Réalisateur philippin désormais universellement reconnu, Brillante Mendoza a profité de sa présence au pour chasser quelques idées reçues sur son travail, à tort présenté comme improvisé, et parler de son nouveau film, Lola (Grand-mère), qui sortira en mai prochain.

Lola

“Le thème de la grand-mère m’était très cher car la grand-mère est très importante dans la famille philippine. Nous avons tourné en juin 2009, juste après le festival de Cannes, pour pouvoir profiter de la saison des pluies. J’avais envie d’avoir cette atmosphère, cette pluie, qui serait un personnage à part entière. Des inondations comme celle montrée dans le film ont lieu tous les ans. Le gouvernement dit toujours qu’il va faire quelque chose, mais il ne fait jamais rien.”

Improvisation vs préparation 

“Lola a été tourné en 12 jours, mais avant il y a eu un énorme travail de préparation, peut-être pendant un an. J’ai une équipe réduite qui m’accompagne tout le temps. Toute l’année, nous faisons des recherches sur toutes les idées et scénarios que j’ai. On s’investit dans chacune des histoires. Quand je suis satisfait, on assemble tous les morceaux du puzzle. Par exemple, pour Serbis, j’ai amené le décorateur dans le cinéma où nous allions tourner bien avant de commencer. Je voulais que l’équipe s’imprègne de cette expérience pour faire le film le plus authentique possible.  Ce travail de préparation est crucial pour le tournage. Pendant qu’on prépare tout, on attend l’argent. Et comme j’ai été dans la production, je sais exactement ce qu’il faut prévoir avant. Aussi, lorsque nous sommes prêts, tout peut aller vite. Je tourne en peu de jours pour des raisons financières, mais aussi pour garder l’intensité et l’énergie du moment. Je tourne également de la manière la plus chronologique possible pour que les acteurs évoluent en même temps que leur personnage.”

Chorégraphies

“Pour les longs plans séquences avec de nombreux figurants dans le champ, tout est minutieusement chorégraphié et répété. Pour moi, il y a deux points importants : s’assurer que les figurants ne vont pas regarder la caméra et toujours leur expliquer pourquoi ils sont là. Ces personnages secondaires sont toujours engagés sur place car ils connaissent les gestes et n’ont pas besoin de faire semblant. Par exemple pour la séquence du bateau dans Lola : les personnes qui appartiennent à cette communauté savent comment ramer et se tenir sur l’embarcation ! Pour avoir une certaine cohérence, je délègue plusieurs personnes de l’équipe qui gèrent chacune un groupe de figurants. Ainsi, on tourne souvent en une seule prise. Parfois, moi-même je suis dans un de ces groupes de figurants pour les guider et il arrive que je sois dans le champ, mais vous ne me voyez pas car je suis de dos !”

Caméra à l’épaule

“Suivre le personnage avec la caméra est une manière de comprendre tout l’environnement autour de lui, de vivre la même situation que lui à ce moment-là. On en apprend ainsi beaucoup sur ses relations avec les autres et avec le lieu sans avoir besoin d’insister ou d’expliquer. Juste par le ressenti. Ce ne sont pas des scènes faciles à réaliser car la caméra est extrêmement lourde. Pour avoir cette impression de fluidité lorsque je la porte à l’épaule, je dois subir une véritable préparation physique !”

Authenticité

“Les cinéastes ont tous des objectifs différents lorsqu’ils tournent un film. En ce qui me concerne, mon objectif principal est de montrer ce qui est vrai et réel. J’aimerais raconter des histoires qui soient le plus authentiques possibles, même si le message est négatif ou qu’il est mal perçu par le public. C’est pourquoi j’ai besoin d’aller voir, de ressentir, de m’imprégner des gens et des endroits. Je dois avoir cette expérience moi-même pour la raconter le mieux possible à l’écran.”

Prochain projet

“J’ai un projet de documentaire sur un homme qui, pendant la semaine sainte, participe à la procession de la Passion du Christ. Aux Philippines, ces processions sont très importantes mais aussi très violentes, et de nombreuses personnes y participent et y assistent. Or, la particularité de cet homme qui incarne Jésus Christ depuis 21 ans (et n’a d’ailleurs pas d’autre métier) est qu’il est ouvertement gay.“

Le Jury Action Asia du Festival du film asiatique de Deauville a surpris son monde en choisissant de ne pas récompenser Bodyguards and assassins, le favori de la sélection. Les années précédentes, le film primé s’imposait naturellement pour ensuite devenir une référence du genre : par exemple Ong-bak ou Dog bite dog pour la baston qui cogne, ou A bittersweet life et The chaser pour le polar qui tue.

Mais cette année, le président Florent Emilio Siri et ses jurés Thierry Frémont, Samuel Le Bihan, Cécile Télerman, Malik Zidi et Vikash Dhorasoo ont décerné le prix Action Asia  à The sword with no name de Kim Yong-Kyun (notre photo),  film en costumes sur la romance impossible entre un mercenaire et la dernière reine de Corée. Le héros va protéger sa belle, menacée par des dignitaires de la dynastie Joseon, tant qu’il le peut, et il y a bien entendu quelques scènes d’action, mais le problème vient qu’elles sont très mal intégrées avec le reste (un duel sur une barque comme dans un jeu vidéo, un combat sur glace sorti de “Holiday on ice”…). On pourrait même penser que le film serait meilleur sans ces scènes d’action… lui remettre le prix est donc assez curieux !

Le film favori de tous (professionnels, presse, public), Bodyguards and assassins du réalisateur Teddy Chen, qui était présent à Deauville,  devrait être prochainement visible (distribué par Metropolitan) sur les écrans, ce qui donnera d’une certaine manière tort au jury de ne pas l’avoir reconnu comme prix Action Asia 2010. En 1906, la révolte couve pour renverser la dynastie Qing et on annonce l’arrivée de l’activiste Sun Yat-Sen qui vient unifier les délégués des différentes provinces. Il s’agit pour certains personnages de le protéger tout le long de son parcours et pour d’autres de l’assassiner. Le début du film prend le temps de dévoiler les différents protagonistes, puis ensuite tous les moyens sont bons pour accomplir leur mission : pièges, arbalètes, poignards, bombe, kung-fu….

Bodyguards and assassins a été en partie produit par Peter Ho-Sun Chan (réalisateur de Perhaps love et Les seigneurs de la guerre) qui devient un habitué des films à gros budget à la fois spectaculaires et populaires. Ne dérogeant pas à la règle, le film est une illustration du savoir-faire en matière de super-production venant de Chine : des stars à l’écran (Donnie Yen, Tony Leung Ka Fai, Simon Yam, Nicholas Tse, Eric Tsang…), une trame politique (l’espoir de la révolution de 1911), et de l’action presque à chaque coin de rue.

Outre ces deux incursions dans l’Histoire (n’hésitant pas à prendre des libertés avec la véracité de faits), la sélection Action Asia a fait voir quelques nouveautés, notamment en donnant une plus grande place à des personnages différents. Par exemple, si notre ami l’acteur Simon Yam était au générique de trois des cinq films en compétition, ce n’était pas en tant que héros, mais plutôt comme second rôle plus ou moins sympathique. Par contre, c’est son comparse Lam Suet (habitué aux rôles de “gros” un peu sot) qui devient la vedette de Tactical unit : comrades in arms, une production maison de Johnnie To réalisée par un de ses disciples Law Wing-Cheong. Il s’agit de la dernière déclinaison PTU pour le cinéma (les autres films Tactical unit… sont en dvd) avec cette fois deux patrouilles rivales qui se perdent dans une forêt à la poursuite d’un gang de voleurs.

Autre personnages atypiques, quelques acteurs français apparaissent dans les films d’action asiatiques avec la présence discrète de Sophie Broustal dans The sword with no name et un groupe de musclés qui protègent un ordinateur dans Clash du vietnamien Le Thanh Son. Dans ce film où le scénario basique est prétexte à une succession de bagarres énergiques, c’est une femme experte en arts martiaux qui est l’héroïne. Ce sont aussi deux femmes qui sont les combattantes les plus violentes dans Bad blood du chinois Denis S. Y. Law, et d’ailleurs aucun homme ne résiste aux coups de ces deux furies…

Efficace, donc, mais cette sélection parallèle du Festival gagnerait à être étoffée d’un film en plus (6 au lieu de 5), par exemple du genre fantastique qui fait peur, histoire de varier les plaisirs Action Asia.

Le jury du Festival du film asiatique de Deauville présidé par Pascal Bonitzer a logiquement décerné (à l’unanimité) le Lotus du meilleur film à Judge de Liu Jie (photo de gauche), une œuvre exigeante explorant le système judiciaire chinois, et principalement son rapport à la peine de mort, au travers du destin de trois personnages symboliques : un condamné à mort, le juge qui a prononcé la sentence et un P-DG gravement malade en attente d’une greffe de rein.

En plus de souligner la difficulté de rendre objectivement la justice et les absurdités de loi chinoise qui, jusqu’en 1997, permettait d’exécuter un homme pour vol de voiture, le film aborde la délicate question des prélèvements d’organe sur le corps des condamnés. Liu Jie, que l’on avait découvert avec Le dernier voyage du juge Feng, était largement favori dans sa catégorie, en raison non seulement du sujet traité, mais également de son évidente supériorité sur le reste de la compétition.

On est en effet bien moins convaincu par le prix du jury ex-aequo attribué à Au revoir Taipei d’Arvin Chen et Paju de Park Chan-ok. Le premier est une comédie romantique gentillette, placée sous le parrainage de Wim Wenders (producteur exécutif), dont le principal attrait est de montrer les différents visages de la capitale taïwanaise. Léger, mais parfois poussif, et franchement pas novateur. Le second est encore moins réussi : à mi-chemin entre la comédie de mœurs et le mélodrame social, Paju décrit les relations particulièrement embrouillées entre une jeune fille et son beau-frère. La profusion de flash-back et surtout le fait que la révélation la plus intéressante intervienne à la moitié du film sans être réellement exploitée par la suite font peu à peu perdre tout intérêt pour les personnages.

Le jury composé de journalistes internationaux (dont l’identité ne semble pas connue) a quant à lui récompensé le film probablement le plus aride de la compétition, My daughter de la Malaisienne Charlotte Lim Lay Kuen (photo de droite), qui a fait fuir les festivaliers avec son absence de narration, ses plans fixes plus symboliques que signifiants et sa manière d’ériger le non-dit au rang d’art. Relativement ennuyeux en dépit de sa courte durée, le film est une succession de bribes de scènes quotidiennes d’où il ressort que les relations entre la fille et sa mère irresponsable sont plutôt houleuses…

Les autres films en compétition

Même si l’on ne peut pas parler de grands oubliés du palmarès, aucun des cinq autres films en compétition n’étant des chefs d’œuvres absolus, certains présentaient malgré tout un intérêt suffisant pour mériter d’être distingué. On pense notamment à Symbol, œuvre certes foutraque mais particulièrement réjouissante du Japonais Hitoshi Matsumoto où un homme enfermé dans une pièce sans porte ni fenêtre fait apparaître des objets hétéroclites en appuyant sur des pénis d’angelots ( !) dépassants des murs…  Derrière la farce (pas toujours subtile, mais franchement délirante) se faufile une réflexion philosophico-mystique sur la création, la divinité et le duo cause-conséquence. Indiscutablement atypique !

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Le Festival asiatique de Deauville a rendu hommage à Lou Ye, cinéaste chinois dont les films sont beaucoup plus applaudis en Europe que dans son propre pays, où ils ne sont pas autorisés. On l’avait ainsi découvert en 2000 avec Suzhou River, film qui lui avait valu une interdiction de tourner de deux ans.

Il a ensuite filmé Zhang Ziyi séduite par un japonais pendant l’occupation ennemie dans Purple Butterfly, présenté à Cannes en 2003. Ses films suivants ont également été sélectionnés au Festival de Cannes : Une jeunesse chinoise (deux étudiants amoureux lors des évènements de la place Tian An Men) et Nuits d’ivresse printanière (deux trios amoureux sur fond d’homosexualité) qui lui a rapporté un prix du scénario en 2009.

C’est le réalisateur Pascal Bonitzer, président du jury des films en compétitions, qui lui a remis le lotus d’honneur de Deauville après un petit discours. Il a notamment évoqué l’idée selon laquelle on croyait tout connaître ou presque de la jeunesse chinoise d’ il y a plusieurs décennies mais en fait pas grand-chose de la jeunesse actuelle. Il a souligné que la détermination de Lou Ye a faire des films malgré la censure chinoise et ses interdictions de travailler devrait être une source d’inspiration pour les cinéastes du monde entier.

Crédit photo : Christophe  Maulavé

Pour sa 12e édition, le festival du film asiatique de Deauville poursuit son oeuvre de diffusion du cinéma asiatique avec une programmation classiquement articulée autour de deux compétitions (une sélection généraliste et une autre tournée vers le film d’action), un panorama de films contemporains et plusieurs rétrospectives.

Sont cette année mis à l’honneur le réalisateur philippin Brillante Mendoza (notre photo, lors de la cérémonie d’ouverture), auteur atypique dont le sens aigu de la mise en scène a été couronné à Cannes en mai dernier (Kinatay) et les chinois Lu Chuan (The missing gun, City of life and death) et Lou Ye, lui aussi sélectionné à Cannes en 2009 avec Nuits d’ivresse printanière, dont la nouvelle version est présentée ici en avant-première. Enfin, dans le cadre de cet hommage rendu à la Chine, trois longs métrages produits à la demande des dignitaires du parti communiste chinois seront projetés.

Fidèle à sa réputation, Deauville propose donc une sélection équilibrée mettant l’accent sur les cinématographies asiatiques les plus  diffusées (Japon, Taïwan, Hong Kong…) tout en s’ouvrant timidement à de nouvelles contrées telles que la Malaisie et l’Asie centrale (Tadjikistan).De quoi avoir en seulement 4 jours un bon aperçu de la production actuelle… et peut-être même faire de vraies découvertes !

Crédit photo : Christophe Maulavé

Avez-vous déjà essayé avec votre meilleur ami ? Cette drôle de question est celle de ce drôle de film Humpday. Il a fait rire le Festival de Cannes (à la Quinzaine des Réalisateurs), le Festival de Deauville (Prix de la révélation) et le Festival de Sundance (Prix spécial du jury pour l’esprit d’indépendance). Le DVD est maintenant disponible (sortie le 3 février), et il est à découvrir..

“On a choisi ça parce que ça nous fait plus peur que tout. Est-ce une raison pour le faire ?”

Le film Humpday évoque des questions sur le couple, la sexualité, l’amitié, l’accomplissement personnel, l’art … C’est aussi en même temps un film de cinéma à la fois moderne et actuel avec un style de caméra-vérité, comme si la caméra devenait les yeux du public. Le DVD propose le film en version originale avec en bonus une longue interview très intéressante de la réalisatrice Lynn Shelton ainsi qu’un court-métrage. Elle explique la création de son film de l’écriture au casting et le tournage qui a duré une dizaine de jours avec une équipe réduite. La cinéaste évoque aussi l’esprit du cinéma indépendant de sa région de Seattle où ont déjà travailler ses acteurs et son équipe, et si elle ne dit rien de la belle musique du film on y a remarqué la violoncelliste Lori Goldston (qui avait accompagné Nirvana en concert). “Parfois le simple fait de prendre des personnages et de les mettre dans une situation inconfortable, c’est la meilleure recette pour faire un drame ou une comédie“. On y trouve aussi en complément un court-métrage sur le même thème, celui de Lynn Shelton pour le festival Hump.

En DVD depuis le 03 février 2010

“Can you dig it, bro’ ?”

L’histoire : Black Dynamite est le type le plus redoutable et le plus cool de toute la ville.
Avec un 44 Magnum dans une main et un nunchaku dans l’autre, il fait régner la peur des deux côtés de la loi. Fier de sa couleur, Black Dynamite est aussi le chéri des dames avec son style trop classe. Lorsque son frère est mystérieusement assassiné, Black Dynamite se retrouve au milieu d’un vaste complot

Notre avis : Black Dynamite peut-être vu soit comme une grosse farce qui tache ou comme une joviale comédie qui déteint, en tout cas on en voit de toutes les couleurs et sans répit. Le film nous rappelle surtout ce que l’on avait pu aimer dans les vieux films blaxploitation, une exagération de tout ce qui était cool qu’on ne voit plus guère. Black Dynamite est un pastiche du meilleur et du pire de cette époque, un revival ironique qui pourrait relancer un genre.

Black Dynamite en a dans le pantalon, gonflé à bloc : non seulement les filles sont à ses genoux mais en plus les méchants vont être à sa botte. Quand un brother se retrouve engrainé dans un mauvais biz alors il va l’aider, mais quand c’est son propre frère qui est retrouvé mort dans une sombre histoire de drogue alors il va exploser. Entre une succession de gags durant toute l’histoire, il va alors découvrir les dessous d’une conspiration contre sa communauté…

Black Dynamite réussit le tour de force d’être à la fois une parodie irrévérencieuse et un hommage nostalgique. C’est survitaminé et ça part dans tout les sens, vraiment jouissif. Le film joue autant avec les préjugés et la politique, tout en nous montrant des courses poursuites et des bagarres comme on n’en voit plus. Black Dynamite enfile les clichés blaxploitation comme des perles et se double en même temps d’une certaine déclaration d’amour au cinéma avec quelques trucages cheap et des faux raccords. C’est de la bombe, ce héros c’est de l’or en barre et le film c’est des barres de rires.

L’équipe était venue au dernier Festival Américian de Deauville montrer le film en avant-première avec l’acteur Michael Jai White, et Charmane Star. Le réalisateur Scott Sanders avait pris sa voix la plus grave pour chauffer la salle : « Hey vous, les chaudasses, les sales types, c’est finit les vacances, faites place au mec le plus cool que vous ayez jamais vu sur grand écran, il va vous faire frissonner…de plaisir, son nom c’est Black Dynamite, et il frappe déjà à votre porte, livraison spéciale, il va vous mettre le paquet ! »

Pippa semble une femme comblée par la vie. Mais elle réalise brusquement que cette vie a priori si stable commence à s’effriter. Lassée par les sempiternels réveils banlieusards et par le persistant vrombissement des tondeuses à gazon, Pippa en vient à se demander comment elle en est arrivée là. Jeunesse bouillonnante, rencontres inattendues, liaisons et trahisons : Pippa tente de trouver des réponses à ses questions, et d’échapper à cette menaçante “sécurité du mariage”.

Trois ans après son dernier long métrage, Rebecca Miller reprend la caméra et filme Robin Wright Penn, au présent comme au passé, dans Les vies privées de Pippa Lee. Cette dernière tient le rôle d’une femme qui pour reprendre sa vie en main revient sur différents épisodes de son passé afin de pouvoir remodeler son présent.

À l’occasion de la sortie en salles du film le 11 novembre, Ecran Noir vous propose de gagner 10 places, chacune valable pour 2 personnes, en répondant à la question suivante :

Robin Wright Penn sera sur les écrans français à l’affiche des Vies privées de Pippa Lee le 11 novembre. Dans quel autre film pourra-t-on également la retrouver d’ici la fin de l’année ?

Vous avez jusqu’au 12 novembre pour nous faire parvenir votre réponse avec vos prénom, nom, âge et adresse postale afin que nous puissions vous envoyer les places.

Le festival de Toronto ne remet aucun prix de jury, préférant les choix du public, qui sont généralement un très bon indicateur pour les oeuvres art et essai étrangères ou américaines qui peuvent concourir aux Oscars ou avoir le droit d’être distribués dans de larges combinaisons de salles. Ainsi les français avaient pu faire cocorico avec le film de Bruno Dumont, Hadewijch, prix FIPRESCI de la critique, et celui de Jean-Pierre Jeunet, Micmac à tire-larigot, 3e film du public derri!re l’australien Mao’s Last Dancer de Bruce Buresford.

Mais le premier prix du public a été décerné à Precious (d’après le roman Push, de Sapphire), réalisé par Lee Daniels. Ce film américain avait déjà reçu le Grand prix du jury, le prix du public et le prix d’interprétation féminine au Festival de Sundance. Cela lui avait facilité sa sélection à Un certain regard au Festival de Cannes. Puis il a été sélectionné à Toronto, Deauville, où il reçoit un prix du jury, San Sebastian, avant de faire le tour des festivals : Londres, New York, Vancouver, la semaine dernière, et ce week-end Chicago et Gand. Il sera présenté à Tokyo lundi.

Le film ne bénéficiera pas seulement du prestige de ses prix. En effet, Precious donne au chanteur Lenny Kravitz son premier rôle au cinéma. Mais surtout il permet à Mariah Carey, qui sort son dernier album ces jours-ci, de renouer avec dignité avec le cinéma. Glitter avait été un cruel échec. Et ses autres prestations (Tennessee, 20 000 $ de box office ; State Property 2, 1,7 millions de $ de box office ; WiseGirls, sorti en vidéo) sont passées inaperçues. On pourra être plus indulgent si l’on compte Rien que pour vos cheveux, comédie burlesque avec Adam Sandler, où elle joue une longue séquence, son propre rôle.

10 mois après son avant-première mondiale, le film va maintenant commencer sa vie en salles : le 6 novembre aux USA, en vue des Oscars, puis le 10 mars en France, en espérant des nominations aux Oscars pour améliorer sa visibilité. Le distributeur, ARP Selections, a sauté sur le film dès le palmarès de Sundance et mise de grands espoirs sur cette sortie.

Pour sa 35^ème édition le Festival du Cinéma américain de Deauville a proposé une sélection de 11 films en compétition. De la comédie à film plus violent le public et les jurys ont découvert une large palette du cinéma indépendant et aussi des histoires singulières.

Retour sur les autres films de la compétition

Cold Souls : Le premier film à ouvrir le bal de la compétition est réalisé par Sophie Barthes, une française qui a peaufiné son projet à Sundance alors que Paul Giamatti avait déjà été séduit par le scénario. Il joue son propre rôle, celui de l’acteur américain Paul Giamatti qui est accablé par ses doutes en répétant une pièce de théâtre. Il apprend l’existence d’une société qui vous soulage de votre âme en l’extrayant de votre corps et qui la stocke le temps que vous voulez, il est même possible de louer une autre âme… Incrédule d’abord (comme le spectateur) il se laisse tenter par l’expérience, et il n’est plus tout à fait le même homme qu’avant. Mais quand il veut récupérer son âme celle-ci a été volée par une trafiquante russe pour la remettre à une actrice télé compagne d’un mafieux… La première partie est pleine d’humour et d’inventivité, mais malheureusement la suite où les personnages ont des aperçus de résidu d’âme est moins percutante.

Harrison Montgomery : Un jeune (Octavio Gomez Berrios) s’est fait arnaqué de 3000 dollars dans un deal de drogue, et il est violement harcelé pour rembourser cette somme. La fille de sa voisine de palier s’invite sans cesse chez lui, son voisin d’en dessous est un vieil excentrique (Martin Landeau) qui paraît-il aurait gagné un jour au loto… Sympathique et excentrique, sans plus.

Shrink : Un film choral à Hollywood autour de Kevin Spacey en psy effondré par le suicide sa femme, une jeune lycéenne dont la mère s’est suicidée et qui adore le cinéma, Mark Webber qui voudrait écrire un scénario, un producteur odieux qui a la phobie des bactéries, son assistante devenue mère-porteuse pour sa sœur, une star accro à la drogue, un dealer d’herbe, une actrice de 35 ans apparemment trop vieille pour décroché un rôle, Robin Williams fait une apparition… Bref plusieurs personnages qui représente le microcosme d’Hollywood qui se regarde le nombril.

Humpday : Ce film de Lynn Shelton avait déjà été une bonne partie de rigolade à Cannes. Deux amis qui se retrouvent philosophent à une fête dionysiaque sur la vie et l’art, et ils s’engagent à tourner ensemble un film amateur porno pour un festival artistique d’art érotique. Un film où deux amis hétéros couchent ensemble, quelle bonne idée, mais arrive le moment où il faut le faire et les hésitations commencent… Le mari conventionnel qui veut faire un bébé doit en parler à sa femme, le copain bohème se rend compte qu’il n’est pas aussi ouvert d’esprit qu’il le croyait. Ils arrivent dans une chambre pour le faire et…c’est en salle le 16 septembre. Avez-vous déjà essayé votre meilleur ami

The Messenger (photo) : Ben Foster et Woody Harrelson sont deux soldats revenus de la guerre qui ont pour mission d’annoncer à des familles la mort de leur mari/père/fils au combat. Le réalisateur Oren Moverman s’intéresse autant aux traumas des soldats qui sont revenus de la guerre qu’aux familles de ceux qui n’en sont pas revenus. Par exemple une scène de confession en long plan-séquence entre un soldat et une veuve est particulièrement émouvante. Dans ce film jouent aussi Samantha Morton et Jena Malone qui sont méconnaissables. Et si c’était le meilleur film sur l’après-guerre en Irak.

The Killing room : Le genre de film qui détonne dans la compétition, à la fois film de genre et film subversif. Le réalisateur Jonathan Liebesman, qui avait raté une nouvelle version de Massacre à la tronçonneuse, réussit un film à suspense très malin avec notamment Chloé Sévigny, Peter Stormare et Cléa Duvall. Le projet MK-Ultra est tellement secret qu’officiellement il n’existe pas. Quatre personnes qui ont accepté de venir une journée pour des tests scientifiques sont enfermées dans une pièce, et ils vont vite apprendre qu’à la fin de la journée trois personnes seront éliminée… Le film propose une thèse radicale sur la paranoïa américaine post 11 septembre, et comment lutter contre le terrorisme.

World’s greatest dad : C’est une comédie avec Robin Williams, et certainement son meilleur film depuis Photo Obsession (prix du jury ex-æquo à Deauville en 2002)! Ce film est produit par la société de Richard Kelly (Donnie Darko) est né à l’initiative de Bob Goldthwait (un ami très proche de Robin Williams) qui en signe le scénario et la réalisation. Un prof célibataire qui désire devenir écrivain doit supporter son ado de fils qui est insolent et collé à son écran d’ordinateur. Le film démarre doucement et prend son envol au moment où le fils dépravé meurt subitement (de la même manière que David Carradine). Ce décès passe en suicide et le père écrit ensuite un journal intime, et les évènements vont s’emballer… Ce journal intime d’un adolescent incompris devient un phénomène qui provoque des réactions en cascade. Bob Goldthwait livre un film irrévérencieux sur le deuil : « Maintenant que Michael Jackson est mort les gens en feraient leur baby-sitter ! Les hommages aux morts sont un peu curieux et souvent très exagérés dans les qualités que l’on reconnaît au défunt et dans l’amour qu’on leur déclare à ce moment là. ». Pour l’annecdote on était deux personnes à avoir remarqué un rapide caméo dans le film de Krist Novoselic, ex-batteur de Nirvana.

Sin nombre : Un premier film de Cary Joji Kukunaga (qui parle d’ailleurs français, photo de droite) et coproduit par Gael Garcia Bernal et Diego Luna. Il évoque los estados unidos, le but à atteindre des immigrants clandestins en provenance du Honduras ou du Guatémala et qui traversent le Méxique pour traverser la frontière. Casper est un ado membre du gang la Mara Salvatrucha qui va croiser la jeune Sayra sur un train, pour la défendre il va provoquer la mort du chef du gang. Toute la bande est aux trousses de Casper pour le tuer… Il est long et mortel le chemin vers le rêve américain, le film sort le 21 octobre.

Youth in Revolt : Une comédie ado de Miguel Arteta (The good girl) avec en vedette Michael Cera qui joue, encore et toujours, un adolescent de 16 ans amoureux malchanceux. Il rencontre dans un camping une jolie fille et pour se rapprocher d’elle il va se laisser guider par son double imaginaire : un français aventurier du genre Belmondo. Mais l’influence de son alter-égo va commencer par lui être de plus en plus néfaste au fur et à mesure qu’il enchaine les catastrophes… Une gentille comédie pleine de bonnes intentions et qui se laisse voir sans déplaisir.

Precious : Déjà vu à Cannes, l’histoire sordide d’une jeune fille obese qui subit les pires malheurs du monde est très émouvante pour la plupart des spectateurs après le générique de fin, mais il n’est pas interdit de penser que ce n’est pas vraiment un bon film…

The good heart : Il s’agit du premier film américian de l’islandais Dagur Kari, qui est le réalisateur du très bon Noî albinoï (en Islande) et de l’encore meilleur Dark Horse (au Danemark). Il reforme le duo de Long Island Expressway (prix du jury ex-æquo à Deauville en 2002) c’est-à-dire Brian Cox et Paul Dano qui a depuis gagné ses galons de star. Un vieux barman aigri recueille un jeune sdf rencontré à l’hôpital pour le faire travailler dans son bar et même le lui transmettre. Un soir Isild Le Besco arrive en pleurs sous la pluie, elle a été virée et n’a nulle part où aller… Entre le jeune homme qui voulait foutre sa vie en l’air et le vieux qui lutte pour rester en vie va se nouer une relation qui va être mise à mal par l’arrivée de la jeune femme. Emouvant et drôle à la fois, encore une fois Dagur Kari réalise avec des petits moyens un grand film.

Crédit photo Cary Joji Kukunaga : Christophe Maulavé