Cannes 2015: L’affiche accompagne l’hommage à Ingrid Bergman

Posté par vincy, le 23 mars 2015

Blanche et épurée. La 68e édition du Festival de Cannes (13-24 mai 2015) rend hommage à Ingrid Bergman en la choisissant comme égérie de l'année. Déjà pour sa 46e édition, Ingrid Bergman avait été affichée embrassant Cary Grant (Les enchaînés d'Alfred Hitchcock). Par ailleurs, Ingrid Bergman, In Her Own Words?, un documentaire signé Stig Björkman (auteur de livres et documentaires sur Woody Allen et Ingmar Bergman) sera projeté dans le cadre de Cannes Classics. Ensuite, "le Festival de Cannes s’associera au « Ingrid Bergman Tribute » qu’Isabella Rossellini, pour célébrer le centenaire de la naissance de sa mère, organisera en septembre prochain. Il s’agit d’un spectacle, mis en scène par Guido Torlonia et Ludovica Damiani, qui mêlera son autobiographie et les lettres de sa correspondance avec Roberto Rossellini. Il sera présenté dans les cinq villes qui ont compté dans la vie d'Ingrid Bergman : Stockholm, Rome, Paris, Londres et New York, et rassemblera sur scène, outre Isabella Rossellini, Jeremy Irons, Fanny Ardant, Christian de Sica et plusieurs autres comédiens. L’ensemble du spectacle sera annoncé lors du prochain Festival."

"Icone moderne, femme libre, actrice audacieuse, Ingrid Bergman fut à la fois star hollywoodienne et figure du néoréalisme, changeant de rôles et de pays d’adoption au gré de ses passions, sans jamais perdre ce qu’elle avait de grâce et de simplicité" explique le communiqué du festival. "Sur l’affiche, l’actrice d’Alfred Hitchcock, de Roberto Rossellini et d’Ingmar Bergman, qui a donné la réplique à Cary Grant, Humphrey Bogart ou encore Gregory Peck, se dévoile dans l’évidence de sa beauté, offrant un visage serein qui semble tourné vers un horizon de promesses."

Trois fois oscarisée, Ingrid Bergman, fut Présidente du Jury cannois en 1973. "Ma famille et moi-même sommes très touchés que le Festival de Cannes ait choisi notre merveilleuse mère pour figurer sur l’affiche officielle, l’année du centenaire de sa naissance", déclare Isabella Rossellini. "Son exceptionnel parcours a couvert tant de pays, des petites productions artisanales européennes aux grandes machines hollywoodiennes. Maman adorait son métier d’actrice : pour elle, jouer la comédie n’était pas une profession mais une vocation. Elle disait : “Je n’ai pas choisi de jouer, c’est le jeu qui m’a choisie.” "

"A partir d’une photographie de David Seymour, cofondateur de l’agence Magnum, Hervé Chigioni, déjà auteur de l’affiche remarquée de l’année dernière, signe la nouvelle image du Festival 2015 avec son graphiste Gilles Frappier" précise le Festival.

Le documentariste Albert Maysles pose sa caméra (1926-2015)

Posté par vincy, le 7 mars 2015

Né le 26 novembre 1926, le documentariste Albert Maysles s'est éteint le 5 mars à l'âge de 88 ans. Psychologue de formation et de métier, il est l'auteur d'une trentaine de documentaires et à l'origine d'un style, le "cinéma direct". A 29 ans, il s'en va en vacances en Union soviétique, en pleine Guerre froide, et filme les hôpitaux psychiatriques du pays grâce à une caméra de la chaîne CBS. Ce sera son premier film, Psychiatrie en Russie (Psychiatry in Russia). Deux ans plus tard, c'est la jeunesse polonaise qui l'intéressera.

Avec Richard Leacock et D.A. Pennbaker, ils réalisent Primary en 1960, considéré comme le premier film de cinéma direct: ils sont munis de caméras mobiles et filment le débat entre deux candidats démocrates lors des primaires de leur parti, dont le futur vainqueur de l'élection présidentielle, John F. Kennedy. Pas de point de vue, pas de commentaires, pas de préjugés, pas même un angle éditorial ou une interview. La prise de "vie" directe.

Suivent d'autres films, des courts métrages documentaires (sur Marlon Brando, Orson Welles, Truman Capote) ou des docus pour la télévision. Entre ces nombreuses réalisations, avec son frère, on remarque quelques longs métrages comme Showman (avec Sophia Loren) en 1963, Salesman en 1968, sur des vendeurs de bibles dans une Amérique pauvre et à l'écart de l'American Dream, et Gimme Shelter en 1970, où il suit les Rolling Stones en tournée (il avait filmé Les Beatles pour la TV six ans plus tôt), révélant un groupe qui ne comprend pas sa notoriété et qui va devoir affronter la mort de spectateurs lors du concert au Festival d'Altamont. Sa caméra était toujours flottante, curieuse.

Grey Gardens en 1975 (sur deux cousines excentriques et vivant recluses de Jacqueline Kennedy Onassis), Running Fence en 1977 (sur une installation de Christo et Jeanne-Claude) puis des films sur Vladimir Horowitz, Jessie Norman, Christo, suivront. Outre la musique et l'art contemporain (Jeff Koons ou la décoratrice Iris Apfel), la boxe le passionne. Il fut le chef op du documentaire When We Were Kings, oscarisé en 1997.

Il fut nominé aux Oscars (Christo's Valley Curtain en 1974), aux Directors Guild of American Awards (Soldiers of Music en 1991), aux Independent Spirit Awards (LaLee's Kin: The Legacy of Cotton en 2001), et surtout à Sundance où il remporta même quelques prix: la meilleure image dans la catégorie documentaire pour Christo in Paris (1990) et LaLee's Kin: The Legacy of Cotton (2001).

Berlin 2015: des Teddy Awards très latino-américains

Posté par vincy, le 14 février 2015

nasty baby

Après un film brésilien l'an dernier, les historiques Teddy Awards ont récompensé un cinéaste chilien habitué des festivals. Sebastian Silva revient de la Berlinale avec le plus convoité des prix cinématographique labellisé LGBT. Nasty Baby, qui réunit la vedette américaine Kristen Wiig (Mes meilleures amies, La vie rêvée de Walter Mitty), le réalisateur lui-même et Tunde Adebimpe, est l'histoire d'un artiste homosexuel qui désire obsessionnellement un bébé. Avec son partenaire, il parviennent à convaincre leur meilleure amie d'être la mère porteuse. Mais c'est, évidemment, plus compliqué que ça en a l'air. Le film, présenté dans la sélection Panorama, avait fait son avant-première mondiale à Sundance il y a trois semaines.

Dans la catégorie documentaire, c'est l'uruguayen Aldo Garay qui repart avec le trophée pour son film El Hombre Nuevo (Le nouvel homme). Le film est centré sur Stephania, transsexuelle, né "garçon" au Niracagua, adopté en Uruguay où elle est devenue une femme.

Le Teddy du court-métrage a été décerné à San Cristobal du chilien Omar Zúñiga Hidalgo.

Hormis ces trois Teddy tous latino-américains, le jury a distingué d'un prix spécial Stories of our Lives du kenyan Jim Chuchu, qui a aussi reçu la 2e place du jury Panorama parmi les innombrables prix de la Berlinale.

udo kierEnfin, un Teddy Award d'honneur a été remis à Udo Kier, acteur légendaire du cinéma allemand (et réalisateur d'un seul film). A 70 ans, le comédien  ouvertement homosexuel et aimant se travestir, s'est fait connaître très tôt en mannequin. Proche de Jean Marais (on les a d'ailleurs vus ensemble dans la série Joseph Balsamo), protégé de Rainer Werner Fassbinder, ami fidèle de Lars von Trier, acteur culte de Gus Van Sant, il a cinquante ans de carrière à son actif et une quantité infinie de navets aux titres risibles. Mais on l'a surtout remarqué dans Andy Warhol's Frankenstein (de Paul Morrissey, produit par Vittorio de Sica et Roman Polanski), Histoire d'O, La femme du chef de gare, La troisième génération, Lili Marleen, Lola, Europa, My Own Private Idaho, Ace Ventura, détective pour chiens et chats, Blade, Johnny Mnemonic, Breaking the Waves, The End of Violence (de Wim Wenders), Dancer in the Dark, End of Days (avec Schwarzzy), Dogville, Grindhouse, Soul Kitchen (de Fatih Akin), Melancholia, Nymphomaniac... Enfin, Madonna l'a aussi fait travaillé dans ses clips sulfureux Erotica et Deeper and Deeper en 1992.

Le prix à payer, documentaire implacable qui dénonce les sales affaires de type #Swissleaks

Posté par vincy, le 12 février 2015

le prix à payerChristian Slater, Gad Elmaleh, Helmut Newton, Lisa Azuelos, Joan Collins, John Malkovich... les célébrités ont été sous les feux des projecteurs ces derniers jours mais pas pour leur talent de comédien, de réalisateur ou de photographe de stars. Ils font tous partis des fichiers révélés par Le Monde dans l'affaire d'évasion fiscale organisée par la filiale suisse de la banque HSBC, affaire communément appelée SwissLeaks.

Certains ont régularisé leur situation. Les sommes n'étaient pas non plus énormes. Mais le symbole fait mal et atteint leur image.

Simultanément sur les écrans français on peut découvrir L'Enquête, thriller journalistique et juridique autour de l'affaire Clearstream (qui soupçonnait un blanchiment d'argent aux plus hauts niveaux du pouvoir). Clearstream c'est une affaire politico-juridico-financière des années 2000 Mais c'est toujours d'actualité. La finance, et notamment la crise de 2007/2008, inspire de plus en plus le cinéma (il suffit de revoir Margin Call) et de nombreux projets sont dans les tuyaux.

Mais les documentaristes ne sont pas en reste. Toujours à l'affiche, sorti il y a une semaine, avec succès, Le Prix à payer, réalisé par le canadien Harold Crooks, décrypte le système mondial de la fraude et de l'optimisation fiscale. Un ciel orageux et menaçant sert de fil conducteur à un récit aussi effarant qu'Inside Job l'était sur la crise financière. L'orage est évidemment une métaphore: c'est le risque de voir les démocraties et les modèles socio-démocrates foudroyés par des mécanismes créés par les banques et les entreprises pour éviter de payer l'impôt, s'enrichir et au passage appauvrir les nations et leurs peuples.

Les témoignages se suivent et l'on constate que cette nouvelle aristocratie qui se croit au dessus des Lois et se permet de s'affranchir de ses droits et devoirs n'a pas de morale.

La pédagogie prime (et c'est en cela où il est passionnant) sur le sensationnalisme. C'est rigoureux et implacable. Un peu trop convenu sans doute, un peu trop sérieux peut-être. Pas de caméra cachée, pas de révélation, pas de secrets dévoilés. Juste une démonstration "technique" qui permet de comprendre comment il est facile de frauder en toute impunité. Il permet aussi de saisir à quel point les parlements et les gouvernements sont impuissants face aux géants bancaires ou aux mastodontes pesant des milliards d'euros en bourse comme Apple, Amazon ou Google. Les auditions des cadres de ces groupes devant des parlementaires sont filmées comme des gardes à vue, des interrogatoires où les rares repentis sont devenus des ardents défenseurs de taxe Robin et de justice fiscale.

Tout est affaire de morale: du pasteur au trader en passant par le mouvement Occupy et des conomistes réputés. En guest-star, l'économiste Thomas Piketty. Face à eux, lobbyistes et fatalistes. Le documentaire plaide pour une riposte politique coordonnée, par une taxation des transactions financières et une harmonisation fiscale des Etats.

Harold Crooks tire le signal d'alarme avec animations et images d'archives. Mais le feu s'est déjà propagé.

Marcel Ophüls et Naum Kleiman honorés à Berlin

Posté par vincy, le 27 janvier 2015

berlinale kameraA une semaine du lancement des festivités, le 65e Festival de Berlin révèle encore quelques ingrédients de son menu. Deux Berlinale Camera seront remises.

La première sera décernée le 11 février au réalisateur franco-américain Marcel Ophüls, né à Francfort en 1927. Il a notamment réalisé de nombreux documentaires sur la période de l'Occupation en France et la seconde guerre mondiale (et plus généralement sur les origines du totalitarisme): Le Chagrin et la pitié (1969), The Memory of Justice (1976), Hôtel Terminus: Klaus Barbie, sa vie et son temps (1989, Oscar du meilleur documentaire) ou plus récemment Un Voyageur, film autobiographique (2013)... Il a également réalisé le film Peau de Banane (avec Jeanne Moreau et Jean-Paul Belmondo) et a été assistant réalisateur de son père Max Ophüls (Lola Montès), de Julien Duvivier, de Jean Dréville, John Huston...

La seconde Berlinale Camera récompensera Naum Kleiman le 12 février. Mécène, lecteur, auteur, historien du cinéma, Naum Kleiman, né en Moldavie en 1937, est l'un des plus brillants défenseurs du cinéma russe. Il a co-fondé les Archives d'Eisenstein, créé le musée du cinéma de Moscou, une cinémathèque qui, depuis l'été 2014, connaît de lourds conflits avec les autorités russes. Naum Kleiman en a été licencié, et tout le personnel a décidé de démissionner par solidarité.

Projection exceptionnelle du film Caricaturistes, fantassins de la démocratie, le 11 janvier au Forum des images

Posté par MpM, le 10 janvier 2015

democratieLe forum des images propose ce dimanche 11 janvier la projection exceptionnelle du film Caricaturistes, fantassins de la démocratie au titre particulièrement d'actualité.

Ce documentaire, signé Stéphanie Valloatto, est consacré à 12 caricaturistes internationaux, réunis sous l’égide de l’association Cartooning for Peace. On peut ainsi y voir Plantu et des dessinateurs du monde entier (Mexique, Russie, Tunisie, Palestine...) qui défendent coûte que coûte la démocratie, parfois au péril de leur vie.

Présenté hors compétition au dernier festival de Cannes, ce film indispensable rappelle que la défense de la liberté d'expression est un combat permanent tout autour de la planète et rend d'autant plus universelle la tragédie qui a touché la rédaction de Charlie Hebdo.

La projection, gratuite, est d'ailleurs organisée en soutien au magazine. Elle aura lieu en présence du réalisateur Radu Mihaileanu, co-auteur et producteur du film.

_____________

Caricaturistes, fantassins de la démocratie de Stéphanie Valloatto
Dimanche 11 janvier à 18h30
Forum des images
Entrée libre

Iranien de Mehran Tamadon : l’expérience du vivre ensemble

Posté par MpM, le 6 décembre 2014

iranienDepuis mercredi, on peut voir sur quelques écrans (privilégiés) un drôle d'objet cinématographique qui mêle un concept digne de la téléréalité (faire vivre ensemble sous le regard de la caméra une poignée d'individus qui ne se connaissent pas) à une expérience éminemment sérieuse de confrontation d'idées entre des Iraniens partisans du pouvoir religieux en place et le réalisateur, laïc convaincu qui ne cache pas son athéisme.

Mehran Tamadon, dont on avait beaucoup aimé Bassidji en 2010, récidive donc dans sa tentative de dialoguer avec les tenants de la république islamique, à la recherche d'un dénominateur commun qui rende le vivre ensemble possible. L'idée du cinéaste est de raisonner à partir d'une mini-société à l'échelle d'une maison. Dans les chambres, chacun est libre d'afficher ce qu'il souhaite et d'obéir aux règles qui sont les siennes. Mais le salon, espace commun ouvert à tous, doit être organisé dans le respect mutuel de chacun, en respectant les croyances et la liberté de tous les habitants.

Face à cette société utopique, les dissensions mais aussi les points de compromis possibles apparaissent. Le cinéaste remporte peu de victoires (ses interlocuteurs jouent souvent la mauvaise foi) mais il peut se targuer de fissurer le front de certitudes qui s'opposait au départ à lui. Tout comme lui, les Mollahs consentent à adoucir leur doctrine. L'un accepte qu'une certaine photo (qu'il juge choquante) soit affichée dans le salon, l'autre tolère qu'on écoute des chansons alors qu'elles lui semblent néfastes. Sous l'œil discret de la caméra, un petit miracle se fait, et on aperçoit la possibilité d'une entente, presque d'une fraternité entre ces hommes que tout semblait opposer.

Mais bien sûr, ce ne sont pas cinq hommes dans un salon qui changent une société en 48h, et le film n'essaye jamais de nous le faire croire. On sent pourtant que ce pourrait être un début, un premier pas, une étape dans la compréhension réciproque entre individus qui, au fond, se craignent surtout parce qu'ils n'ont pas l'habitude de se parler.

La meilleure preuve de l'importance symbolique de ce genre d'initiative est d'ailleurs donnée dans l'épilogue d'Iranien, lorsque l'on apprend que le réalisateur s'est vu retirer son passeport, puis menacé, suite au tournage, d'être définitivement interdit de sortie du territoire. En effet, ce genre de rapprochement dérange le pouvoir en place, parce qu'il empêche la diabolisation de l'autre et favorise la fraternisation et la tolérance. C'est dire son importance, et l'absolue nécessité de réaliser, et de soutenir, de tels films.

Le cinéma du Québec débarque à Paris du 21 au 26 novembre

Posté par vincy, le 21 novembre 2014

Le 18e Festival Cinéma du Québec à Paris s'ouvre aujourd'hui au Forum des Images, et se tiendra jusqu'au 26 novembre. Alors que le dernier film de Xavier Dolan a séduit plus d'un million de Français dans les salles, en plus de recevoir un prix du Jury à Cannes en mai, c'est l'occasion de découvrir d'autres facettes d'un cinéma résistant à l'envahisseur anglo-saxon.
Carole Laure en est la présidente d'honneur et viendra présenter en ouverture son nouveau film, Love Project. la clôture sera assurée par Denys Arcand, avec son nouveau long métrage présenté en avant-première, Le règne de la beauté.

Outre les films, Cinéma du Québec à Paris proposera une Leçon de musique avec Lewis Furey, compositeur, metteur en scène et réalisateur, des Rencontres de Coproduction francophones, dont c'est la 11è édition et une soirée de lectures et d'échanges, "Engagement" autour du poète Gaston Miron, qui fait l'objet d'un documentaire passionnant sur son oeuvre poétique et son engagement politique.

Le festival a sélectionné des fictions et des documentaires (par ordre chronologique des projections).

Qu'est-ce qu'on fait ici? de Julie Hivon qui confronte une bande d'amis à un décès brutal d'un des leurs.

La petite reine d'Alexis Durant-Brault, gros succès dans la belle province qui raconte l'histoire d'une vedette du cyclisme qui doit affronter un scandale de dopage.

Québékoisie de Mélanie Carrier & Olivier Higgins, documentaire sur une réserve amérindienne et les habitants de la Côte-nord du Québec.

Rythmes for Young Ghouls de Jeff Barnaby, qui nous immerge dans le quotidien d'une communauté amérindienne sur fond de thriller et de trafic de marijuana.

Félix et Meira de Maxime Girous, autre joli succès en salles qui fait rencontrer un célibataire excentrique et une jeune maman de la communauté hassidique.

La gang des hors-la-loi de Jean Beaudry, film pour les enfants, avec un jeune héros de douze ans passionné de baseball.

Appel à l'anxiété générale! d'Hélène Klodawsky, documentaire sur deux membres du Thee Silver Mt. Zion Memorial orchestra.

1987 de Ricardo Trogi, où le titre correspond à une année cruciale de l'adolescent Ricardo qui veut perdre sa virginité, entrer dans les bars, avoir une voiture et se faire de l'argent rapidement.

Tu dors Nicole de Stéphane Lafleur, où deux amies en vacances sont perturbées par l'arrivée d'un groupe de musicien, conduisant à l'insomnie du personnage principal.

Alex marche à l'amour de Dominic Lelcerc, documentaire visitant le Nord québécois à 4 km/h, accompagné d'un poème de Gaston Miron.

Miron: Un homme revenue d'en dehors du monde de Simon Beaulieu, documentaire composé d'images d'archives sur le Québec d'autrefois sur le poète Gaston Miron.

Jésus de Montréal de Denys Arcand, prix du Jury à Cannes en 1989 et prix Génie du meilleur film canadien en 1990.

Le règne de la beauté, premier long métrage de Denys Arcand depuis 2007, où un homme qui vit une vie de rêve s'aventure dans une liaison adultère tandis que sa femme, malade, veut se suicider.

Steak (R)évolution: un documentaire cuit à point

Posté par vincy, le 5 novembre 2014

steak (r-evolution franck ribiere

Synopsis: Steak (R)évolution parcourt le monde à la découverte d'éleveurs, de bouchers et de chefs passionnés. Loin des élevages intensifs et des rendements industriels, une révolution est déjà en marche ; la bonne viande rouge devient un produit d'exception, voire de luxe. Mais où se trouve le meilleur steak du monde ?
Franck Ribière et son boucher favori, Yves-Marie Le Bourdonnec, partent rencontrer les nouveaux protagonistes de la filière, généreux, attachants et écologistes, pour essayer de comprendre ce qu'est une bonne viande. Les nouveaux enjeux du marché ne sont pas toujours là où on les attend.
Steak (R)évolution est un film gourmand et politiquement incorrect sur la viande "haute couture".

Notre avis: Avec Steak (r)évolution, Franck Ribière signe un documentaire sur la viande. Le film n'est pas là pour nous faire devenir végétarien puisqu'il valorise la bonne viande. De même, ce n'est pas un calvaire à regarder pour ces mêmes végétariens puisqu'il ne s'agit pas d'un brûlot critique contre le steak.

Franck Ribière signe plutôt un hymne à la bonne bouffe, à opposer à cette malbouffe qui nous fait oublier le goût et les saveurs. Il n'est pas non plus béat devant le produit en soulignant bien que l'abus de viande nuit à la santé.

Le propos de Steak (r)évolution est ailleurs. D'Argentine au Brésil, d'Espagne en Corse, des Îles britanniques aux Etats-Unis, du Japon au Québec, il fait le tour du monde des Chefs, bouchers, éleveurs: toutes ces personnes qui sont en contact avec le boeuf. Véritable cours scientifique sur les différentes races (passionnant), c'est avant tout un cri d'amour pour des "artisans". Ceux qui perpétuent une tradition (l'élevage non intensif, la qualité du produit final) ou qui élèvent la simple bavette au rang de plat inoubliable. C'est un véritable portrait transfrontalier d'une profession et de sa passion, qui rappelle les documentaires de Jonathan Nossiter (Mondovino). Le boeuf n'est pas le même selon les pays. Il ne se consomme pas de la même manière non plus.

Ce qu'il en ressort compte peu. Si vous êtes carnivore, vous ferez juste attention à la viande que vous achetez. Steak (r)évolution est avant tout une prise de parole, alertant sur les méfaits d'une alimentation industrielle, expliquant la difficulté d'un travail complexe, vantant la prédominance d'un produit quand il est de qualité.

Le réalisateur opère un véritable désossage de la filière, dans son meilleur aspect. Ici, nulle ferme des 1000 vaches, aucun MacDo, pas de Charal. Le documentaire est avant tout sociologique: l'impact d'un aliment dans notre culture, une profession de l'agriculture, un regard sur les usages d'un produit identique qui diffère selon les peuples.

L'évolution a bien eu lieu au fil des siècles. Les races se sont mélangées, elles sont désormais mieux vérifiées. Les morceaux de boeufs conduisent à des variations culinaires infinies. La révolution arrivera sans doute bientôt: l'élevage est nocif pour l'environnement et le végétarisme gagne des parts de marché. La viande sera peut-être un produit de luxe pour les prochaines générations. En attendant, du boeuf de Kobé, au 500 grammes de protéines à Buenos Aires, du T-Bone américain au bourguignon en France, le boeuf est incontestablement le meilleur ami de l'Homme depuis qu'il a découvert que, cuit, c'était délicieux. Avec ou sans sel, sauce, poivre ou autres condiments et accompagnements.

Festival Lumière – Jour 3 : Keanu Reeves et la révolution du numérique

Posté par Morgane, le 16 octobre 2014

keanu reevesLe Festival Lumière avance, les films défilent et aujourd'hui on commence la journée avec la projection de Pour un poignée de dollars dans une superbe version restaurée… Le film a 50 ans cette année et reste indémodable! Indémodable, restauration… Ces mots nous emmènent doucement sur les traces de Side by Side, documentaire de Christopher Kenneally, produit par Keanu Reeves et qui étaient tous deux là pour nous le présenter.

"le plus beau casting du Festival"

Passage de l'argentique au numérique, du 35mm au digital… Keanu Reeves interviewe un grand nombre de réalisateurs (Lynch, Cameron, Soderbergh, Scorsese...), directeurs de la photographie, monteurs, producteurs etc. ("c'est le plus beau casting du Festival" comme se plaît à le dire Thierry Frémaux) sur cette question d'actualité. Les aspects techniques et pratiques sont abordés. On comprend mieux les enjeux (financiers principalement), les avantages du numérique comme ceux du celluloïd, les limites qu'ils s'imposent. Les avis ne sont pas toujours tranchés, certains l'évoquent presque à contrecoeur, comme une fatalité, d'autres encore se lancent à corps perdu dans cette révolution du numérique comme Georges Lucas ou David Fincher, et puis il y a ceux qui n'y voient que peu d'intérêt et défendent le 35mm comme c'est le cas de Christopher Nolan.

Les arguments sont nombreux. Véritable liberté, coûts diminués pour certains, perte de la réalité, problèmes d'archivage, changements du rapport à l'image pour d'autres. La question passionne, et divise.

À la suite du film, un petit débat se met en place. Pour Christopher Kenneally on sent que c'est le numérique vers lequel il penche alors qu'en ce qui concerne Keanu Reeves, le 35mm semble garder son amour. "J'adore la qualité et le ressenti du film. Il y a une émotion. Ce qui me manquerait sans le film, c'est la réalité! Je pense en tout cas que les cinéastes devraient toujours avoir la possibilité de prendre une caméra traditionnelle si ils le souhaitent."

Et de conclure par: " Est-ce que le numérique a un réel impact sur notre façon de raconter des histoires?" La question reste en suspens...