Cannes 2019 : la playlist (éclectique) de la Croisette

Posté par MpM, le 5 juin 2019

Comme souvent, la playlist la plus éclectique de Cannes ne se trouvait pas dans les soirées ou sur les plages, mais bien dans les films ! Côté musiques originales, on a été séduit par celle, mélancolique et bouleversante, du pianiste montréalais Jean-Michel Blais dans Matthias et Maxime de Xavier Dolan, ou encore par la nouvelle collaboration d'Alberto Iglesias avec le cinéaste Pedro Almodovar pour Douleur et gloire.

Côté classique, on a entendu deux fois le Lacrimosa de Mozart (chez Terrence Malick et Justine Triet) et l'Eté de Vivaldi (chez Céline Sciamma et Justine Triet). Et on a eu envie de danser (et/ou de chanter) sur le meilleur (et parfois le pire) de la variété internationale, de Joe Dassin à Leonard Cohen, de Nicole Croisille à Iggy Pop. Démonstration en 18 morceaux qui ne quitteront plus votre platine (ou pas).

Et si tu n'existais pas de Joe Dassin

Quel film : Le daim de Quentin Dupieux
Degré de bonheur / nuisance : On l'a eu dans la tête toute la journée après avoir vu le film à 8h45 le matin, et rien que d'en parler, c'est reparti pour un tour. Mais il faut reconnaître que l'aspect kitsch des paroles colle parfaitement à la love story singulière entre Jean Dujardin... et une veste en daim.

The dead don't die de Sturgill Simpson

Quel film : The Dead don't die de Jim Jarmusch
Degré de bonheur / nuisance : La chanson, créée pour le film, a l'air d'avoir toujours existé, et donne lieu à l'un des gags les plus réjouissants du film. On valide.

Rasputin de Boney M

Quel film : Le lac aux oies sauvages de Diao Yinan
Degré de bonheur / nuisance : C'est d'autant plus réjouissant qu'on pense automatiquement à l'utilisation que fait son compatriote Jia Zhang Ke de Go west dans Au-delà des montagnes

La Jeune fille en feu de Para One (Jean-Baptiste de Laubier) et Arthur Simonini

Quel film : Portrait de la jeune fille en feu de Céline Sciamma
Degré de bonheur / nuisance : C'est tout simplement le plus beau moment du film, celui qui voit soudain naître l'émotion chez le spectateur.

Could it be magic de Barry Manilow

Quel film : Chambre 212 de Christophe Honoré
Degré de bonheur / nuisance : Un moment suspendu au piano, interprété par Camille Cottin, au sein d'un film qu'on aime de A à Z.

California dreamin de The Mamas and Papas

Quel film : Once upon a time... in Hollywood de Quentin Tarantino
Degré de bonheur / nuisance : Certes, elle reste longtemps dans la tête. Mais évidemment l'alchimie fonctionne : exactement le genre de chanson qu'on s'attend à entendre chez Tarantino.

Looking for knives de Dyan

Quel film : Matthias et Maxime de Xavier Dolan
Degré de bonheur / nuisance : Une manière explicite d'annoncer les mouvements du cœur qui émaillent le film.

L'italiano de Toto Cotugno

Quel film : Le traître de Marco Bellocchio
Degré de bonheur / nuisance : Dix jours après la clôture du festival, on la fredonne encore, mais dans la version du film où le "Siciliano" remplace l' "'Italiano".

Voulez-vous d'Abba

Quel film : Mektoub my love de Abdellatif Kechiche
Degré de bonheur / nuisance : On a l'impression que la chanson tourne en boucle dans la boîte de nuit où se déroule presque exclusivement le film, mais c'est sûrement une illusion sonore due à l'abus de scènes de danse.

Un giorno come un altro de Nino Ferrer

Quel film : Sibyl de Justine Triet
Degré de bonheur / nuisance : Moment satirique plutôt réjouissant dans un film qui ne l'est pas toujours.

Les plus belles années d'une vie par Nicole Croisille et Calogero

Quel film : Les plus belles années d'une vie de Claude Lelouch
Degré de bonheur / nuisance : On vous laisse écouter pour juger.

Here Comes The Hotstepper par Ini Kamoze

Quel film : Papicha de Mounia Meddour
Degré de bonheur / nuisance : L'hymne parfait pour un film sur la jeunesse et la liberté dans l'Algérie des années noires.

Suzanne de Leonard Cohen

Quel film : Viendra le feu d'Oliver Laxe
Degré de bonheur / nuisance : Entendons-nous bien, Suzanne élève toujours notre niveau de bonheur au maximum. Mais quand en plus elle survient par surprise dans un film minimaliste et taiseux, comme symbole d'une communion possible entre deux personnages, on voudrait qu'elle ne s'arrête jamais.

I put a spell on you de Nina Simone / Darkness de Leonard Cohen

Quel film :It must be heaven d'Elia Suleiman
Degré de bonheur / nuisance : La première accompagne des images idéalisées de Paris et de ses habitants, la deuxième une drôle de poursuite entre un ange Femen et des policiers new-yorkais. Dans les deux cas c'est beau, drôle et mélancolique à la fois.

La complainte du soleil de Laura Cahen

Quel film : J'ai perdu mon corps de Jeremy Clapin
Degré de bonheur / nuisance : Un petit miracle musical qui accompagne tout en douceur le générique final du film, et nous aide à reprendre pied dans la réalité.

Chef de Bataille de Christophe

Quel film : Jeanne de Bruno Dumont
Degré de bonheur / nuisance : De quoi nous consoler du fait qu'on chante beaucoup moins dans ce deuxième volet que dans Jeannette. Bruno Dumont remplace IGORRR par Christophe, mais sans rien perdre de l'esprit pour le moins décalé du film.

Summer de Teiji Ito

Quel film : Little Joe de Jessica Hausner
Degré de bonheur / nuisance : Une musique quasi hallucinatoire, empruntée au kabuki, qui vient renforcer l'étrangeté anxiogène qui se dégage de tout le film.

Cannes 2019 : entre intimité et formalisme, dix courts métrages qui ont marqué la 72e édition

Posté par MpM, le 31 mai 2019

Il faut être franc : Cannes n'est pas forcément le lieu idéal pour voir du court métrage. L'offre en longs métrages de premier plan, la nécessité de courir d'une salle à l'autre, les multiples sollicitations, ajoutées au fait que les séances de courts bénéficient souvent de moins de projections qu'un long (une seule séance pour les programmes de la Quinzaine, par exemple), incitent beaucoup de festivaliers à faire l'impasse. C'est pourtant dommage, car pour le format court aussi, Cannes est immanquablement le lieu des révélations, parfait pour prendre la température de la jeune création et du cinéma mondial.

C'est aussi parfois l'occasion de repérer les réalisateurs qui enchanteront la Croisette avec leurs longs métrages dans le futur comme ce fut par exemple le cas cette année avec Jérémy Clapin qui a triomphé à la Semaine de la Critique avec J'ai perdu mon corps, où il avait déjà présenté Skhizein en 2008, et Erwan Le Duc dont le film Perdrix a connu un grand succès à la Quinzaine des Réalisateurs, trois ans après avoir été sélectionné à la Semaine en 2016 avec Le Soldat vierge.

Cette 72e édition cannoise a été marquée par le triomphe de courts formels, dans lesquels la mise en scène joue un rôle au moins aussi important que le récit ou la narration. On le souligne car les jurys ont parfois tendance, plus encore qu'en longs métrages, à privilégier des oeuvres "à sujet" ou "à message". Or, cette année, les différentes sélections (Officielle, Cinéfondation, Quinzaine des Réalisateurs, Semaine de la Critique) semblaient avoir opté pour un cinéma plus ténu et moins démonstratif, et parfois même, comme à la Quinzaine des Réalisateurs, tirant vers l'expérimental ou l'installation artistique.

Ce qui n'a pas empêché les réalisateurs d'aborder, souvent en creux, les grands enjeux des sociétés contemporaines comme l'environnement, le consumérisme, l'accueil des réfugiés, la misère sociale... mais aussi des thématiques plus intimes liées à la maternité, à la famille ou à des trajectoires personnelles. Petit tour d'horizon de 10 cours métrages qu'il fallait absolument voir sur la Croisette cette année.

La Distance entre le ciel et nous de Vasilis Kekatos (Officielle)


Une rencontre impromptue dans la nuit. Des plans serrés sur les visages. Des dialogues ironiques et décalés. Et l'un des plus beaux plans de fin vus pendant le festival. La Palme d'or 2019 est un film ténu et intimiste à la simplicité désarmante, à la sensibilité à fleur de peau et au minimalisme assumé.

Grand bouquet de Nao Yoshiga (Quinzaine)


Dans un espace totalement vide, une femme fait face à une créature noire mouvante qui semble la menacer. Sa seule réponse sera des flots de fleurs multicolores se déversant de sa bouche. Les deux forces en puissance finiront par se combiner pour donner un ailleurs plein de promesses. A mi-chemin entre l'installation muséale et le court métrage expérimental, l'artiste Nao Yoshiga propose un film puissant et presque hypnotique aux multiples interprétations possibles.

L'Heure de l'Ours d'Agnès Patron (Officielle)

Une fresque animée flamboyante et majestueuse qui raconte, dans des éclats de rouge et de vert sur fond noir, le combat immémorial des enfants pour gagner leur liberté et s'affranchir des adultes. Servi par l'exceptionnelle musique symphonique de Pierre Oberkampf, le film mêle le souffle épique au récit intime, et emporte le spectateur dans une danse effrénée et tribale qui semble nous ramener aux origines de l'Humanité.

The Little soul de Barbara Rupik (Cinéfondation)


Un voyage éblouissant de beauté, d'onirisme et de mélancolie au pays des morts en compagnie d'une petite âme tout juste échappée du corps qui l'abritait. Barbara Rupik travaille sur la texture de ses personnages et de ses décors jusqu'à recréer un univers organique saisissant et sublime, cadre dantesque édifiant pour le récit poétique et bouleversant d'une indéfectible amitié post-mortem.

Mano a mano de Louise Courvoisier (Cinéfondation)


Un couple d'acrobates va de ville en ville pour se produire. Leur relation se dégrade, et tout semble sur le point de basculer. Louise Courvoisier, étudiante à la CinéFabrique de Lyon, filme les corps en mouvement, au repos, à l'abandon ou au contraire en pleine opposition, mais de dos, ou en les décadrant. Ce ne sont pas les performances qui l'intéressent, mais comment la tension palpable entre les deux protagonistes en vient à influer sur le moindre de leur geste. Une histoire simple de confiance à raviver et d'avenir à réinventer à deux.

Mardi de 8 à 18 de Cecilia de Arce (Semaine de la Critique)

Une journée dans la vie d'une surveillante scolaire bienveillante et pleine d'empathie qui lutte contre la rigidité quasi carcérale d'un collège où le corps encadrant privilégie la répression à l'écoute. Entre portrait sensible et comédie réaliste, Cecilia de Arce montre les limites d'un système qui, à force de refuser le cas par cas, finit par nier froidement les individus.

Movements de Dahee Jeong (Quinzaine des Réalisateurs)

Cinq chapitres comme autant de vignettes malicieuses pour parler de ce qui nous meut, et de quelle manière. On découvre ainsi un chien, une femme avec un sac à dos ou encore un vieil arbre qui a besoin d'une canne, tour à tour en train de peindre un mur ou de regarder la télévision. La réalisatrice s'amuse à décomposer les mouvements quasi image par image, ou au contraire à les accélérer par le biais de la touche "avance rapide", proposant un film léger et joyeusement décalé sur la notion de mouvement en tant qu'essence de la vie comme du cinéma (d'animation).

Piece of meat de Huang Junxiang et Jerrold Chong (Quinzaine)


Une fable au vitriol sur les excès du capitalisme et les limites de la société de consommation. Dans un monde peuplé d'objets (en papier), une côté d'agneau tente de subvenir aux besoins de sa famille. Prise dans la spirale infernale du déterminisme social, elle est la victime expiatoire d'un monde qui semble le reflet cauchemardesque de la nôtre. Pessimiste et cruel, mais tellement drôle.

She runs de Qiu Yang (Semaine de la Critique)


Déjà sélectionnée à Cannes en 2015 avec Under the sun (Cinéfondation) puis en 2017 avec A gentle night (Palme d’or du meilleur court métrage), Qiu Yang n’est pas vraiment la révélation de cette 58e Semaine de la Critique, mais prouve qu'il continue à creuser efficacement le sillon de son cinéma esthétique au classicisme discret. Son film à la beauté formelle édifiante a d'ailleurs sans surprise remporté le Prix Découverte Leitz Cine du court métrage. On y voit dans des plans composés comme des tableaux à la profondeur de champ quasi inexistante, et où se multiplient les cadres intérieurs à l'image, une jeune gymnaste lutter pour quitter l'équipe à laquelle elle appartient. Visuellement éblouissant.

Stay awake, be ready de Pham Thien An (Quinzaine des Réalisateurs)


Un plan-séquence presque statique qui semble observer nonchalamment la terrasse d'un petit restaurant. Tandis que des hommes parlent hors champ, un accident de la route survient, puis un petit garçon improvise un spectacle de cracheur de feu. Une scène de rue presque banale, et pourtant énigmatique, qui montre le monde comme à distance, pris dans différentes tonalités de jaune et de rouge. Une brillante démonstration formelle, doublée d'un instantané troublant du quotidien, qui a valu au réalisateur vietnamien Pham Thien An le Prix Illy du court métrage.

Cannes 2019: Un doc écologique (et salutaire) au Festival vs un (sérieux) gâchis environnemental à Cannes

Posté par vincy, le 30 mai 2019

Projeté à Cannes en séance spéciale, La Glace en feu de Leila Conners sera diffusé sur OCS le 11 septembre prochain. Produit et narré par Leonardo DiCaprio, tout comme le premier documentaire de la réalisatrice, La 11ème heure, le dernier virage (présenté à Cannes en 2007), La glace en feu est moins un cri d'alarme sur l'état écologique de la planète qu'une succession de solutions et de témoignages pour espérer freiner la catastrophe climatique annoncée. En cela, il se rapproche plus de Demain, de Cyril Dion et Mélanie Laurent.

"Il y a des solutions". L'horloge tourne mais on se veut encore relativement optimiste. Après tout, 12 ans après la 11ème heure, la catastrophe est déjà là. Il ne s'agit plus de la stopper mais d'inverser toutes les courbes. Des espèces sont en voie d'extinction. Et à la lecture du dernier livre de Fred Vargas, L'humanité en péril (Flammarion), on va rapidement manquer de matières premières essentielles, à commencer par le phosphore et l'eau. Car nous sommes à la fois la première génération à prendre conscience et vivre ces dysfonctionnements environnementaux mais aussi la dernière à pouvoir y remédier .

Un doc scientifique, technique et pédagogique

Avec une espèce humaine en croissance démographique, le formidable gâchis des ressources primaires et un climat qui se dérègle fortement, l'avenir est plutôt noir comme des nuages prêts à se vider dans un déluge de pluie. Du Colorado à la Californie, d'Islande à l'Ecosse, du MIT de Boston à la Norvège, de la Croatie à Zurich, de Berlin au Nouveau-Mexique, ce n'est pas une tournée internationale des cataclysmes que filme Leila Conners. Non, ce qui l'intéresse ce sont les gardiens du temple, qui observent et préservent la Nature, et les chercheurs qui trouvent de nouveaux modèles ou des solutions innovantes pour réparer, améliorer, voire effacer l'empreinte carbone.

De l'océan (étonnant pouvoir du varech) au soleil, du méthane au permafrost, la réalisatrice signe un film pédagogique et scientifique, et même assez technique. Pas forcément cinématographique d'ailleurs. Mais l'image, avec ses infographies et ses illustrations, a une grande importance pour comprendre les enjeux. Pas besoin de filmer un mur pour savoir qu'on fonce dedans. "On est tous connectés" et on détient chacun des fragments de solutions. Leila Conners veut croire que l'individu peut contribuer au sauvetage de la planète, sans responsabiliser les pollueurs majeurs, même si elle dénonce leurs actes. On peut aussi regretter que le documentaire fasse l'éloge du solaire quand on sait le coût environnemental d'un panneau photovoltaïque. Ces petites approximations n'enlèvent rien au propos global et à l'intention originelle.

Mais cela ne doit pas faire oublier le message: "ça va dégénérer".

D'ailleurs, à Cannes, on voit bien que ça ne fait qu'empirer. Embouteillages boulevard Carnot, rue d'Antibes, avenue Bachaga Saïd Boualam. Des voitures Renault pas électriques qui amènent les invités prestigieux et autres stars pour faire moins de 500 mètres jusqu'aux marches (heureusement certaines vedettes optent pour le mode piéton). Vitrines de magasin et affiches publicitaires allumées toute la nuit. Quasiment pas de bio ou de produits locaux dans les restaurants autour du Palais. Du coca-cola jusque dans la salle de presse (quand on connait l'effet néfaste sur les nappes phréatiques et sur la santé, on ne peut plus dire qu'on ne savait pas). Sous l'eau, les sacs plastiques et autres déchets s'amoncellent. Trop de bouteilles en plastique (puisque les gourdes ne sont pas autorisées dans les salles au-dessus de 50ml).

Ballet incessant d'hélicoptères (il n'y en a jamais eu autant) qui font tourner leurs hélices au-dessus du port. Gros paquebots de croisières - de véritables barres d'immeuble - stagnant dans la baie, et tout ce que la induit en consommation énergétique. On peut critiquer l'avion (le pire c'est quand même les jets privés) mais critiquons aussi la SNCF qui a diminué le nombre de TGV relativement directs (avec certains trains qui reliaient Paris en 6 heures au lieu de 5), ce qui pousse logiquement les festivaliers venus d'Asie ou des Amériques à préférer un Paris-Nice en correspondance directe à un Paris-Cannes en train. On peut râler que les festivaliers utilisent des taxis ou vtc dans le périmètre de la Croisete, mais où sont les vélos en libre service ?

La ville de Cannes, côté empreinte carbone, n'est pas vraiment un modèle, même si le festival a fait des efforts récemment avec des poubelles pour le tri des dossiers de presse et autres papiers distribués aux journalistes. Il va falloir imposer rapidement un objectif de décarbonisation d'un événement qui attire des dizaines de milliers de personnes dans une industrie qui a encore un peu de retard sur le sujet, et qui n'est pas forcément aidée ou accompagnée.

Leila Conners a encore de quoi filmer avant que la mer Méditerranée ne monte, faisant disparaître les plages pour les soirées, noyant également tout le rez-de-chaussée et les sous-sols du Palais des festival. Tout cela est prévu pour la fin du siècle. D'ici là, est-ce que le cinéma existera encore? C'est une autre affaire.

Cannes 2019 : l’intime et la liberté au féminin à Un Certain Regard

Posté par MpM, le 28 mai 2019

Un Certain Regard, section souvent encensée par les festivaliers comme sorte de compétition bis, plus riche en découvertes et en révélations que la vraie compétition, semble avoir mécaniquement souffert cette année de la très grande qualité des films en lice pour la Palme d'or. Par comparaison, on a en effet eu le sentiment que les 18 films présentés en salle Debussy étaient à quelques rares exceptions près inaboutis, pas assez singuliers, fragiles, voire carrément anecdotiques.

Cela se sent au niveau de la qualité (subjective) des films, mais aussi des thématiques abordées, et du regard porté sur le monde. Un Certain Regard a ainsi été moins traversé par la vision apocalyptique d’un monde sur le point de disparaître que n'a pu l'être la compétition. Cette année, c’est au contraire l’intime qui était au cœur de tout. Des histoires d’amour et d’amitié, des rencontres, des trajectoires personnelles, des destins empêchés ou brisés par des événements qui les dépassent, mais dans tous les cas de simples individus pris dans une tourmente plus personnelle que blobale.

Le fil rouge de l'intime


Dans La femme de mon frère de Monia Chokri, c'est par exemple une jeune femme trop attachée à son frère, qui souffre de le voir heureux avec une autre. Dans Port Authority de Danielle Lessovitz, un jeune homme un peu paumé tombe amoureux d'une jeune femme rencontrée dans la rue et tente de se faire accepter par les siens. Chambre 212 de Christophe Honoré et Once in Trubchevsk de Larisa Sadilova sont chacun dans leur style des histoires de couples qui s'aiment, se trompent et se retrouvent. Dans Summer of Changsha de Zu Feng, un enquêteur de police n'arrive pas à se remettre du suicide de sa petite amie. The Climb de Michael Angelo Covino présente une amitié toxique entre deux amis d'enfance, dont l'un convoite sans cesse ce qu'a l'autre.

Chez Kantamir Balagov, dans Une Grande fille, ce sont deux femmes qui sont unies par une amitié dévorante. La vie invisible d'Euridice Gusmao de Karim Aïnouz raconte en creux le lien indéfectible qui n'a jamais cessé de relier deux sœurs séparées par la vie. Et Adam de Maryam Touzani est l'histoire d'une rencontre fortuite entre une femme qui s'est fermée à l'amour et une jeune fille sur le point d'accoucher. Bull de Annie Silverstein, quant à lui, raconte l'amitié naissante entre une adolescente blanche paumée et un adepte de rodéo noir et vieillissant

De même, quand la grande histoire s’invite dans les intrigues, c’est toujours par le prisme de la petite. Presque par la bande, en se focalisant sur la manière dont la réalité affecte les personnages plus que sur cette réalité en elle-même. C'est le cas dans Une grande Fille : malgré le contexte de la fin de la guerre et du terrible siège de Leningrad, les événements historiques ne sont jamais au cœur du film. En revanche, ils servent de contexte à l’histoire, et permettent au réalisateur d’observer les traumatismes subis par ses personnages, et la manière dont ils affectent leurs relations.

Dans Les Hirondelles de Kaboul de Zabou Breitman et Eléa Gobbé-Mévellec, on suit le destin particulier de quelques personnages aux prises avec le régime des Talibans, qui luttent chacun à sa manière pour exister dans le cadre ultra étroit qui leur est imposé. Dans Papicha, le personnage central est une jeune étudiante qui résiste à l’obscurantisme de différents groupes islamistes faisant régner la terreur à Alger en s’accrochant à sa passion du stylisme. En confectionnant de belles robes pour les jeunes femmes de la ville, et en organisant un défilé de mode dans l'université, la jeune fille affirme sa liberté et son indépendance. Nina Wu de Midi Z aborde frontalement la question du harcèlement dans le milieu du cinéma, en se concentrant sur les séquelles indélébiles qui détruisent à petit feu son personnage. Enfin, En terre de Crimée de Nariman Aliev s'ancre dans la situation complexe de la Crimée, que se disputent la Russie et l'Ukraine, mais à travers l'histoire ténue d'un père (qui appartient à la minorité tatare) souhaitant enterrer son fils sur sa terre natale de Crimée, au risque de tout perdre.

Le poids des dilemmes


C'est l'un des autres points saillants du Certain Regard 2019, la présence au sein de la plupart des histoires d'un dilemme contraignant les personnages à faire des choix plus ou moins déterminants pour leur existence. On pense évidemment à Jeanne de Bruno Dumont, dans lequel le célèbre personnage historique est présenté sous les traits d'une frêle jeune fille s'accrochant envers et contre tout à ses convictions, et refusant de se renier, même si cela lui permettrait de sauver sa vie. Autre dilemme incommensurable chez Kantamir Balagov (jusqu'où aller pour préserver une amitié ?) et dans Les Hirondelles de Kaboul (Faut-il laisser condamner une innocente ou risquer sa vie à la sauver ?), ou encore chez Midi Z (jusqu'où aller pour obtenir un rôle au cinéma ?), Maryam Touzani (abandonner ou non l'enfant que l'on vient de mettre au monde ?), Mounia Meddour (Céder à la peur ou prendre le risque de vivre pleinement ?) et dans Port authority, qui voit le personnage principal déchiré entre deux loyautés incompatibles. Car la plupart du temps, il n'existe pas de bonne ou de mauvaise décision objective, mais juste deux chemins conduisant à deux avenirs distincts.

La bonne nouvelle, c'est que la plupart des films laissent ainsi véritablement le choix aux personnages, ne les déterminant pas dès le départ à une voie plutôt qu'une autre. Fort de ce libre arbitre, chacun agit en son âme et conscience, et en fonction de ses propres valeurs. Ainsi, dans La Fameuse invasion des ours en Sicile de Lorenzo Mattotti, le Roi Léonce doit-il d'abord se dépouiller de ses attributs d'ours pour régner parmi les hommes, puis renoncer à ses privilèges royaux pour retrouver un sens à sa vie. Liberté d'Albert Serra s'affranchit d'emblée de toute question morale pour n'être qu'une succession de tableaux libertins vivants, filmés magnifiquement jusqu'à l’écœurement. Et pourtant on sent que le film n'est pas si éloigné du sujet, avec son hymne à la liberté de jouir de tout, y compris de l'humiliation et de la douleur.

Car, on le remarque finalement dans la plupart des films présentés cette année, la notion de choix est souvent moins une question de morale que de liberté. Celle d'être maître de son existence, de ne rien se laisser dicter, de vivre sa vie comme on l'entend, de s’affranchir des carcans. Un peu à part dans la sélection, Viendra le feu d'Oliver Laxe aborde en creux cette question de la liberté : une liberté qui peut sembler une soumission,mais qui est celle choisie et vécue par le personnage principal : vivre en harmonie avec la nature, et d'accepter son rôle au sein d'un tout qui le dépasse.

Les femmes au centre


On ne sait pas trop si cette omniprésence d'une quête de liberté, quelle que soit la forme qu'elle prend (aimer qui et comme on veut, s'habiller comme on veut, vivre comme on veut...), est la cause ou la conséquence du rôle central des femmes dans la sélection. Derrière la caméra, bien sûr, avec sept des dix-huit films sélectionnés réalisés par des femmes, mais aussi devant, avec plus des deux tiers présentant des personnages féminins de premier plan, et abordant des questions liées au droit des femmes (Papicha et ses extrémistes refusant aux femmes la liberté de s'habiller comme elles le souhaitent, Les Hirondelles de Kaboul dans lequel les femmes sont des êtres inférieurs interchangeables, La vie invisible d'Euridice Gusmao qui dresse un portrait glaçant du patriarcat triomphant...) ou tout simplement à leur vécu quotidien : harcèlement et même "droit de cuissage" dans Nina Wu, avortement dans La femme de mon frère, viols d'état dans Une Grande fille, maternité dans Adam...

Sans oublier les films qui abordent moins frontalement la question mais offrent de superbes personnages féminins. On pense évidemment à Chiara Mastroianni dans Chambre 212, femme moderne et libre qui suit ses désirs, notamment sexuels, et assume ses infidélités. Il y a aussi la jeune fille de Bull, fascinée par le rodéo jusqu'à souhaiter s'y exercer elle-même, ou encore l'épouse adultère de Once in Trubchevsk qui elle-aussi assume ses sentiments et refuse d'être soumise au bon vouloir d'un homme, sans oublier les libertines de Liberté, qui ont la pleine maîtrise de leur corps et de leur sexualité.

On a donc vécu une édition 2019 d'Un Certain regard peut-être en demi-teinte en terme de chocs cinématographiques, mais passionnante dans ce qu'elle dit du monde. Cette double prise de pouvoir par les réalisatrices et par les personnages féminins participe d'un mouvement général qui redonne la parole à la moitié de l'Humanité, et consacre les problématiques qui lui sont propres comme aussi dignes d'intérêt que les autres. On se réjouit, parmi ces 18 films, de compter dix premiers longs métrages (et même 11 si l'on compte Elé Gobbé-Mévellec qui est en duo avec Zabou Breitman) qui sont autant de promesses pour l'avenir. On attend donc avec impatience le jour où l'on ne se croira plus obligé de souligner la place des femmes dans les films cannois (le fait-on pour les hommes ?) parce qu'elle sera définitivement acquise.

Cannes 2019: désobéissance, violences, romances et déchéances en compétition

Posté par vincy, le 27 mai 2019

Il est temps de faire le bilan de ce 72e Festival de Cannes. Peu importante les récompenses ou même nos préférences, il s'agit de voir les tendances vers lesquelles les cinéastes ont voulu nous emmener cette année.

Dans une compétition finalement assez sombre, on remarque que les réalisateurs ont malgré tout choisi de nous donner un peu d'espoir ou, au minimum, emprunter au cinéma de genre les recettes du divertissement pour ne pas trop nous plomber. Car une chose est certaine: le monde tourne mal. Pas étonnant que mélancolie, amours contrariés, ou différentes addictions s'invitent dans ce tableau plus engagé que romanesque. Cela explique aussi pour quoi le cinéma de genre (avec parfois de surprenants artifices: ovnis, drones, plantes psychotropes, ...) a été formellement si utilisé, entre fiction du réel et anticipation des bouleversements.

Ultra-violence

Le sang a fusé à Cannes. Et les cadavres ne se comptaient plus à la fin du festival. Des zombies qui massacrent un bled normal de l'Amérique de Trump (The Dead d'on't Die), des gamins qui mettent le feu à leur banlieue (Les Misérables), des occidentaux un peu racistes qui s'apprêtent à "génocider" un village entier (Bacurau), une agression banale mais pas anodine (Sorry We Missed You), des crimes épouvantables pour sauver sa peau (Le lac des oies sauvages), un tir au pigeon sans pitié (Les siffleurs), une attaque, récidiviste, d'un gamin contre sa prof (Le jeune Ahmed), le final au lance-flamme d'un carnage annoncé (Once Upon a Time in Hollywood), la folie meurtrière des déclassés (Parasite), la série de meurtres et l'attentat terroriste de la Cosa Nostra (Le traître)...

Ce Festival n'était pas particulièrement bienveillant. Peu importe les motifs de tant de haine ou de sang versé, les cinéastes n'ont pas lésiné sur la violence. Décapitations (dans plusieurs films), coups de couteau, éventrement avec un parapluie, explosion d'autoroute, carnage canin, ... l'agressivité générale était palpable, comme pour mieux traduire le chaos qui nous entoure et la perte de repères qui nous envahit.

Avis de dépression

A ce monde sans pitié, s'ajoute un ennemi invisible mais omniprésent: le capital. Ce n'est pas le seul, mais celui-là est bien présent. D'ailleurs, le président du jury, Alejandro González Iñárritu, l'a bien indiqué: "le cinéma doit essayer d'élever la conscience sociale globale."

Pessimistes ou nihilistes, les réalisateurs en ont même souvent fait la cause majeure des dysfonctionnements de la société, des luttes de classes à la fracture sociale, de l'incapacité à vivre ensemble. C'est la métaphore des zombies dans un monde qui s'effondre (The Dead don't Die), l'impasse où s'affrontent flics et jeunes, dont le seul lien est la misère, dans une cage d'escalier (Les Misérables), l'exploitation économique révoltante des travailleurs (Sorry We Missed You), le franchissement de la ligne rouge hors de la loi (Le traitre, Le Lac des oies sauvages, Les siffleurs), l'affrontement idéologique entre deux populations antagonistes (Once Upon a Time in Hollywood, Une vie cachée), le radicalisme religieux contre l'esprit de tolérance (Le jeune Ahmed), la rage des femmes contre ceux qui ont poussé les hommes à fuir la pauvreté (Atlantique), la lutte quotidienne contre les petits délits qui pourrissent la vie dans une ville ultra-pauvre (Roubaix, une lumière), les inégalités sociales et le mépris de classe (Parasite, Bacurau). Qu'ils soient dans une précarité persistante ou dans l'envie d'avoir accès à des richesses, les personnages, cette année, étaient en colère ou prêts à tout pour avoir une part de richesses.

Et quand ils l'avaient, ils n'étaient pas forcément très heureux. Car l'autre versant de la compétition révélait une dépression psychologique. Ça ne va très fort dans la famille de Sorry we Missed You. Dans Little Joe, il faut une fleur génétiquement modifiée pour évacuer nos douleurs et névroses. Le cinéaste de Douleur et Gloire ne va pas très bien, au point de tester un autre paradis artificiel, l'héroïne. Il y a beaucoup de craquages de nerfs dans Le jeune Ahmed. La mort annoncée de la mère entraîne toute une famille dans un voyage où la déprime l'emporte dans Frankie. Que dire de cette star d'Hollywood désormais has-been qui se noie dans l'alcool (Once Upon a Time in Hollywood)? La psy Sibyl perd pieds et renoue aussi avec l'alcool parce qu'elle n'a pas digéré une vieille passion. Matthias et surtout Maxime errent également au bord du précipice psychologique par manque d'amour. Enfin, Elia Suleiman s'égare à Paris et New York, désespéré et ahuri par la situation en Palestine dans It must be Heaven, portrait d'un monde aliéné et sursécurisé.

Résistance

Mais un trait commun relie pas mal de ces films, et donc de ces situations volcaniques et de ces personnages rincés. Pour la plupart, ils résistent. Et cela donne souvent les meilleurs films de la compétition, même si certains échouent. Alors que ceux qui ne se battent pas (Sorry We Missed You, Le jeune Ahmed) courent à la catastrophe.

Les flics de The Dead don't Die ne s'avouent pas vaincus même si l'extra-terrestre préfère quitter la bataille, faute de sauvetage possible. Les deux camps dans Les Misérables s'affrontent jusqu'au dernier, quitte à s'autodétruire. Les femmes de Dakar font leur loi face au riche promoteur qui ne paye pas (Atlantique). Dans Little Joe, celle par qui la catastrophe arrive essaie de réparer les effets de sa monstrueuse fleur, ni bio ni éthique. Douleur et Gloire est davantage un acte de résistance personnelle: à la douleur, à la dépression et au déclin. Pas loin de Sibyl, même si elle semble plus vulnérable.

Que ce soient Les siffleurs, Le traître ou Le Lac des oies sauvages, les "héros", pas forcément des gentils, cherchent à survivre malgré leurs torts. Ils résistent à leur façon contre une justice corrompue, une mafia toute-puissante ou un Etat-policier impitoyable. On se bat contre son ennemi: le cancer (Frankie), les conventions (Portrait de la jeune fille en feu), les hippies illuminés (Once Upon a Time in Hollywood), les délinquants et menteurs (Roubaix, une lumière), la domination masculine (Mektoub My Love Intermezzo), les sociétés sécuritaires (It Must Be Heaven). On combat aussi pour accéder, par tous les moyens, à une vie meilleure même si on nous traite comme des cafards (Parasite).

Mais la plus belle bataille est sans doute du côté d'Une vie cachée et de Bacurau, où la résistance rime avec désobéissance civile. Chez Malick, elle emprunte la voie de la Foi, une élévation spirituelle d'un objecteur de conscience préférant se sacrifier plutôt que de se compromettre. Chez Mendonça Filho et Dornelles, c'est plutôt une désobéissance civile, à la Astérix, où tout un village est prêt à en découdre pour faire justice.

Romances et (im)pudeurs

Pour alléger tout ça, certains films tentaient la voie plus convenue de l'amour. Sous toutes ses formes. Pourtant, le sexe était assez absent. Pas la tête au cul semble-t-il. Hormis quelques plans suggérés dans Bacurau, les draps qui recouvrent les corps nus des deux amantes dans Portrait de la jeune fille en feu, un sicilien qui assume sa libido, sans montrer grand chose, dans Le Traitre, il n'y a eu que quatre moments où le sexe était visible ou palpable. Xavier Dolan s'offre ainsi un hommage à la scène de sexe de Titanic avec Matthias et Maxime, dans une buanderie. On ne voit pas grand chose puisque le couple s'arrête au moment d'arriver au slip mais on devine les triques. Trop de pudeur. On préfèrera l'enlacement sensuel du couple de riches dans Parasite, assumant parfaitement une sexualité hédoniste sans pénétration, mais non dénuée de fantasmes. Dans Les Siffleurs, la femme fatale simule un scène de sexe assez classique avec un flic. Beau déhanché. Mais fake. Virginie Efira (Sibyl) se donne davantage à Niels Schneider en exposant son sexe, doigté par l'amant, puis à cheval sur lui devant un feu de cheminée. De l'érotique soft. Tellement soft que pour une fois Gaspard Ulliel ne montre que son bassin moulé dans un boxer de bain. Finalement, il ne reste que le quart d'heure de cunnilingus dans Mektoub My Love: Intermezzo. Le kamasutra y passe. Bon pour Pornhub ou presque puisque le docile lécheur, bien soumis, et qui ne semble pas la faire jouir malgré son acharnement, ouvre à peine son jean's et ne paraît même pas bander.

Mais cela ne manquait pas de romances et même de bromances (Tarantino, Dolan), gays, lesbiennes, hétéros, bisexuelles. Cependant, une fois les 21 films vus, on note que tous les amours sont contrariés, n'aboutissent pas ou finissent en lambeaux. Dans Atlantique, le petit ami s'exile. Dans Sorry We Missed You, le mari fuit vers sa perte. Dans Little Joe, le couple Emily Beecham-Ben Whishaw ne conclue pas. Dans Douleur et Gloire, le réalisateur ne fait que ressasser ses amants passés et vit seul. Son grand amour - sa mère - est ce qui le maintient à flot. Dans Le Lac aux oies sauvages, l'homme traqué court à sa perte, laissant sa femme et sa maîtresse à quai. Avec Portrait de la jeune fille en feu, les deux femmes vivent une passion étincelante mais sans issue. Côté Frankie, les couples se défont, parce qu'ils ne partagent pas les mêmes intérêts ou parce que la mort est au bout du chemin. La mort est aussi la faucheuse idéale pour séparer des couples unis et amoureux dans Parasite. On ne sait pas trop ce qu'il adviendra de Matthias et Maxime, qui traversent le film profondément ébranlés par leur baiser, mais une chose est certaine: Matthias devra faire un choix entre sa femme ou son ami. Chez Kechiche, tous les personnages de Mektoub My Love: Intermezzo s'interrogent sur la sincérité de leurs sentiments. Dans Sibyl, ce n'est qu'adultère, passion impossible, séparation attendue et finalement amours trahis.

Il reste malgré tout l'histoire d'amour inattendue dans Les siffleurs. La seule fin réellement positive de tout ce festival. Puisque dans Une vie cachée, le choix du mari, accepté par l'épouse, est fatal. C'était pourtant le grand et beau couple de cinéma de ce Festival.

Miroir

La compétition cannoise a donc reflété un état du monde ébranlé et un portrait de gens déstabilisés, quand ils n'étaient pas déséquilibrés. Les cinéastes ont pour cela puisé dans l'imaginaire inspiré du réel, et même de leur propre vie. Autofiction ou mise en abyme de leur réalité. Douleur et gloire en est la quintessence mais ce n'est pas le seul puisqu'on pourrait citer Portrait de la jeune fille en feu (autoportrait déguisé), Once Upon a Time in Hollywood (nostalgie narcissique assumée), Frankie (univers personnel revendiqué), Mektoub My Love: Intermezzo (jeunesse et obsessions revisitées) et It Must Be Heaven (autobiographie transformée). On peut même aller plus loin avec la cité des Bosquets de Ladj Ly (Les misérables), le Montréal de Dolan (qui se met en scène) dans Matthias et Maxime, la ville de Desplechin dans Roubaix une lumière, ou le Nordeste de Mendonça Filho dans Bacurau.

A Cannes, on voyage toujours. Cette année ce fut une exploration de l'intimité des cinéastes et une aventure sociologique de ce qu'ils ont observé. De la douleur et aucune gloire. Un paradis qui a les allures de l'enfer. Des misérables et des traîtres. Même s'il y a un peu de lumière au bout des tunnels, on revient du festival avec le sentiment que la planète est en feu.

Cannes 2019: le Festival, décor de cinoche, et pas que chez Les Nuls

Posté par vincy, le 21 mai 2019

Avec ou sans festival, il sont nombreux les films a avoir pris la Croisette comme décor. L’enfilade d’hôtels et de palmiers sous le ciel azur de la riviera, tout comme Nice, est un parfait arrière-plan glamour, pour un thriller, une « romcom » ou une parodie.

Pour les 25 ans de La Cité de la peur, d’Alain Berbérian, hit culte avec Les Nuls (Chabat, Lauby, Farrugia et toute une bande de guests), Cannes Classics a projeté le 16 mai, le film restauré en 4K, en présence des trois Nuls, sur le Cinéma de la Plage.

Entre les cons de mimes sur la Croisette, la scène du Palais où on danse la Carioca, l’attachée de presse dépassée par « toutes ses pressions », la sous-préfète accro aux marches et aux flashs, et les salles miteuses du marché où l’on passe des séries Z : tout y passe. Le Festival de Cannes est parodié pour notre plus grand plaisir (ne vomissez pas Simon).

Le Festival, en 25 ans, a bien changé. Sauf peut-être pour les attachés de presse (mais ce n’est pas une raison pour les jeter du taxi).

Paradoxalement les films qu’il inspire sont tous sauf « cannois » : des films de genre, souvent violents, ou des farces. Il y a une exception, la plus récente : La Caméra de Claire de Hong Sang-soo, avec Isabelle Huppert et Kim Min-hee. Le cinéaste sud-coréen filme une rencontre entre une productrice de cinéma et une photographe française, dans l’envers du décor du festival. Le film a été tourné pendant le Festival, alors qu’Huppert présentait Elle de Paul Verhoeven, et a été sélectionné en séances spéciales.

Sinon, c’est souvent Hollywood qui a fantasmé le festival. En 2002, Brian de Palma filme les toilettes du Palais pour une scène torride de Femme fatale, lors de l’avant-première d’un film de Régis Wargnier. Dans Panique à Hollywood (2008), un réalisateur (Robert de Niro) doit changer la fin de son film sur ordre de sa productrice. S’il ne s’exécute pas, son film n’ira pas en compétition. Le Festival, enfer ou sacralisation ? Souvent le Festival est anecdotique, et ne fait qu’illustrer le couronnement d’un personnage.

Bien plus loin dans le temps, en 1979, dans Un scandale presque parfait, c’est un jeune cinéaste (Keith Carradine), un producteur italien (Taf Vallone) et son épouse (Monica Vitti) qui jouent un triangle amoureux lors d’un Festival, qui, ici, sert de prétexte. A la même époque, en 1978, c’est une prise d’otage qui interrompt une projection d’un film en compétition : Evening in Byzantium, avec Glenn Ford et Patrick Macnee, est un navet. En 1982, Les Frénétiques (The Last Horror Film), de David Winters est aussi un avant-goût du film des Nuls, entre épouvante et comédie. Cette fois on est dans la peau d’un fan, un chauffeur de taxi new yorkais cinéphile qui veut devenir cinéaste, et cherche à embaucher une actrice qui est à Cannes. Cette série B a été tournée durant le festival de 1982, avec Isabelle Adjani, Kris Kirstofferson et Marcello Mastroianni croisés à l’image.

Cannes reste malgré tout une affaire de rire. Avec Les vacances de Mister Bean en 2007 (Gilles Jacob donna les autorisations en grand fan de Rowan Atkinson) ou Les vacances de Noël (en 2005), faux docu tourné lors du Festival 2004, sur l’entarteur Noël Godin. On peut aussi citer Cannes Man, en 1996, une comédie avec un producteur pourri, où John Malkovich, Dennis Hopper, Benicio del Roro, Chris Penn, Johnny Depp, Jim Jarmusch, Bryan Singer, et Menahem Golan apparaissent à l’écran.

Mais finissons sur un pastiche français, et primé pour son scénario à Cannes : Grosse fatigue de Michel Blanc, qui fait une incartade au Festival puisque le sosie du « Bronzé » s’incruste dans la suite de Depardieu (clin d’œil : Blanc a été primé à Cannes pour son interprétation dans Tenue de soirée, avec Depardieu). L’acteur, à cause de son double maléfique, est accusé d’avoir violé Josiane Balasko, Charlotte Gainsbourg er Mathilda May. Un goujat à Cannes qui rappelle finalement un autre film, bien réel : les frasques d’Harvey Weinstein sur la Croisette. Parfois la fiction a un temps d’avance sur la réalité.

Maintenant, vous pouvez quitter votre écran et selon l’heure, prendre un doigt de whisky, des gencives de porc ou un chewing-gum en revoyant La Cité de la peur, qu’on peut revoir mille fois avec mille personnes… non, on peut le voir une fois avec mille personnes, mais on ne peut pas le revoir mille fois avec mille personnes. Non, on peut le voir une fois avec mille personne mais on ne peut pas le revoir mille fois avec une personne. Bref il ne peut rien vous arriver d’affreux à Cannes après avoir vu tous ces films. Sauf si vous êtes projectionniste.

Cannes 2019 : 12 films d’animation qui ont marqué le festival

Posté par MpM, le 18 mai 2019

Concernant l'animation sur la Croisette, comme l'expliquait Mickaël Marin, directeur du festival d'Annecy dans notre dossier sur la place de Cannes, voir le verre à moitié vide ou à moitié plein est une question de perspective. Par le passé, le cinéma d'animation a pu parfois sembler un peu oublié, voire exclu. Pourtant, il a toujours eu sa place sur la croisette, ne serait-ce que dans les sélections de court métrage. Dix-huit courts animés ont ainsi gagné une Palme d'or, de Blinkity Blank de Norman Mc Laren (1955) à La traversée de l'Atlantique à la rame de Jean-François Laguionie (1978), en passant par Balablok de Bretislav Pojar (1973) ou Fioritures de Gary Bardine (1988).

Depuis plusieurs années, une nouvelle dynamique semble également s'être mise en place pour le long métrage d'animation, qui a eu les honneurs de l'ouverture de la sélection officielle, de la compétition et bien sûr de Cannes Classics ou des sections parallèles. Les films présentés cette année sont au nombre de quatre : La fameuse invasion des ours en Sicile de Lorenzo Mattotti (Un Certain Regard), Les Hirondelles de Kaboul de Zabou Breitman et Eléa Gobbé-Mévellec  (Un Certain Regard), J'ai perdu mon corps de Jérémy Clapin (Semaine de la Critique) et Le serpent blanc de Taiji Yabushita (Cannes Classic).

Par ailleurs, dans son souhait de renforcer la présence de l’animation sur la Croisette, le Marché du Film de Cannes a décidé de s'associer avec Annecy pour créer Animation Day, une journée entière dédiée à l'animation, dans laquelle s'intègre désormais l'événement "Annecy goes to Cannes" lancé en 2016. Ce dimanche 19 mai, le cinéma d'animation sera donc à la fête avec la présentation de cinq long métrages en work in progress qui auront ainsi l'opportunité de se faire connaitre par les nombreux professionnels réunis à Cannes (distributeurs, investisseurs, agents de vente). Les heureux élus sont : Dragonkeeper de Ignacio Ferreras et Jian-Ping Li, Archipel de Félix Dufour-Laperrière, Samsam de Tanguy de Kermel, Bob Crache – Nous n’aimons pas les gens de Cesar Cabral et Yakari de Xavier Giacometti. Suivra ensuite une table ronde autour de l'animation adulte : Quelles stratégies jusqu’à la salle pour les longs métrages d’animation "adultes" ?

A l'occasion de cette journée consacrée à l'animation, retour sur douze longs métrages animés qui ont marqué le Festival de Cannes.

Peter Pan de Clyde Geronimi, Hamilton Luske et Wilfried Jackson


Walt Disney lui-même accompagna Peter Pan sur la Croisette en 1953. Présenté en compétition, le film est le 18e long métrage d'animation des studios Disney. Adapté de la pièce de J. M. Barrie créée en 1904, il raconte le voyage au Pays imaginaire de Wendy, Michel et Jean, trois enfants guidés dans cet univers fantastique par Peter Pan et la fée Clochette. Ils y rencontrent le terrible Capitaine Crochet, mais aussi les garçons perdus, et vivent toutes sortes d'aventures extraordinaires. Considéré par beaucoup comme l'un des chefs d'oeuvre des studios, c'est incontestablement l'un des grands classiques du cinéma d'animation familial.

La planète sauvage de René Laloux


Présenté en compétition en 1973, La planète sauvage est le premier long métrage de René Laloux, adaptation (libre) du roman Oms en série de Stefan Wul, co-écrit avec Roland Topor, dont les dessins ont servi de bases pour la fabrication des images. Sur la planète Ygam, les Draags, une espèce d'humanoïdes bleus aux yeux rouges mesurant douze mètres de haut, pourchassent et exterminent une autre espèce, les Oms, perçus au mieux comme des animaux de compagnie, au pire comme des créatures nuisibles. Dans un univers surréaliste, tantôt onirique, tantôt cauchemardesque, cette planète pleine de surprises nous tend un miroir souvent dérangeant, et nous interroge sur nos propres pratiques face aux espèces que nous ne jugeons pas aussi évoluées que nous. Le film, envoûtant et curieux, fut l'un des tout premiers longs métrages d'animation destiné à un public adulte. Malicieuse fable écologique avant l'heure, il fit grande impression à Cannes et repartit auréolé d'un prix spécial du jury présidé par Ingrid Bergman.

Shrek d'Andrew Adamson et Vicky Jenson


On l'oublie parfois, mais Shrek, l'ogre vert et bougon de Dreamworks a été en compétition à Cannes. Deux fois, même, en 2001 et avec son deuxième volet en 2004. On ne présente plus ce personnage misanthrope qui voit son beau marais boueux envahi par des créatures de conte de fées qui ont été expulsées de leur royaume par le tyrannique Lord Farquaad. Irrévérencieux, hilarant et irrésistible, le film se moque de Disney, dynamite les contes de notre enfance, et détourne tous les codes du genre. Un pur divertissement qui a enchanté par deux fois les spectateurs du Théâtre Lumière.

Innocence : Ghost in the shell de Mamoru Oshii


Suite du film culte Ghost in the shell sorti en 1995 (et adapté du manga du même nom de Shirow Masamune), Innocence a eu les honneurs de la compétition en 2004, soit en même temps que le 2e volet de Shrek. Une situation qui ne s'est pas reproduite depuis, et dont on se demande parfois si elle est encore possible. Toujours est-il qu'inviter le cinéma complexe et visuellement éblouissant de Mamoru Oshii dans la course à la palme d'or fut à l'époque une manière élégante de mettre sur un pied d'égalité prise de vue réelle et animation, et surtout de rendre hommage à la beauté de l'animation japonaise d'anticipation. Innocence, véritable réflexion sur l'Humanité et son avenir, est l'une des incursions les plus marquantes du Cyberpunk sur le tapis rouge cannois.

Persépolis de Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud


Adapté des romans graphiques de Marjane Satrapi, Persépolis est une plongée dans l'Iran de la fin des années 70. Avec humour et justesse, la dessinatrice-réalisatrice y raconte son enfance puis son adolescence à Téhéran, avant, pendant et après la Révolution. Dans un style graphique très dépouillé, tout en noir et blanc, fort d'un casting voix impressionnant (Catherine Deneuve, Danielle Darrieux, Chiara Mastroianni), le film repartira de la compétition cannoise 2007 avec un prix du jury, et rencontrera un énorme succès critique et public. Douze ans plus tard, il reste un exemple à suivre, voire un eldorado inatteignable, pour le long métrage d'animation pour adultes.

Valse avec Bashir de Ari Folman


En 2008, les festivaliers médusés découvrent un film mi-documentaire, mi-fiction, qui s'inspire de témoignages réels et d'un montage de 90 minutes d'images tournées en vidéo. Il aborde l'histoire personnelle du réalisateur qui a participé à l'opération israélienne au Liban "Paix en Galilée" pendant son service militaire. Peu à peu, des souvenirs de son implication dans le massacre de Sabra et Chatila remontent à la surface... Valse avec Bashir marque ainsi un jalon dans l'histoire du cinéma d'animation, à la fois parce qu'il est l'un des premiers documentaires animés découverts par le grand public, mais aussi par son sujet, et par son retentissement.

La tortue rouge de Michael Dudok de Wit


Première collaboration des studios Ghibli avec une production européenne animée, La Tortue rouge est un conte minimaliste sans dialogue, au dessin épuré, qui raconte l'existence d'un naufragé sur une île déserte. Présenté à Un Certain regard en 2016, c'est une parabole poétique, parfois un peu trop "mignonne", mais aux accents charmants, qui séduit par ses couleurs pastels chaudes et la simplicité de son récit.

Ma vie de courgette de Claude Barras


Sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs en 2016, Ma vie de courgette est l'adaptation en stop-motion, avec des marionnettes, du roman Autobiographie d’une courgette de Gilles Paris. Un drôle de film tendre et joyeux malgré son sujet, la vie d'un petit garçon qui se retrouve placé dans un foyer pour enfants après la mort accidentelle de sa mère. Entre complicité et mélancolie, amitié et résilience, le récit parvient à nous émouvoir tout en nous faisant rire, quand ce n'est pas l'inverse. Toujours avec une forme de simplicité qui permet d'aborder les sujets les plus graves sans jamais perdre le jeune public.

La jeune fille sans mains de Sébastien Laudenbach


2016 fut définitivement une grande année d'animation sur la Croisette, puisqu'on y découvrait aussi le premier long métrage de Sébastien Laudenbach, connu pour ses courts. Réalisé dans une grande économie de moyens, avec une animation esquissée qui assume d'être inachevée, le film qui fit l'ouverture de l'ACID est adapté d'un conte de Grimm, dans lequel un meunier vend son plus bel arbre ainsi que sa fille au diable en échange d'une richesse éternelle. Vendue et mutilée, la jeune fille s'enfuit, s'émancipe des hommes, et commence ainsi un parcours initiatique destiné à la libérer de toutes ses entraves. Un conte à la fois édifiant, poétique et follement libre, dans son propos, sa tonalité et son esthétique.

Là-haut de Pete Docter et Bob Peterson


En 2009, c'est un film d'animation en 3D qui faisait l'ouverture du festival. Là-haut, issu des studios Pixar, est un merveilleux récit d'aventures et de transmission qui nous emmène de la tristesse d'un maison de retraite à la jungle amazonienne en Amérique du Sud. On y suit Karl, un vieil homme de 78 ans bougon et solitaire, s'envoler littéralement pour le voyage de sa vie, emmenant sans le savoir Russell, un scout de neuf ans. Evidemment, ces deux-là devront apprendre à se connaître et à s'apprécier, tout en déjouant les plans machiavéliques d'un autre explorateur. Gai, irrévérencieux et profondément humain, c'est probablement l'un des rares films d'ouverture cannois à avoir allié aussi brillamment le pur divertissement et le cinéma d'auteur.

Vice-versa de Pete Docter, Ronaldo Del Carmen


En 2015, Cannes présente Vice-Versa en séance hors compétition... et s'entend dire par certains journalistes facétieux qu'il s'agit du meilleur film du festival et qu'il méritait la Palme. Et pourquoi le dernier-né des studios Pixar n'aurait-il pas mérité une place en compétition ? Drôle et malin, divertissant et fantasque, et surtout singulier et audacieux, il met en effet en scène un "quartier général" qui régit les humeurs et les réactions de la petite Riley, 11 ans. Formé par cinq émotions complémentaires (la colère, la peur, la joie, le dégoût et la tristesse), ce centre de contrôle aide la fillette à mener une vie heureuse et paisible, jusqu'au jour où Joie et Tristesse se perdent accidentellement dans les recoins les plus éloignés de sa mémoire... plongeant le spectateur dans une longue suite d'aventures cocasses, entre pur divertissement et tentation psychologique d'analyser nos comportements par le biais d'un trop plein d'émotions.

Teheran tabou d'Ali Soozandeh


En compétition à la Semaine de la Critique en 2017, ce premier long métrage du réalisateur d'origine iranienne Ali Soozandeh confirme la propension du cinéma d'animation à s'emparer de questions politiques ou sociales sensibles, voire taboues, en mettant en scène trois femmes et un jeune musicien dans la ville de Téhéran. Tous les quatre cherchent à leur manière un moyen de s'émanciper d'une société iranienne corsetée par la morale et gangrenée par l'hypocrisie. Utilisant le procédé de la rotoscopie, qui consiste à filmer des acteurs, puis à les redessiner et à les intégrer dans des décors peints, le réalisateur propose un pamphlet politique virulent et d'une extrême noirceur, qui trouve parfois ses limites, mais n'en demeure pas moins un portrait saisissant et singulier de l'Iran contemporain.

Cannes 2019 : Qui est Maud Wyler ?

Posté par MpM, le 18 mai 2019

Maud Wyler a eu très tôt, à cinq ans, la vocation de comédienne. En grandissant, elle apparaît donc dans quelques spots publicitaires et conserve intact son désir de jouer. En 2005, elle intègre ainsi le Studio-théâtre d’Asnières, avant de rejoindre le Conservatoire national supérieur d’Art dramatique dont elle sortira en 2008. On la voit beaucoup au théâtre, notamment dans Mademoiselle Julie de Strindberg, ou Cyrano de Bergerac d'après Edmond Rostand, et dans quelques courts métrages signés Agathe Riedinger ou Jean-Baptiste Saurel.

Son premier long métrage, Vertige d’Abel Ferry, est un film d’horreur en pleine montagne, aux côtés de Johan Libéreau et Fanny Valette. Suivent La brindille d’Emmanuelle Millet (avec Christa Théret) et Louise Wimmer de Cyril Mennegun, dans lequel elle incarne la fille du personnage principal, puis La mer à boire de Jacques Maillot et Low Life de Nicolas Klotz et Élisabeth Perceval (2012).

C’est justement en la voyant dans Louise Wimmer et Low life que le réalisateur Sébastien Betbeder la remarque et lui confie le rôle féminin principal de Deux automnes, trois hivers dans lequel son talent dans le domaine du drame comme de la comédie ne laisse plus aucun doute. On aime sa fausse fragilité, sa fantaisie à fleur de peau, son regard profond et intrigant.

On la revoit alors régulièrement sur grand écran, chez Benoit Jacquot (Journal d’une femme de chambre, 2015), Laurent Tuel (Le Combat ordinaire, 2015), Nobuhiro Suwa (Le Lion est mort ce soir, 2017), Fabrice Gobert (K.O., 2017)... En parallèle, elle continue sa carrière au théâtre (en 2017 elle est dans Notre Faust, saison 2 de Robert Cantarella au Théâtre des Amandiers). Le cinéma a de plus en plus de mal de se passer d’elle, et rien qu’en ce début d’année, on l’aura vue dans L’ordre des médecins de David Roux, où elle est la sœur de Jérémie Rénier, et dans La Lutte des classes, toujours à l'affiche, où elle joue une avocate jalouse de sa consœur Leïla Bekhti. Prochainement, elle sera même Marie-Antoinette pour la télévision (Ils ont jugé la Reine d’Alain Brunard).

Mais d’ici là, on a le bonheur de la retrouver deux fois à Cannes, deux fois à la Quinzaine des réalisateurs. Tout d’abord dans Alice et le Maire de Nicolas Pariser, dans lequel elle incarne une artiste torturée, obsédée par la fin du monde. Un rôle à la fois dramatique et comique, entre lucidité terrible sur le temps, et folie lunaire. Mais elle sera surtout le personnage féminin principal dans Perdrix d’Erwan Le Duc, le premier long métrage du réalisateur.

Leur première collaboration remonte en 2013, pour le court métrage Jamais, Jamais. Ils se sont ensuite retrouvés pour Miaou miaou fourrure (2015) et Le Soldat vierge (présenté à la Semaine de la Critique en 2016). Dans Perdrix, la comédienne est l’insaisissable Juliette Webb qui chamboule l’existence trop rangée de Pierre Perdrix (Swann Arlaud) et de sa famille (Fanny Ardant, Nicolas Maury). On l’imagine parfaite en tornade incontrôlable, drôle et légère, en diapason avec l’univers singulier d’Erwan Le Duc.

On aurait envie d’écrire que le cinéma ne confie pas assez de rôles à Maud Wyler, mais ce serait nier le désir de la comédienne de construire les choses sur la longueur, en s’offrant la liberté de choisir soigneusement ses personnages. Rare, peut-être, bien que cela soit de moins en moins vrai, mais au fond plus présente, plus singulière, plus intense.

Cannes 2019 : Il était une fois… Etre vivant et le savoir, reflet d’un film qui n’a pas pu être tourné

Posté par MpM, le 16 mai 2019

C’est forcément avec une émotion particulière que l’on s’apprête à découvrir Etre vivant et le savoir, le nouveau film d’Alain Cavalier présenté en séance spéciale lors de cette édition 2019 du Festival de Cannes. Pour sa sixième sélection sur la Croisette (trois fois en compétition et deux fois à Un Certain Regard), le réalisateur propose en effet un film qui n’aurait jamais dû voir le jour, mais qui remplace à sa manière celui qui n’a jamais pu être tourné.

En 2013, la romancière et scénariste Emmanuèle Bernheim publie Tout s’est bien passé, dans lequel elle raconte le suicide assisté de son père, le collectionneur d'art André Bernheim, qui avait choisi de mourir après qu’un accident vasculaire cérébral l'avait laissé diminué. Alain Cavalier, avec lequel elle partage alors une amitié de près de trente ans, décide d’adapter le livre en film, et d’interpréter lui-même ce père disparu qui avait, au moment de sa mort, exactement son âge. Il propose à l’auteure de jouer son propre rôle, à ses côtés. D'abord réticente, elle finit par se prendre au jeu. "L’acceptation vient avec le plaisir du travail", explique Alain Cavalier. "Adapter tous les deux son livre, choisir ceux qui vont nous accompagner."

Le projet, malheureusement, ne verra jamais le jour. Un matin d’hiver, Emmanuèle Bernheim appelle Alain Cavalier et lui annonce que "le tournage devra être retardé jusqu’au printemps. Elle va être opérée d’urgence." Ainsi le film ne se fera pas. En tout cas pas sous la forme qu’ils avaient imaginée ensemble. Car hors de question pour le cinéaste de laisser mourir son amie une seconde fois. Il reprend le projet, retravaille des images de son fameux journal vidéo, témoin à sa façon de leur amitié, et ajoute de nouvelles séquences.

Une nouvelle fois, il se fixe comme mission d’empêcher les êtres disparus de disparaître tout à fait, en les évoquant intensément par le biais des images et du souvenir filmé. "Je souhaite aboutir à un récit aussi fort que celui préparé par Emmanuèle et moi" explique-t-il. "Nos joies et nos peines ont la présence vitale d’avoir été enregistrées en direct. Mon acceptation de l’ordre des choses, affermie par le courage d’Emmanuèle et de son père, éclaire d’une lumière apaisante ce que je propose au spectateur."

Ce que l’on découvrira sur grand écran à Cannes, puis dans les salles de cinéma à partir du 5 juin, ne sera ainsi pas tout à fait un hommage, pas tout à fait une adaptation, pas tout à fait un récit intime, pas tout à fait une conjuration de la mort, mais un peu tout cela à la fois.

Cannes 2019 : 3 questions à Alaa Eddine Aljem, réalisateur du Miracle du saint inconnu

Posté par MpM, le 15 mai 2019

Alaa Eddine Aljem est un réalisateur marocain qui a étudié le cinéma à Marrakech et à Bruxelles, avant de réaliser plusieurs courts métrages. Son premier long, Le miracle du saint inconnu, est sélectionné en compétition à la Semaine de la Critique. Il raconte la vie d'un petit village perdu dans le désert, où se dresse le mausolée d'un Saint inconnu. Toute une galerie de personnages hauts en couleurs s'y croisent, d'un voleur cherchant à retrouver son argent caché dans la tombe du prétendu Saint à un gardien préférant son chien à son fils, en passant par un docteur qui n'a guère que de l'aspirine pour soigner ses patients, dressant un portrait cocasse et absurde du Maroc et de l'Humanité en général.

Ecran Noir : Quelle est la genèse du film ?
Alaa Eddine Aljem : C'est un film burlesque, une comédie absurde, dont j'avais l'idée depuis longtemps. Il y a une continuité avec les courts que je faisais avant, c'est-à-dire que je pars d'une situation absurde et que je cherche à l'exploiter à la fois dans son potentiel dramatique et comique. Ce n'est jamais de la grande comédie, mais c'est quelque chose qui fait sourire. Pour le long métrage, c'est un peu la même chose. Le point de départ, c'est donc ce voleur qui vole de l'argent et qui l'enterre, et qui à sa sortie de prison s'aperçoit qu'on a construit un marabout autour et qu'on pense qu'un saint est enterré là. Il s'installe dans un village qui s'est construit autour de ce mausolée et cherche à récupérer son argent. A chaque fois, il se retrouve dans des situations absurdes qui le mettent en interaction avec les habitants de ce village. Le point de départ, c'était à la fois ces situations, et des images de mon enfance. Ma mère vient du sud du pays, et je voyageais souvent avec elle quand j'étais petit, et ces paysages arides et désertiques me reviennent souvent en tête et sont souvent dans mes films.

EN : Quelle vision aviez-vous envie de donner du Maroc en faisant ce film ?
AEA : Il n'y a pas spécialement un message à délivrer sur le Maroc. C'est plus un constat, une observation. Il s'agit d'une micro-société qui est en mouvement, à la croisée des chemins entre le traditionnel et le moderne. Une société qui doit changer de mode de vie, et où la route et la modernité arrivent, et qui en même temps vit de ses vieilles croyances parce que c'est son seul gagne-pain. Le Maroc est un pays qui est en mouvement. On a atteint un point sensible entre tradition et modernité, et même entre croyance et matière, entre le règne d'un roi qui était jeune quand il est arrivé au trône, qui a apporté un nouveau souffle, et qui aujourd'hui n'est plus si jeune que ça. Il y a besoin d'autre chose, d'un nouveau projet national. J'ai des amis qui détestent le foot et qui priaient pour qu'on ait l'organisation de la Coupe du Monde, juste pour qu'on ait un événement national, quelque chose auquel on puisse croire, qui nous fasse aller de l'avant. Et dans le film c'est exactement ça. Un groupe d'individus qui ont besoin de croire en quelque chose ensemble pour aller de l'avant. C'est un besoin qu'on a tous. Ce n'est pas un film pour dire que telle croyance est bien ou pas bien. C'est plus une manière d'observer un changement, et comment il se reflète chez l'humain.

EN : Quels ont été vos choix de mise en scène pour le film ?
AEA : Dans tous les courts que j'ai fait, il y a une sorte de continuité dans la mesure où je n'ai jamais aimé les mouvements de caméra, je ne sais pas pourquoi. Donc ça a toujours été caméra sur pied et fixe, sans aucun mouvement. Je ne sais pas si c'est l'âge, mais je deviens de moins en moins sensible à certaines focales. J'ai tourné tout le film entre le 35mm et le 50mm, et un tout petit peu le 20mm. Tous les outils de la cinématographie se réduisent, je n'en garde que le strict minimum : une caméra, un pied, trois objectifs. J'aime beaucoup fragmenter les espaces et avoir comme des tableaux avec les personnages qui se déplacent d'un cadre à l'autre. Et souvent, dans les espaces, c'est les mêmes cadres et les mêmes axes, c'est juste monté différemment. Quelqu'un se lève et rentre dans 'autre cadre pour s'assoir. J'aime beaucoup les films japonais, l'esthétique de Ozu, j'aime cette rigidité qu'il y a dedans. Et même culturellement, je trouve qu'il y a quelque chose d'assez proche. Dans les décors marocains, on n'a pas de plan-tatami, mais on a des assises assez basses nous aussi, on a une position de caméra assez similaire.

J'ai aussi un côté assez maniaque sur le découpage, sur la préparation. J'ai besoin que tout soit prêt avant le tournage. Donc avec le chef opérateur, on a fait tout le film plan par plan en photos avant de commencer à tourner. On a pris 821 photos, avec des doublures sur tous les décors. Et des fois on cherchait, on faisait 25 photos avec différentes focales... En plus ce désert où on a tourné, il est habité aujourd'hui. Il y a des routes, des poteaux électriques, des quads, et du coup si on tourne un tout petit peu la caméra, on voit plein de choses dans le cadre ! Il a aussi fallu inventer tous les lieux, car rien n'existait : le mausolée, la colline... Donc j'ai tout préparé avant, méticuleusement. J'aime que tout soit bien préparé. Mais une fois sur le tournage, je ne regarde rien. J'ai tout dans la tête.