Le Géant égoïste : rencontre avec les deux jeunes révélations du film

Posté par kristofy, le 17 décembre 2013

le géant égoïste Depuis sa présentation à la Quinzaine des réalisateurs, Le géant égoïste a charmé toutes les critiques et les festivaliers. Aux derniers British Independent Film Awards, il était nominé 7 fois. Il avait déjà obtenu le Label Europa Cinémas à Cannes, des prix à Stockholm et aux Hamptons, et en France les prix du meilleur film à Saint-Jean de Luz et Dinard (où il emporta deux autres prix).

C'estd'ailleurs à Dinard qu'Ecran Noir rencontra les deux jeunes comédiens qui portent l'oeuvre de Clio Bernard.

Ecran Noir : Shaun et Conner vous êtes très jeunes, quelles ont été les différentes étapes du casting qui ont fait que vous avez eu le rôle ?
Shaun Thomas:
Dans mon école, un agent de casting est venu pour faire des auditions, il y a eu plusieurs sessions durant lesquelles leur choix faisait réduire le nombre de personnes. Il y eu une audition avec des chevaux et avec des garçons d’une autre école, là j’ai auditionné avec Conner.
Conner Chapman : Il y a eu 4 ou 5 auditions, c’est à la troisième que j’ai rencontré Shaun, et à la fin on a été retenu tout les deux.

EN : Est-ce que la réalisatrice Clio Barnard vous donnait des indications très précises où est-ce qu’elle permettait un peu d’improvisation ?
Conner Chapman :
Il y a certaines scènes où elle nous disait de faire ce qui nous paraissait le plus juste, et sur d’autres scènes c’était plus précis et on devait suivre vraiment ce qu'elle voulait.
Shaun Thomas: Il y a des fois où elle nous consultait en nous demandant comment on pensait que telle chose devait être dite. Et quand on était libre de faire comme on veut, elle corrigeait après tel ou tel détail pour la prise suivante.

EN : On voit dans le film des enfants qui ramasse différentes pièces de métal pour se faire un peu d’argent et en donner à leurs parents pour qu’ils puissent payer l’électricité, qu’est-ce que vous saviez de ce genre de situation ?
Shaun Thomas: Je savais déjà que c’était une réalité. Là où j’ai grandis il y a des gens qui ont du mal à pouvoir payer la nourriture ou l’essence ou l’électricité, et il y a des gens qui récupère de la ferraille pour la revendre.
Conner Chapman : Dans mon quartier je connais quelques personnes qui font ça aussi, mais pas beaucoup, c’est moins répandu.

EN : Qu’est ce que ça vous a fait de vous voir pour la première sur un grand écran dans une salle de cinéma ?
Shaun Thomas:
J’étais très nerveux, j’avais peur de passer pour un idiot dans certaines scènes, mais tout c’est bien passé. Visiblement je m’en suis pas mal sorti.
Conner Chapman : J’avais l’estomac noué pendant une minute, mais après on s’habitue à se voir.

EN : Est-ce qu’on va vous revoir sur un écran après The Selfish Giant ?
Conner Chapman :
Je fais quelques auditions, je suis d’ailleurs allé à une audition la semaine dernière. Je suis dans la série The Mill à la télévision sur Chanel 4 et j’ai eu aussi un petit rôle dans un autre film.
Shaun Thomas: A l’école j’ai un cours de théâtre, ce qui permet de m'exercer. J’ai un agent qui s’occupe de me trouver des rôles, je passe aussi des auditions.

shaun thomas conner chapman

Deauville 2013 : Rencontre avec Lee Daniels et Forest Whitaker (Le Majordome)

Posté par kristofy, le 11 septembre 2013

lee daniels le majordomeC’est le succès surprise de la fin de l’été aux Etats-Unis (100 M$ au box office) et plusieurs nominations aux Oscars sont déjà espérées… Le film Le Majordome a été un des évènements de ce 39ème Festival Américain de Deauville, où il a été présenté en présence du réalisateur Lee Daniels et de Forest Whitaker.

Au service de sept présidents…

Lee Daniels : Il y aura toujours quelqu’un qui trouvera à redire quelque chose pour n’importe quel film, même pour Cendrillon. Il y a eu une remarque à propos de Jane Fonda qui, ayant été opposante à la guerre au Vietnam, n’aurait pas dû être choisie pour jouer l’épouse du président Reagan dans le film : une personne au Texas a considéré cette actrice comme "pas assez patriote" pour interpréter une première dame des Etats-Unis. Un article de ce genre n’est pas forcément une controverse, ce n’est vraiment pas important pour nous. Le film est apprécié autant par ma grand-mère que par le président Obama, c’est ça qui compte.
Le film est en tête du box-office en Amérique du nord depuis plusieurs semaines avec, d'après ce qu'on dit un public de spectateurs majoritairement blancs. Mais dans les faits le public est très varié et rassemble toute sorte de gens aussi bien noirs que blancs ou asiatiques ou gays comme pour beaucoup d’autres films.
Le succès du film vient du fait qu’il va un peu au-delà de l’Histoire américaine, c’est aussi plus largement une question humaine universelle. Une réplique dit "N’importe quel blanc peut tuer n’importe quel noir et ne pas être condamné" et on espère que ceci est derrière nous. Ces gens dans le bus qui sont brutalisés pour la couleur de leur peau et ceux qui ont risqué de se prendre une balle pour le droit de vote sont des héros. Cette année est celle du 50ème anniversaire du discours de Martin Luther King. Le chemin parcouru est long, mais il est encore long à parcourir.

…Un casting de stars

Lee Daniels : L’histoire est assez importante et conséquente pour demander à différentes célébrités de participer au film. Mon but est aussi d’amener les gens dans les salles pour voir mon film. Enrôler des stars contribue aussi à mieux faire parler du film. Je connaissais Oprah Winfrey qui était déjà productrice exécutive de Precious mais c’était un peu étrange au début sur le plateau de la diriger comme actrice. Lenny Kravitz et Mariah Carey étaient aussi déjà dans Precious, et John Cusack était dans Paperboy. Pour ceux qui font des apparitions, comme Robin Williams, Alan Rickman et Liev Schreiber, le plus dur a été de faire disparaître leur visage connu derrière les visages des présidents.

Forest Whitaker : Pareil pour moi. Il s’agissait de ça, disparaître derrière le rôle de ce majordome, comprendre ses peurs et être dans la retenue. C’était un processus très différent que d’être dans la peau d’un personnage flamboyant comme celui du Dernier roi d’Ecosse ou du rôle plutôt déprimé de Charlie Parker dans Bird. Chaque rôle a ses propres difficultés, ici il fallait évoluer en âge et en maturité sur plusieurs décennies. Le Majordome raconte autant l’histoire d’un père et de ses fils que celle d’un serviteur à la Maison Blanche, et c’est cela qui est au premier plan, avant les évènements liés aux droits civiques. Le succès au box-office est un cadeau après cette belle expérience de tournage. Je savais que ce film avait le pouvoir de toucher le cœur des gens.

Israël Horovitz va tourner Très Chère Mathilde à Paris

Posté par vincy, le 22 août 2013

L'un des plus grands dramaturges américains revient à la réalisation. Le très francophile Israël Hotovitz tournera à partir d'octobre, à Paris, l'adaptation de sa propre pièce à succès Très chère Mathilde. Lady Maggie Smith incarnera Mathilde. Jane Birkin, Kevin Kline et Dominique Pinon seront aussi au générique.

Horovitz avait écrit une grande partie de son scénario dans le cadre du programme Autumn Stories, une initiative du Fonds Culturel Franco-Américain et de la Commission du Film d'Ile-de-France, qui offre aux scénaristes une résidence à l'Abbaye de Royaumont. Dans un entretien réalisé à cette occasion en 2008, Horovitz imaginait même le tourner avec un réalisateur français, citant Claude Miller, Philippe Le Guay et Agnès Jaoui.

Très chère Mathilde raconte l'histoire d'une octogénaire qui coule des jours paisibles avec sa fille unique, Chloé (Birkin), dans un grand appartement vendu en viager à un riche américain. A la mort de ce dernier, son fils Mathias (Kline), ignorant que le viager court toujours, s'installe chez les deux femmes pour une cohabitation inattendue.

La pièce de théâtre fut récemment interprétée par Line Renaud au Théâtre Marigny. Horovitz a écrit plus de 70 pièces, traduites dans une trentaine de langues. Il avait réalisé son premier film en 2002, 3 Weeks After Paradise, documentaire autobiographique. Il a aussi été scénariste de films comme Des fraises et du sang, prix du jury au Festival de Cannes en 1970, ou Sunshine, prix du meilleur scénario aux European Academy Awards.

Notons par ailleurs que Smith et Birkin se retrouvent pour la troisième fois dans le même film, après Mort sur le Nil (1978) et Meurtre au soleil (1982), deux adaptations d'Agatha Christie.

Sean Ellis (Metro Manila) : du rififi aux Philippines

Posté par vincy, le 17 juillet 2013

sean ellisLors de l'entretien (à paraître ce week-end sur EcranNoir.fr) que nous a accordé Sean Ellis (Cashback, The Broken) à l'occasion de la sortie de l'excellent thriller social Metro Manila, prix du public à Sundance cette année, le cinéaste a avoué que son film de braquage préféré était sans doute Du Rififi chez les hommes, de Jules Dassin (1955). Pas fan particulièrement de ces nombreuses productions où le casse sert de prétexte à un divertissement, il a pourtant réalisé un film qui en reprend tous les codes.

C'est en allant aux Philippines pour les vacances qu'il a en a eu l'idée. Il a assisté en direct à un braquage d'un convoi de fonds en plein Manille. "Les voyages m'inspirent et je recherche toujours d'autres couleurs. Cashback était un film français même s'il ne se déroulait pas en France, et The Broken a des allures de film nordique". De là à émerger l'idée, vite stimulée par l'envie de filmer une histoire de "chantage". "Ce qui fait une grande histoire, ce sont les personnages, particulièrement quand ceux-ci veulent absolument quelque chose. Le public aime ça. Après mes deux premiers films, j'avais besoin de temps [5 ans, ndlr] pour trouver un projet qui m'implique vraiment."

C'est ainsi qu'il s'imagine un polar, avec l'équation à résoudre : "le crime paie ou le crime ne paie pas? La solution était inhérente au personnage principal, Oscar, un paysan, intègre et digne. Il ne faut pas que le public soit floué ni trahir l'intention de départ" nous confie-t-il.

Autoproduit, le film s'est adapté à son environnement. "Les permis n'ont pas été facile à décrocher : pour la scène où Oscar va chercher l'argent dans la banque, il a fallu la tourner en caméra cachée, en une prise. Et puis la météo n'aidait pas, avec la chaleur tropicale. A partir de ces obstacles, j'ai essayé de les contourner en m'adaptant à l'esthétique locale. Je ne voulais pas faire un thriller "international" comme Jason Bourne. J'ai toujours évoqué Metro Manila comme un petit film philippin, avec un budget de film asiatique."

Ellis avoue même avoir du réécrire son scénario au fil des trois semaines de pré-production pour gommer les incohérences. "Je cherchais une certaine authenticité. Par exemple, j'ai découvert qu'il n'y avait pas de train entre la province d'où venait la famille et Manille. Il y a 16 heures de route! Mais comme on m'avait dit que c'était la plus belle région du pays, j'en ai fait un élément crucial pour le film : l'exode est dur et long et il traduit leur désespoir." De nombreux éléments du scénario ont ainsi été modifiés, adaptés. Jusqu'à ce récit inséré dans le film où un jeune homme, acculé par le manque d'argent, braque les passagers d'un avion, en vol, et saute en parachute avec son butin : "C'est une histoire vraie qu'on m'a raconté là bas. J'ai "googelisé" et j'ai pu vérifier l'aspect absurde de ce fait divers : je ne pouvais pas ne pas le filmer."

Saint-Jean de Luz 2012 : trois questions à Audrey Fleurot

Posté par redaction, le 21 octobre 2012

La présidente du jury du Festival international des jeunes réalisateurs de Saint Jean de Luz, comédienne notamment remarquée pour son rôle de la dame du lac dans la série Kaamelot ou aux côtés d’Omar Sy dans Intouchables, a profité de quelques minutes entre deux projections pour nous confier ses impressions sur la manifestation et son expérience de jurée.

Ecran Noir : C’est votre première venue au festival ?
Audrey Fleurot : En effet, et aussi ma première participation à un jury. J’étais à la fois flattée et stressée ; c’est une grosse responsabilité mais aussi l’opportunité de réfléchir sur le cinéma, de se confronter aux points de vue des autres au sein d’une superbe équipe. Personnellement, quand je vais au cinéma voir un film, j’ai envie d’en parler, que le bouche à oreille marche car ça va tellement vite maintenant. Là, ça nous permet à une plus grande échelle de vraiment donner sa chance à un réalisateur ou un film.

EN : Vous appréhendiez donc votre rôle de présidente de jury ?
AF : Oui, car je ne l’avais jamais fait et je trouve ça compliqué dans la mesure où on a de l’empathie pour tous les films, on sait la difficulté que c’est de montrer son premier travail. Nous avons d’ailleurs décidé d’un commun accord avec les autres membres du jury de ne pas discuter avec les autres des délibérations, de rester vierges de toute l’histoire du film, des difficultés pour le monter, etc. On voulait voir le film indépendamment des secrets de fabrication.

EN : Vous ne vouliez pas être influencés...
AF : Exactement, car on connait la difficulté du travail autour du film. Nous avons vu beaucoup de films de qualité, et il n’y a pas 50 prix. Ce qui est super, c’est que l’on n’est pas tous d’accord. On s’était très bien entendu au sein du jury. Pour ma part j’avais peur de devoir mettre au point une méthode, je ne savais pas trop comment m’y prendre. J’ai proposé qu’on débriefe après chaque film, je ne voulais pas qu’on attende la fin du festival pour se remettre tous les films en mémoire, puisqu’on en voit quand même trois par jour. Tout le monde ne défendait pas les mêmes choses, et en même temps cela s’est fait de façon très démocratique. C’est un grand débat, car c’est ça qui m’intéressait. J’espérais d’une certaine manière qu’on ne soit pas forcément d’accord. Ce sont toujours des points de vue intelligents, et l’occasion de voir des choses qu’on n’avait pas forcément vu jusqu’ici. C’était une expérience très agréable.

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Propos recueillis par Yanne Yager

Saint-Jean de Luz 2012 : trois questions à Patrick Ridremont (Dead Man Talking)

Posté par redaction, le 20 octobre 2012

Après avoir totalement bluffé le public du Festival des jeunes réalisateurs de Saint-Jean-de-Luz la veille de notre entretien, Patrick Ridremont nous a raconté le laborieux travail qu’a été Dead Man Talking, son premier long métrage en compétition, qui a reçu le prix du public . L'acteur et réalisateur belge, encore fatigué de la soirée, a pourtant trouvé le moyen d’égayer avec finesse et humour décalé cet échange convivial.

Ecran Noir : C’est votre première venue au festival et aussi votre premier long métrage. Anxieux ?
Patrick Ridremont : Oui ! Hier c’était la première fois que le film était confronté à un public français, alors que le film est déjà sorti en Belgique. Mon humour, mon second degré, ma cruauté correspondent à quelque chose que les belges connaissent. Mais le côté un peu plus anglo-saxon qu’il y a dans le film, le décalage, je ne savais pas si le public français allait être réceptif. C’est un public un peu plus pointu sur certaines choses. Donc il y avait en effet une grosse angoisse, mais aujourd’hui je suis rassuré.

EN : Pour une première expérience sur grand écran, pourquoi avoir choisi ce sujet [NDLR : le récit d'un condamné à mort avant son exécution] ?
PR : Par mon métier de comédien, je me pose beaucoup de question sur cette chose bizarre qui pousse quelqu’un à vouloir rentrer dans la lumière et plaire aux gens. Je vis dans mon fond de commerce. Et sans vouloir en faire une question de métaphysique, ça peut créer des angoisses, en tout cas des questions existentielles chez moi. Et partant de là, je m’interroge aussi sur la vie de tout le monde. Je suis absolument athée, mais je suis un profond humaniste. C’est très simple : je ne m’interroge pas sur : « y a-t-il une vie après la mort » mais « y a-t-il une vie avant la mort ». Et mon film parle un peu de ça : d’un homme mort-né, de personnes non-existantes. Et il y a des personnes autour de nous qui donnent le sentiment de ne pas vraiment vivre, qui ne vivent pas, et c’est ça qui m’intéressait. C’est une fable existentielle.


EN : On devine très bien votre expérience théâtrale passée dans le film. Cela n’a pas été difficile de départager théâtre et cinéma ?

PR : C’est un travail très compliqué mais il ne faut pas être honteux du théâtre. Personnellement, le cinéma qui m’insupporte le plus, c’est celui qui essaie d’être trop naturel, où le texte se prononce du bout des lèvres. J’aime quand tout est construit, quand les lumières sont étudiées, quand les couleurs sont théâtrales. Je préfère un cinéma qui ressemble plus à un roman graphique qu’à un simple documentaire. Ce qui a été difficile, ça a été de convaincre les autres que je pouvais faire ça, que c’était une bonne idée d’aller dans l’extra-théâtralité. Je n’ai pas eu peur de cette théâtralité, je revendique une certaine forme de représentation. Représenter les choses, au lieu de les montrer, réinventer le temps et le lieu, chose que le théâtre fait tout le temps. Mettre une musique dans un film sur un passage triste, c’est l’extra-théâtralité et ça ne correspond à rien dans la vie : on n’entend pas de musique autour de soi à un enterrement. Il n’y a qu’au cinéma que l’on fait ça, c’est pour ça que je le trouve théâtral. Ce travail a pris douze ans. C’est un travail de longue haleine, un travail terrible. J’ai l’impression d’avoir fait mon requiem, c’est comme un testament. Et si je devais m’arrêter à un film, je serai fier de m’arrêter avec celui-là.

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Propos recueillis par Yanne Yager

Saint-Jean de Luz 2012 : trois questions à Thierry Neuvic

Posté par redaction, le 19 octobre 2012

Après avoir tourné avec Clint Eastwood (Au-delà) et Guy Ritchie (Sherlock Holmes : jeux d'ombre), le comédien Thierry Neuvic est annoncé dans le projet d'adaptation de la bande dessinée Tanguy et Laverdure (dans le rôle de Tanguy). Actualité chargée pour le comédien qui avait malgré tout pris le temps de venir au Festival international des Jeunes réalisateurs de Saint-Jean de Luz pour participer au jury présidé par Audrey Fleurot. L'occasion pour une rencontre informelle sur une terrasse ensoleillée, quelques heures seulement avant la cérémonie de clôture et l'annonce du palmarès...

EN : Comment avez-vous réagi lorsque l’on vous a demandé d’être membre du jury ? Aviez-vous des craintes, des appréhensions ?
Thierry Neuvic : J’ai un peu hésité, car je trouve toujours difficile de porter un regard sur le film des autres. C’est quelque chose de subjectif. Et ça pouvait aussi être intéressant de regarder ces films avec un groupe de gens qui font ce métier-là, qui ont un regard plus aiguisé sur les choses. Même si c’était un exercice difficile, je ne l’avais jamais fait et toute expérience est bonne. Une appréhension ? Ne pas pouvoir expliquer ce que l’on a pensé ou vu, de ne pas avoir les arguments qu’il faut. Mais il n’y a pas vraiment de crainte. La vraie crainte, c’est d’affronter les réalisateurs ou les acteurs qui lorsqu’ils figurent dans un film sont demandeurs d’un avis. C’est une position qui n’était pas évidente, mais tout s’est finalement bien passé.

EN : Quelles sont vos impressions sur le festival ?
TN : Je ne connaissais pas ce festival ni cette région, et j’ai toujours fortement appréhendé la foule, lors de festival plus lourds, où règne une certaine hystérie. Ici j’étais ravi, c’est un festival à taille humaine, familial, où les films en compétition restent le seul enjeu. De plus j’aime beaucoup cette région, on y ressent une certaine nostalgie et un climat très amical. Je pense que tous les festivals devraient ressembler à celui-là.

EN : Par rapport à la thématique du festival, et de ses jeunes réalisateurs, qu’est-ce qui vous attire dans ce nouveau cinéma, aussi bien français qu’étranger ?
TN : Il y a eu pas mal de films légers, contrairement aux films plutôt dramatiques livrés habituellement. « Jeunes réalisateurs » ne veut donc pas forcément dire « drame ». Pourtant ça connote quelque chose, si toute une génération est autant ancrée dans le drame, c’est que ça dépeint un univers en particulier.  Il y a un constat du monde qui n’est pas très coloré. C’est cela que les films représentent, et c’est bien que ce soit exprimé, car ça dénote un peu l’humeur des temps.

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Propos recueillis par Yanne Yager

Dinard 2012 : Rencontre avec les deux acteurs de Good Vibrations, primé pour son scénario

Posté par kristofy, le 7 octobre 2012

Avec le film ill Manors de Ben Drew, l’autre sensation de la compétition du 23e Festival du film britannique de Dinard s'appelle Good Vibrations, second film du duo Glenn Leyburn et Lisa Barros D’Sa, qui a reçu le prix du scénario hier soir. On se retrouve dans le trouble des années 70 à Belfast : beaucoup d’irlandais auparavant gauchistes ou pacifiques prennent alors les armes pour se faire la guerre. Un homme avec peu d’argent et beaucoup de motivations décident d’ouvrir un magasin de disques sur l’avenue la plus bombardée de la ville, il veut faire partager son amour pour la musique et en particulier la country, le folk, et le reggae. Mais la révélation viendra avec le punk. Il veut vendre le disque d'un groupe local qu'il apprécie mais le groupe n’en n’a jamais enregistré… Cet homme va lui-même les emmener dans un studio et produire leur enregistrement : "il faut que tout le monde les entendent ! "

Vrai-faux biopic

Good Vibrations est presque un biopic ; son histoire est inspirée par Terri Hooley qui a contribué à faire émerger et se développer le mouvement punk à Belfast : depuis son magasin  il a ensuite fait enregistrer plusieurs groupes pour démarcher des maisons de disques qui rejettaient le punk. Du coup, il les distribuait lui-même, avec un van,organisait des concerts où quasiment personne ne venait... au début. Guidé par sa passion Terri Hooley va en même temps accumuler des dettes et risquer de mettre en péril son mariage. Pour cet idéaliste "les punks ne sont pas le problème, ils sont la solution ". L’époque change et le mouvement punk commence à s’étendre, un jour le dj-star de la radio BBC John Peel va passer à l’antenne un de ses disques et la gloire commence à arriver…Terri Hooley a fait connaître le punk nord irlandais avec Rudi, The Outcasts, The Undertones

Sur le thème de la musique adoucit les mœurs, ici le punk résonne comme un mouvement alternatif à la guerre. Le film parvient subtilement à doser humour et séquence musicale, et surtout, il délivre une énergie communicative digne des meilleurs feel-good movies.

Entretien avec Richard Dormer et Jodie Whittaker

Les deux acteurs principaux sont venus à Dinard, Richard Dormer et la craquante Jodie Whittaker (déjà connue par Attack the block) ; l’occasion de les rencontrer en tête à tête :

Ecran Noir : Jouer le le rôle d’une légende vivante comme Terri Hooley n'est-ce pas plus difficile?

Richard Dormer : Dans un certain sens, c’est plus facile en fait, car après l’avoir vu, ça donne la direction vers laquelle aller, on peut lui parler. La rencontre avec d’autres gens qui l’ont connu apporte aussi d’autres éléments sur sa façon de se comporter. J’avais une vue d’ensemble de l’homme qui était Terri Hooley, je ne partais pas de rien pour devenir lui à l’écran. C’est intéressant de s’approprier certains gestes et certaines intonations de voix tout en y apportant mon expérience de comédien.

Jodie Whittaker : Moi comme je joue sa femme, c’était aussi plus facile. Même si elle a une place très importante dans la vie de Terri Hooley, ce n’est pas cette personne qui est le sujet du film. Le scénario était vraiment fantastique parce qu'il donnait déjà des indices sur l’énergie de cette femme sur plusieurs traits de son caractère. J’ai pu proposer beaucoup de choses, j’avais plus de liberté par rapport à la façon de jouer ce personnage.

EN : Une réplique dit que "à New-York ils ont les coiffures, à Londres ils ont les pantalons, mais c’est Belfast qui est vraiment punk", Good Vibrations c’est LE film sur le mouvement punk ?

Richard Dormer : Oh certainement oui ! Mais c’est vrai qu’on n’a pas vu beaucoup de films sur ce thème. Est-ce qu’il existe d’autres films punk ?

Jodie Whittaker : Il y a Sid et Nancy, mais c’est à peu près tout.

Richard Dormer : Gary Oldman est très bon d’ailleurs en Sid Vicious.

Jodie Whittaker : D’une certaine façon Sid et Nancy c’est plus sur leur relation entre eux deux comme couple, mais ce n’est peut-être pas vraiment un film sur le punk d’ailleurs.

EN : Good Vibrations montre l’émergence du punk dans un contexte de réaction à la guerre civile en Irlande entre catholiques et protestants, et peu à peu on oublie presque cette guerre pour suivre que la musique…

Richard Dormer : Tout à fait, ça commence avec la guerre entre irlandais, mais le réalisateur ne voulait pas s’appesantir dessus. Ces combats entre ceux du nord et ceux du sud ont duré plusieurs dizaines d’années, c’est devenu malheureusement comme un cadre de vie. La guerre civile n’est pas vue comme quelque chose qui détruit la vie des gens même si on voit que ça les perturbe, les gens vivaient avec ça. Et il y a eu des jeunes pour dire "Non", ces jeunes qui malgré la guerre ont voulu suivre leurs rêves et faire ce qu’ils avaient envie de faire. Ne pas laisser la guerre t’arrêter et fais ce que tu veux, c’est cet esprit qui anime Terri Hooley toute sa vie et aussi ces jeunes groupes de punk-rock. Ces jeunes voulaient jouer leur musique et Terri Hooley voulait que tout le monde les écoute.

EN : Ici à Dinard il y a beaucoup de films où la musique est très présente, le punk dans Good Vibrations, le rap dans ill Manors, beaucoup de David Bowie dans Hunky Dory, la musique devient un élément de plus en plus important dans l’histoire racontée ?

Richard Dormer : Je ne sais pas si c’est un genre de tendance, mais si c’est le cas, on ne l’a pas du tout suivie. Le film Good Vibrations était en développement depuis quasiment dix ans. C’est juste une coïncidence je pense.

EN : Le slogan "punk is not dead" est encore d’actualité aujourd’hui ?

Richard Dormer : Si on voit le punk comme une autre manière de penser, c’est presque révolutionnaire. Le punk c’est remettre les choses établies en question, à la fois l’autorité et l’hypocrisie, c’est une affirmation de liberté.

Jodie Whittaker : Lui il est punk !

EN : Dans votre playlist quels sont vos cinq musiciens préférés ?

Jodie Whittaker : alors d’abord en n°1 Coldplay, je suis fan de Coldplay, n°2 Arcade Fire, n°3 The Tallest man on Earth, ils sont fabuleux, n°4 The White Buffalo, et en n°5 peut-être James Taylor ?

Richard Dormer : James Taylor ? vraiment ?

Jodie Whittaker : et toi ?

Richard Dormer : J’aime Coldplay aussi, Tom Waits, Cat Stevens, Snow Patrol, d’ailleurs trois des membres du groupe sont co-producteurs de ce film Good Vibrations, et voyons…

Jodie Whittaker : Rihanna !

Richard Dormer : hahaha, voyons, j’ai dit Tom Waits déjà…

Jodie Whittaker : Elliott Smith ? Elbow ?

Richard Dormer : oui, Elbow ! On a beaucoup écouté Elbow sur le tournage de ce film, ils sont très populaires en Angleterre.

EN : Good Vibrations n’a pas encore de distributeur en France, il sort quand en Angleterre ?

Jodie Whittaker : Chez nous la sortie est prévue pour janvier 2013, peut-être qu’il faudra encore attendre pour la France. Le film tourne pour le moment dans différents festivals comme ici à Dinard, celui de Belfast, celui de Karlovy-Vary, il sera au festival de Londres dans deux semaines.

Richard Dormer : Pour l’instant on a que de bons échos de ceux qui l’ont vu, il y a une good vibe avec Good Vibrations !

Philippe Falardeau évoque ses différents projets

Posté par vincy, le 6 septembre 2012

Monsieur Lazhar à peine sorti en France (9 400 spectateurs en France pour son premier jour), Philippe Falardeau se consacre, entre deux promos, à ces projets. Dans un entretien à Ecran Noir, le cinéaste québécois en évoque deux. Le premier est américain, "autour de réfugiés soudanais." Une histoire avec "des enfants de 10 ans qui perdent leurs parents. Ils doivent marcher 1500 kilomètres pour se rendre jusqu’au nord du Kenya. Et 10 ans plus tard, ils vont émigrer aux USA."

Il en lit d'autres, "dont l’un émanant de la société de production de George Clooney."

S'il est prêt à accepter un scénario qui n'est pas de lui, c'est parce que le sein n'est pas prêt. Souverain est "une comédie politique qui me pose beaucoup de problèmes." Mais "je me rends compte que je suis pris dans une dimension trop « locale », trop québécoise" nous explique-t-il. "J’essaie donc de réécrire ce scénario pour que ce soit intéressant pour quiconque vit dans une démocratie. Comme j’ai beaucoup voyagé, je n’arrive pas à réaliser une comédie juste pour le marché québécois. Il faut que ce soit accessible pour d’autres publics."

Il trouve aussi le budget prévisionnel trop élevé dans un contexte de crise : le cinéma québécois après deux belles années, a connu un premier semestre désastreux.

Enfin il a acquis les droits de la nouvelle de Ryszard Kapuscinski, La Guerre du foot et autres guerres et aventures (1978), qui retrace un conflit entre le Salvador et l'Honduras (5 000 morts) en 1969.

Madame Solario va illuminer les Toiles du Sud

Posté par vincy, le 14 août 2012

A quelques jours de la clôture du Festival du Rocher de Cotignac, Les Toiles du Sud, René Ferret, producteur, réalisateur et distributeur, invité de la manifestation, va présenter Madame Solario, qui sera dans les salles le 22 août prochain.

Les Toiles du Sud séduisent chaque année plus de 2300 spectateurs depuis 2007. Cette année, les festivaliers ont pu découvrir en avant-première The Dark Knight Rises et Rebelles, redécouvrir La nuit du Chasseur ou Le Schpountz. La manifestation s'achève avec deux avant-premières de films d'auteurs. Monsieur Lazhar en clôture, film sensible et juste sur les déboires d'un enseignant immigré qu Québec. Et Madame Solario ce mardi 14 août, en présence du réalisateur René Ferret et de l'acteur Cyril Descourts.

Madame Solario est l'adaptation du roman culte de Gladys Huntington. "Une femme ayant voulu l’anonymat mais aussi tentée par la célébrité. Une femme à laquelle les lauriers amers de la consécration littéraire ont été refusés au dernier moment, et qui décidera alors de ne plus vivre" écrivait Libération il y a trois ans.

Le film se déroule sur les bords du Lac de Côme en septembre 1906. Des aristocrates en villégiature se retrouvent dans un hôtel de luxe et vont devoir accueillir dans leur petite communauté, Natalia, Madame Solario. Jeune et belle mais néanmoins ruinée et divorcée, elle va être surprise par l’arrivée à l’improviste de son frère, Eugène Ardent, qu’elle n’a pas vu depuis des années. Le frère et la sœur ne tardent pas à prendre conscience de l’ascendant qu’ils provoquent sur les personnages fortunés de ce petit monde. Ils tentent alors d’en séduire certains avec l’objectif d’asseoir leur situation. Mais leur lourd passé les rattrape et crée le scandale...

Nous avons posé quelques question au réalisateur, avant l'avant-première de son film,. René Ferret

Ecran Noir : Madame Solario évoque l'inceste mais aussi la gémellité. Pourquoi ce sujet vous intéresse-t-il?
René Ferret : Je suis intéressé par ce thème en littérature depuis des années. Je pense à "L'Elu de Thomas Mann", à  "Dommage qu'elle soit une putain", à "Anna Soror" de Yourcenar. C'est d'ailleurs les notes de Yourcenar qui m'ont alerté sur "Madame Solario". J'ai lu le roman il y a deux ans et j'ai soudain décidé de faire le film. Ce qui me plaît ici, c'est d'inscrire cette histoire dans une époque et un milieu déterminé.

Ecran Noir : Assez rare au cinéma, le sujet est toujours tabou dans la société… Est-ce davantage la marginalité de cette forme de couple ou ou contraire l'amour du/en secret qui peut être le moteur de cette envie de traiter ce sujet?
René Ferret : Ce n'est pas une histoire d'amour idéale, ce n'est pas une fuite vers un amour fusionnel et extraordinaire. On a affaire à deux êtres traumatisés, l'une séduite par son beau-père à l'âge de 16 ans, l'autre écarté à jamais à cause de la tentative d'assassinat sur son beau-père. Le frère et la soeur se retrouvent après des années, et sous l'initiative du frère, tentent de séduire les riches aristocrates du lac de Côme mais leur fuite en avant, les porte l'un vers l'autre dans un amour interdit, qui leur arrive comme à leur insu.

Ecran Noir : Comment avez-vous adapté le roman de Gladys Huntington? Avez-vous été obligé de le trahir?
René Ferret : J'ai beaucoup allégé le roman. Mais je ne l'ai pas trahi. J'ai repris tous les personnages. J'ai respecté les circonstances. J'ai seulement rajeuni Madame Solario, remplaçant sa beauté fatale en  jeunesse traumatisée.

Ecran Noir : Avez vous connu des difficultés pour financer le film? Je crois que vous n'avez pas été soutenu par une chaîne de télévision hertzienne? Cela signifie-t-il qu'un certain cinéma n'est pas "acceptable" en France dans ce système?
René Ferret : J'ai eu la chance quand même de renouer avec avec un pré-achat de Canal Plus, ce qui a été déterminant pour le film. La région Ile-de-France m'a aidé également pour un troisième film consécutif. Les chaînes hertziennes de télévision sont bien plus difficiles à obtenir pour un cinéma moins inscrit dans les conventions ou les genres.

Ecran Noir : A propos des comédiens, quels ont été vos critères de sélection?
René Ferret : Je choisis surtout mes comédiens en fonction des rôles à pourvoir. J'aime les acteurs modestes et habités qui savent s'inscrire dans un projet et qui n'imposent ni leur nom ni leur soi-disant savoir-faire. Il n'y a pas de recette pour le jeu. A chaque fois, l'acteur doit entrer dans un univers particulier dont seul le réalisateur à la clé. Si l'acteur saisit cette clé, qu'il la fait sienne, il peut exceller. J'ai finalement choisi ma fille Marie pour le rôle de Madame Solario et Cyril Descours (qui sera là à Cotignac) pour le rôle du frère. J'ai mis assez longtemps à choisir l'une et à trouver l'un mais ils ont tous les deux accepté de rentrer dans le jeu. Salomé Stévenin s'est amusée elle aussi à accepter un rôle qui n'était pas forcément évident pour elle au départ.

Ecran Noir : Quelle importance peut avoir une présentation dans un Festival ouvert au public?
René Ferret : C'est toujours touchant et significatif (et un peu angoissant) de présenter le film devant un public pour la quasi première fois. Je suis content que ça tombe sur Cotignac qui va bien faire ressortir l'atmosphère particulière du lac de Côme.