de convivalité autour d'un verre de vin et d'une assiette de charcuterie. Le tout aux couleurs de l'Espagne, bien sûr.

Une formule conviviale et décontractée qui connaît un succès grandissant, en témoigne l'affluence observée lundi 18 janvier lors de la rentrée de la manifestation. Ce soir-là, les quelque 318 places de la salle n'ont pas suffi à
accueillir la foule de spectateurs qui se pressait pour découvrir un long métrage d'abord pourtant difficile, le relativement contemplatif C'est ici que je vis de Marc Recha.

Ainsi, seuls les spectateurs prévoyants qui avaient réservé leur place ont pu assister à la séance et engager le débat avec Marc Recha, son producteurs Jérôme Vidal et les acteurs Sergi Lopez, Eduardo Noriega et Marc Soto (voir photo). Comme à son habitude, Sergi Lopez a assuré le show avec humour et autodérision tandis qu'Eduardo se chargeait avec succès de l'aspect charme. Toutefois, la vraie révélation du film, c'est Marc Soto, jeune acteur catalan découvert par Marc Recha et dont c'est la première apparition sur grand écran en adolescent rêveur et naïf confronté à la dureté du monde des adultes.

Dans les mois à venir, les Espagnolas rompent la routine en prenant part aux activités culturelles organisées dans le cadre de la présidence européenne de l'Espagne. Le 24 février, au Forum des Images, aura ainsi lieu la projection
du documentaire La Nueve d'Alberto Marquardt, sur la brigade de volontaires espagnols ayant libéré Paris sous le commandement du Général Leclerc pendant la seconde guerre mondiale. Des survivants ainsi que de spécialistes de la période seront présents pour un débat.

Devraient ensuite venir un hommage (en sa présence) à la comédienne Marisa Paredes, actrice fétiche d'Almodovar (le 8 mars au Majestic Passy) et surtout, courant juin, pour fêter le début de l'été, la 3e édition du festival impertinent et politiquement incorrect "Différents" qui permet de découvrir un concentré de cinéma espagnol indépendant et parfois déjanté.

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Actualité à suivre sur le site de la manifestation.

Crédit photos Luc Paris

Lorsqu’elle arrive dans la grande salle du Capitole où elle doit recevoir la médaille de la ville de Toulouse à l'occasion de Cinespana, Emma Suarez fait l’impression d’une frêle jeune femme diaphane au sourire irrésistiblement communicatif. En la regardant ainsi, on a du mal à imaginer qu’elle puisse avoir derrière elle une carrière déjà si remplie. Et pourtant...

Née en 1964, Emma Suarez commence à 15 ans devant la caméra de Miguel Angel Rivas pour le film Memorias de Leticia Valle. Suite à cette première expérience, elle entame des études dramatiques qui, dans un premier temps, ne lui permettent pas vraiment de percer. A partir du milieu des années 80, elle multiplie les rôles au cinéma, à la télévision et au théâtre, passant d’un registre à l’autre (historique, dramatique, horrifique…), mais sans réellement convaincre.

Il lui faut attendre 1989 pour décrocher enfin le rôle principal d’un long métrage, La blanca paloma de Juan Minon, rapidement suivi par Contre le vent de Francisco Periñán (1990) et La Vida láctea de Juan Estelrich Jr. (1992), qui sera un temps son époux. Puis commence une fructueuse collaboration avec deux cinéastes qui lui offrent les plus beaux rôles de sa carrière : Julio Medem (Vacas en 1991, L' Ecureuil rouge en 1993, Tierra en 1996) et Pilar Miro (Tu nombre envenena mis sueños et El Perro del hortelano en 1996). Ce film (Le chien du jardinier, en français) lui vaut d’ailleurs le prestigieux Goya de la meilleure actrice.

Forte de cet élan, Emma Suarez tourne avec les plus grands réalisateurs et acteurs espagnols du moment (Felix Viscarret, Mario Camus, Manuel Gutierrez Aragon…) et, malgré une faible reconnaissance internationale (les films d’auteur qu’elle privilégie connaissent une diffusion extrêmement restreinte hors d’Espagne), s’est définitivement imposée comme l’une des actrices espagnoles les plus talentueuses de son époque.

Comme tout festival qui se respecte, Cinespana proposait cette année une jolie sélection de courts métrages où tous les genres étaient représentés, y compris le documentaire. Comme souvent, c’est dans le format court que l’on voit le plus d’audace, d’expérimentation et de recherche esthétique. Plus de souffle aussi.

Les thèmes abordés, eux, sont sensiblement les mêmes que dans le long : la guerre civile est omniprésente, l’humour tient une place importance, la société est passée au crible dans ce qu’elle a de pire et de meilleur (handicap, difficultés économiques, héroïsme, racisme…).

De manière un peu subjective, on a envie de retenir un film parmi la trentaine présentée : Ela Ribeirinha de Pedro M. Vila Taboas, qui se distingue par son image noir et blanc joliment contrastée et sa manière de prendre son temps. On voit d’abord peu de choses : des gestes lents, mesurés, qui semblent caresser un cadre représentant un jeune couple. Puis des cloches dans le lointain, des pas mal assurés. Et une attente et une solitude mises à nu par l’absence de dialogue, de musique.

En moins d’un quart d’heure, avec quasiment aucune parole, Ela Ribeirinha dit presque tout de l’absence et du poids des guerres, des destins brisés et des rêves foudroyés en plein vol. Avec une simplicité déconcertante, il redonne au cinéma le pouvoir d’évocation qui est le sien. Pas forcément annonciateur d’une énième "nouvelle vague du cinéma espagnol", mais preuve que le savoir-faire est toujours-là.

Voilà, les jeux sont faits. Cette 14e édition du festival de cinéma espagnol de Toulouse s’est achevée après dix jours de convivialité joyeuse, de soleil et de découvertes cinématographiques sur un palmarès globalement en phase avec les préférences des festivaliers. Assez logiquement, la Violette d’or du meilleur film récompense Ander de Roberto Caston, un film sobre et élégant racontant une histoire d’amour entre un agriculteur quadragénaire et son employé péruvien. Retorno a Hansala de Chu Gutierrez, l’autre grand favori qui traite de l’immigration clandestine en Espagne, reçoit pour sa part les prix du meilleur scénario et de la meilleure photographie. Les prix d’interprétation vont à Anna Lizaran (Forasters de Ventura Pons), Irene Visedo (Amores locos) de Beda Docampo et Unax Ugalde (La buena nueva d’Helena Taberna). Enfin, c’est El somni de Christophe Farnarier (un très joli portrait de berger pratiquant sa dernière transhumance) qui a reçu le prix du meilleur documentaire.

L’heure est désormais au bilan. Vitrine de tous les cinémas espagnols (fictions, documentaires, longs et courts métrages), Toulouse offre chaque année un instantané de la production ibérique contemporaine. Le cru 2009 a permis une nouvelle fois de constater la vivacité et la variété de cette cinématographie qui, avec environ 170 films produits annuellement, aborde tous les genres et tous les sujets. Le poids de l’histoire, toujours au cœur des préoccupations (et surtout le traumatisme de la guerre civile), n’empêche pas les cinéastes de se pencher sur des questions plus contemporaines, voire plus légères, avec notamment une grosse proportion de comédies romantiques et de réflexion autour du couple. Curieusement, l’autre grande spécificité de l’Espagne (le cinéma de genre) n’était pas tellement représentée à Toulouse cette année. Par contre, la section documentaire a permis de mettre en valeur cette part non négligeable de la cinématographie espagnole (en 2008, environ 50 films sur les 173 produits) où s’expriment toutes les préoccupations propres au pays : le franquisme, la lutte armée, la tauromachie, l’exode politique, le régionalisme…

15% de parts de marché seulement

Un tel dynamisme s’explique sur le papier par une législation avantageuse qui impose des quotas de diffusion en salles du cinéma national ainsi que par différents dispositifs d’aides publiques à la production. Les télévisions sont obligées d’investir 5% de leurs revenus dans le cinéma et depuis la promulgation de la "Ley del Cine", une distinction est faite entre producteurs liés aux chaînes de télévision et producteurs indépendants. Ces derniers sont désormais favorisés par la loi qui redistribue les aides en fonction de critères objectifs. Un dispositif qui pourrait faire rêver certains professionnels français… bien qu’il soit loin d’être la solution miracle. Sur le territoire espagnol, en 2008, le cinéma national obtenait en effet moins de 15% de parts de marché tandis que les films américains se taillaient la part du lion avec plus de 70% des entrées.

L’histoire : Johan Sebastian Bach était un homme modeste. Cantor dans la prestigieuse école de Santo Tomas à Leipzig, il s’est inlassablement tué à la tâche sans en tirer la moindre gloire. Il fallut même attendre les siècles suivants pour que sa musique et son talent soient enfin reconnus. Au travers de reconstitutions, de performances et de reportages, Pere Portabella transforme cette anecdote en réflexion sur la création musicale et l’importance de la musique dans nos sociétés.

Ce qu’on en pense : Deux réactions semblent possibles face à ce film extrêmement aride et ambitieux : soit on adhère inconditionnellement à sa manière éparse et ténue de mettre en perspective le destin de Bach et le mystère de la musique, soit on s’ennuie ferme devant cette succession de saynètes tantôt reconstituées, tantôt réelles, qui ne nous touchent pas vraiment. Sur le principe pourtant, la démarche de Portabella interpelle. On est intéressé comme lui par la discipline absolue nécessaire à l’exercice d’un instrument ou le plaisir presque physique que peut provoquer une mélodie. On s’interroge avec ses personnages (au cours d’une conversation hélas trop brève) sur le pouvoir que peut avoir la musique sur l’esprit et le corps et les proportions que cela a pu prendre par le passé, notamment dans les camps de concentration nazis.

Mais l’absence d’intrigue, ou au moins de ligne directrice, couplée à quelques séquences purement formelles (musique de chambre dans le métro, clavecin solitaire dans un appartement désert…), perd tous ces concepts en route. Le réalisateur a beau faire la démonstration de l’inébranlable supériorité des notes sur la maladresse chronique du langage parlé, il n’en imagine pas moins un film purement intellectuel pour évoquer ce qui est avant tout sensuel et éminemment intime. Au lieu d’une rêverie généreuse autour de l’œuvre du grand musicien, Le silence avant Bach est comme une mystique fermée à laquelle il ne serait pas donné à tout le monde de participer.

 Synopsis : « Tu parles de moi comme d’un vieux truc à vendre. » Pablo, 11 ans, est livré à lui même, entre Pigalle et La Chapelle. Pendant que sa mère boit au comptoir, il passe son temps avec des jeux vidéos. Le soir, tard, ils rentrent dans la chambre d'hôtel. Un jour, sa mère le laisse seul durant un week-end, pour s'amuser avec un de ses "amants". Pablo en profite pour demander à Louis, un voyou recherché par des types qu'il a arnaqué, de le conduire chez son père, quelque part en Espagne.

Notre avis : Cowboy Angels est un blues urbain aux airs de déjà vu qui se mue, doucement, en road movie plus imprévisible. Caméra à l’épaule, Kim Massee, avec ses peu de moyens, bricole un film attachant mais, inévitablement, inabouti. Cinématographiquement, le spectateur sera davantage séduit par les plans larges donnant une atmosphère souvent juste au contexte. Mais elle sait aussi installer quelques instants de grâce dans ce monde brut. Voix éraillées, volutes de fumées, personnages à la marge : Cowboy Angels fuit le glamour et cherche à atteindre un cinéma vérité. Des voyous à la petite semaine, un gamin (Diego Mestanza) en quête du père. Le film prolonge une forme de néoréalisme où  la beauté se doit d’être intérieure.

Hélas, cela frôle parfois avec un cinéma plus amateur, semblant improvisé. L’humanité du cowboy et de l’ange tarde à se faire ressentir, et il faut supporter une forte dose d’acidité avant de se laisser tenter par cette relation agressive, gueularde, méfiante. Les Dardenne ne sont pas loin. Rien n’est zen.

Et peut-on s’intéresser à cette figure du père (Thierry Levaret), bourrée de principes (qu’il s’applique peu), érigeant le fric comme valeur suprême, où le lien qui se tisse avec le gamin est douteuse, rarement sincère, peu ouverte.

Et puis Cowboy Angels manque de piment. La musique et les ralentis n’y font rien. La dramatisation ne fonctionne pas. Certaines séquences, pas assez écrites, tombent à plat, ressemblant davantage à un reportage ou film de vacances. Pour faire vrai. La réalisatrice aurait dû être davantage inspirée par ses grands moments de vide, vertiges plus passionnants. Dès que la fiction et le romanesque s’en mêlent, le film laisse deviner ce qu’il aurait pu être. Le final au commissariat est même la séquence la mieux écrite, la plus intense.

Film de l’impasse – familiale, sociétale, économique – c’est aussi, paradoxalement, un espoir éventuel d’un cinéma à part.