Jason Reitman annonce la suite de S.O.S. Fantômes avec un court teaser

Posté par vincy, le 19 janvier 2019


Après le beau Tully et le très bon The Front Runner, actuellement à l'affiche, Jason Reitman quitte le terrain du drame humain où la dérision n'est jamais très loin, pour le blockbuster hollywoodien. C'est une première. Le cinéaste derrière Up in the Air et Juno a travaillé en secret sur un troisième épisode de Ghostbusters (S.O.S. Fantômes). Le teaser est sorti pour l'annoncer avec une sortie à l'été 2020.

Les deux premiers épisodes, sorti en 1984 et 1989, ont récolté respectivement 242M$ et 112M$ en Amérique du nord, l'équivalent aujourd'hui de 600M$ et 250M$. En France les deux films ont attiré 3 millions de spectateurs pour le premier, 2,1 de spectateurs pour le deuxième. Un troisième opus a été lancé en 2016, avec un casting entièrement féminin. Réalisé par Paul Feig, il a récolté 230M$ dans le monde.

Les deux premiers films ont été réalisé par Ivan Reitman, roi de la comédie américaine dans les années 1980 et 1990, et père de Jason Reitman, qui lui a préféré les histoires farfelue, satirique ou dramatique de la classe moyenne américaine. Ivan Reitman, 72 ans, qui n'a rien tourné depuis 5 ans, produira le film, occupé actuellement sur deux autres projets.

Une suite, pas un reboot

Le cinéaste revient donc dans les pas de son père en co-scénarisant et réalisant un troisième film. Il avait 6 ans quand il déambulait sur les plateaux de tournage du premier. Et il jouait un petit garçon dans le deuxième. Ce ne sera pas un reboot mais bien une suite, qui se déroule de nos jours. Sony distribuera ce film, dont le tournage doit commencer à la fin du printemps. Une chose est certaine, Harols Ramis, scénariste et acteur des deux premiers films, ne sera plus là, décédé il y a cinq ans.

On ignore si Sigourney Weaver, Bill Murray, Dan Aykroyd et Ernie Hudson feront un caméo ou auront une véritable participation au récit. Jason Reitman a décidé d'en dévoiler le moins possible, tout comme l'autre scénariste, Gil Kenan (Monster House).

Parallèlement, Sony développe une version animée de S.O.S. Fantômes, qui ne sortira pas avant 2021, développant ainsi un univers qui permet au studio de moins dépendre de ses autres franchises (Spider-Man, Jumanji, Men in Black) après avoir perdu James Bond.

Bilan 2018: Hollywood et la Chine dominent le box office mondial

Posté par vincy, le 11 janvier 2019

Malgré Netflix, le piratage, le mondial de foot, les séries ici et ailleurs, le prix du ticket en hausse, le pouvoir d'achat en berne ou, dans certains pays, des mouvements sociaux et des troubles politiques, le cinéma (en salles) reste un produit culturel très attractif et populaire. rance, usa, chine, japon, royaume uni...

La France s'en sort plutôt bien avec 200,5 millions d'entrées en 2018. La fréquentation est en recul de 4,3% mais reste au dessus des 200 millions de spectateurs, ce qui en fait, toujours, le plus gros marché cinématographique européen, devant le Royaume Uni. Le cinéma français s'en sort bien avec 39,3% des entrées et deux films nationaux - Les Tuche 3, La famille Ch'ti - dans le Top 3, au dessus des 5 millions de spectateurs. Avec les cartons du Grand bain, d'Astérix - le secret de la potion magique et de Taxi 5, le cinéma hexagonal continue d'être plébiscité face à une concurrence hollywoodienne féroce. Au total 39 films (dont 11 Français) ont passé le cap du million d'entrées (contre 55 en 2017), confirmant une concentration sur quelques gros films.

L'Allemagne a en revanche vu son box office plonger de 15,5%, avec seulement 95,8 millions de spectateurs. Les films allemands ont séduit 22,9% des spectateurs et aucun n'est classé dans le Top 10. Plus frappant, le marché allemand, alors qu'il s'agit du pays le plus peuplé d'Europe, passe derrière le marché espagnol. Avec une légère baisse de 2%, le box office en Espagne a atteint 97,7 millions de billets vendus d(ont 17,5% pour des films espagnols). Côté Italie, c'est la grande dépression. 2018 a été la pire année depuis une décennie avec 86 millions de tickets vendus. La part de marché des films italiens (dont là aussi aucun ne se classe dans les 10 films les plus vus) s'élève à 22%.

Finalement, c'est le Royaume Uni qui relève la tête avec des entrées estimées entre 170 et 180 millions d'entrées, en hausse par rapport à l'an dernier. A Hong Kong aussi le box office augmente de 6% (même la part de marché des films nationaux est en recul, à 13%). De même la Chine continue de progresser avec des recettes en hausse de 9%. L'Empire du milieu reste le 2e marché mondial (hors Inde) avec 8,9 milliards de dollars de recettes. La part de marché des films nationaux, aidés par une limitation des films étrangers, est aussi en hausse (62%). Trois films - Operation Red Sea, Detective Chinatown 2 et Dying to Survive ont fait des scores de blockbusters américains (respectivement 532M$, 496M$ et 452 M$), soit 17% du box office national annuel.

En Corée du sud, le bilan est contrasté avec des recettes en hausse de 3% mais des tickets vendus en baisse avec 216 millions d'entrées (contre 220 l'an dernier), soit le 4e marché mondial (hors Inde). La Corée conserve sa place de champion en nombre d'entrées par habitant (plus de 4 films vus par habitants). Les coréens continuent de plébisciter leurs films (51% de parts de marché) et deux films nationaux ont passé le cap des 10 millions de spectateurs (Along With the Gods: The Two Worlds et Along With the Gods: The Last 49 Days).

Le Japon n'a pas encore fourni ses chiffres, tout comme la Russie ou le Brésil et le Mexique. Côté USA (et Canada anglais), c'est champagne en tout cas. Les recettes ont progressé de 6,7% (11,9 milliards de $), battant le record de 2016, et le public est de retour dans les salles : on prévoit une hausse de 4%, soit 1,3 milliards de billets vendus. Disney a capté un quart des recettes avec ses films.

Au niveau mondial, les premières estimations évaluent les recettes en salles à 41,7 milliards de dollars, soit 2,7% de plus qu'en 2017. Non seulement, le cinéma n'est pas mort, mais il est encore profitable. Un Marvel a passé le cap des 2 milliards de recettes, trois autres films ont été milliardaires, tous américains. Au total, 17 ont récolté plus de 500M$, dont 2 chinois. Un tiers est un film de super-héros et seulement trois ne sont ni une suite ni un remake ni une franchise. Hollywood rules again.

2018 dans le rétro: un bilan mitigé pour le cinéma français

Posté par vincy, le 29 décembre 2018

L'année 2018 finit plutôt bien pour le cinéma français, avec une part de marché cumulée de 35%. Plus d'un ticket sur trois achetés a été dédié à un film français. Cocorico? Presque. Car tout n'est pas au beau fixe.

Mais ne soyons pas aigris. Commençons par les bonnes nouvelles de l'année. Quatre gros hits, onze millionnaires: les films nationaux continuent de plaire. La comédie et le film familial restent les genres les plus attractif. Le César du film le plus populaire sera décerné cette année aux troisième opus des Tuche. A 50000 entrées près, Dany Boon remontait sur a scène des César pour la deuxième année consécutive. Avec La Ch'tite famille, lui aussi a passé le cap des 5,6 millions d'entrées. La famille Tuche et la famille Ch'ti, ce sont deux France "gilets jaunes" (comme le prouve la photo) qui finalement dictent leur loi au parisiannisme, en bon héros gaulois résistant à l'envahisseur Disney (Pixar, Marvel), à l'instar du nouvel Astérix animé, qui vise les 3 millions d'entrées avec son secret de la potion magique.

La surprise finalement est ailleurs: celle du déclin du mâle alpha qui séduit plus avec son slip de bain et son ventre un peu rondouillard que le sexy Gastambide dans Taxi 5, le populaire Dubosc dans Tout le monde debout ou l'ex star de la Génération Y, Kev Adams, dans Alad'2. Clairement Le Grand bain, avec 4,2 millions d'entrées est un carton pour un film moins formaté et moins farce que les deux champions. Si on ajoute les beaux scores, même s'ils sont parfois en dessous des attentes, de la suite de Neuilly sa mère, du Jeu, des Vieux fourneaux, de Larguées, de Ma reum, du Flic de Belleville ou d'En liberté, tous au-dessus des 600000 tickets, il reste peu de place pour des œuvres plus dramatiques (Belle et Sébastien 3, Sauver ou périr, Pupille...). On peut quand même être heureux de voir qu'un film animé d'Ocelot (Dilili) ou un mélo spirituel de Mouret (Mademoiselle de Joncquières) trouvent leur public.

Cette diversité se retrouve également dans les films qui ont séduit la critique, sans forcément avoir une force de frappe nécessaire pour attirer un large public. On appellera ça les cinéastes "hypes", ceux qui sont parfois hors des sentiers battus mais font le bonheur de festivals qui cherchent à montrer d'autres formes narratives ou visuelles que celles d'un film formaté pour la télévision ou alignant un casting de stars très pros pour les promos TV.Cet écart entre critique et public semble de plus en plus marqué. C'est un effet d'optique. Comment peut-on avoir un succès populaire si un film n'est pas projeté dans plus de 50 cinémas? Il faudra s'interroger, mais pas trop tard car les plateformes de streaming sont prêtes à faire une OPA sur les cinéastes en vogue, sur la manière dont on défend réellement l'exception culturelle quand on ne donne pas sa chance à des films d'auteurs qui ont pourtant un bon potentiel. A une autre époque, un film comme Nos batailles aurait doublé son box office et dans un pays comme les USA, un film de genre comme Ghostland aurait été un carton inespéré, un film comme L'homme fidèle aurait bien mieux dragué les cinéphiles urbains. Le box office ne reflète pas la variété et la qualité du cinéma hexagonale. On n'expliquera jamais l'insuccès de Mektoub my love d'Abdellatif Kechiche ou de En guerre de Stéphane Brizé.

De nouveaux cinéastes tentent des esthétiques et des récits qui se distinguent de la tradition de la nouvelle vague ou du film calibré pour le prime-time télévisuel. On y parle ou on montre du cul, de l'asociabilité, des vérités tabous, des visions pessimistes ou des danses en transes. A l'instar de Yann Gonzalez (Un couteau dans le cœur) et Bertrand Mandico (Les garçons sauvages), de Camille Vidal-Naquet (Sauvage) ou Franck Ribière (La femme la plus assassinée du monde), de Alexandre Espigares (Croc-Blanc) ou Claire Denis (High Life), de Gaspar Noé (Climax) ou Guillaume Brac (L'île au trésor), d'Antony Cordier (Gaspar va au mariage) ou Andréa Bescond et Eric Metayer (Les chatouilles) . Le cinéma français ose, que ce soit dans l'animation ou le genre, comme on l'a vu cette semaine, mais aussi en s'aventurant dans la SF ou en préférant des influences différentes, étrangères, moins classiques.

C'est ce qui ternit cette année. De très bons films, parfois sensationnels, parfois saisissants, souvent émouvant, toujours dramatiques quand même, ont été ignorés des palmarès. Il y a, heureusement, l'exception vénitienne. L'an dernier, Jusqu'à la garde triomphait, à juste titre au festival de Venise. Le film a su s'imposer parmi les meilleurs de l'année. Cette année, Venise et Les Arcs ont récompensé C'est ça l'amour de Claire Burger, qui sera, sans aucun doute dans notre bilan de l'année prochaine. Mais sinon, hormis Plaire, aimer et courir vite, qui sauve son honneur avec un Louis-Delluc inattendu, et En guerre, dont on parlait plus haut, ou Amanda primé à Tokyo, La prière, récompensé à Berlin, quatre films qui parlent de l'époque (sexualité, social, terrorisme et foi à travers un prisme de lutte de classes ou du détachement du monde), le cinéma français n'a pas brillé dans les palmarès internationaux. Au point qu'aucun film français n'est reparti avec un prix cannois de la sélection officielle. Au point que le sublime film de Finkiel, La douleur, n'a pas atteint la demi-finale des Oscars. Tout un symbole qu'on nous recale Duras.

En fait, cette année, on a aimé le cinéma français, mais les films que nous avons aimés - on peut le regretter - n'ont pas profité de l'enthousiasme que nous espérions. Pourtant indéniablement, le cinéma français continue d'avoir la frite... Prenons un peu de sérotonine et voyons les choses du bon côté.

Capharnaüm est presque un conte de fée (même dans la réalité)

Posté par vincy, le 18 octobre 2018

Prix du jury à Cannes, coup de cœur de la presse internationale au Festival, Capharnaüm a réalisé un joli lancement hier en France avec 17000 spectateurs pour 158 écrans. Au Liban, il est sorti le 20 septembre, et il a déjà dépassé les 100000 entrées, ce qui est un gros succès pour ce pays de 6,3 millions d'habitants. Le film représentera le Liban pour l'Oscar du meilleur film en langue étrangère.

Nadine Labaki a mis trois ans pour préparer son film. La réalité est devenue la fiction: le réfugié syrien Zain Al Rafeea avait une vie similaire à celle qu'il a dans la film, tout comme la jeune Erythréenne sans papier incarnée par Yordanos Shiferaw, qui est arrêtée dans le film, mais le fut aussi pendant le tournage.

Le tournage a duré six mois. Le film est applaudit à Cannes, vendu dans le monde entier. L'histoire se termine bien. Mais dans la réalité aussi, il y a un conte de fée qui s'est mis en place. La réalisatrice, au cours de sa tournée médiatique française, a assuré que les destins des protagonistes s'amélioraient. La famille de Zain a ainsi pu émigrer en Norvège, grâce à Cate Blanchett, ambassadrice de bonne volonté à l'ONU, et aux Nations Unies. Zain vient de commencer l'école.

Quant au Liban, dont les pouvoirs politiques et l'impuissance publique sont clairement dénoncés par le film, on peut au moins se féliciter que le débat soit lancé. En guerre ou en crise depuis 1975, ce petit pays multi-communautaire a accueilli 1,5 million de réfugiés syriens depuis le déclenchement de la guerre civile chez son voisin. C'est un quart de la population totale du pays du Cèdre. Cela provoque d'importantes tensions humaines et sanitaires.

En Pologne, le film « Kler » bat des records au box office et se transforme en polémique politique

Posté par vincy, le 5 octobre 2018

935000 spectateurs le week-end dernier pour Kler (Clergé en français) au box office polonais. Le film de sorti le 28 septembre réalisé par Wojciech Smarzowski a battu tous les records locaux depuis 30 ans, surclassant Cinquante nuances de Grey, Star Wars et n'importe quel film polonais. Cold War, primé à Cannes et représentant du pays pour les Oscars, n'a ainsi attiré "que" 755000 spectateurs au cours de sa carrière. Un phénomène d'autant plus marquant que ce drame aborde un sujet brûlant : les prêtres et la pédophilie, dans un pays encore très catholique.

Il reste encore de la marge pour battre le record de recettes historique dans le pays (Avatar, seul film à avoir dépassé les 20M$ aux box office). Mais ce devrait être le plus gros succès polonais dans le pays, record détenu par Lejdis, comédie sortie en 2008.

Le film dénonce pourtant les méthodes et les affaires d'une église omniprésente dans le champ politique polonais et à laquelle le peuple reste très attaché 40% des Polonais croient encore aux lois de l'Eglise et un peu plus vont régulièrement à la messe). Dans les débats, l'Eglise encaisse et compte sur ses relais.

Le chef du parti ultraconservateur et nationaliste (au pouvoir), Jaroslaw Kaczynski, a même parlé d'un "coup porté contre la Pologne", le chef du bureau de sécurité nationale Pawel Soloch hurle au "film de propagande odieux". Le film attise les passions dans un pays où la religion catholique est encore enseignée à l'école et où l'Eglise intervient intensément dans la politique (l'avortement est toujours interdit, le blasphème est un délit pénal).

"Tous ceux qui portent la Patrie dans leur coeur, qui aiment Dieu et la Pologne, doivent dire clairement aujourd'hui "non" à la destruction de nos valeurs nationales", a affirmé une association de journalistes catholiques, appelant au retrait d'un film profondément "anticlérical, anticatholique et antipolonais" qui "fausse" l'image de l'Eglise, rapporte l'AFP.

La vérité sur une Eglise intouchable

En s'attaquant aux crimes pédophiles des prêtres, Kler tombe à pic. Des scandales de ce genre, il y en a chaque semaine qui sont révélés du Chili aux Etats-Unis, d'Irlande à l'Allemagne, du Canada à la France. Il y a déjà eu des films sur le sujet (Sleepers, Spotlight) et le prochain Ozon, Grâce à Dieu, sera sur ce thème.

En montrant les coulisses de l'institution cléricale, le réalisateur Wojciech Smarzowski, qui a du tourner une partie de son film en République tchèque, met en lumière ce que pensent les Polonais sur la sacro-sainte Eglise. Nombreux sont ceux qui avouent que le pays a besoin de voir son Eglise en face, de comprendre cette vérité.

Le film raconte l'histoire de trois prêtres. L'un d'eux est accusé (à tort) d'actes pédophiles tandis qu'un autre utilise tout son pouvoir pour masquer ses propres "écarts". Victimes ou témoins de tels crimes dès leur enfance, c'est en fait un combat pour que le mensonge gagne sur la vérité. C'est aussi un film qui expose la corruption, l'hypocrisie, l'abus de bien social, l'alcoolisme et l'homosexualité des élites religieuses. Le cinéaste a fait relire son scénario à des membres du clergé, qui ont authentifié chacune des déviances racontées.

"Aucun réalisateur n'a jamais osé présenter une vision aussi critique de l'Eglise catholique en Pologne. Kler s'attaque ouvertement à l'Eglise et dénonce tous ses péchés cardinaux allant de cas de pédophilie, au versement d'argent par les fidèles pour accéder aux sacrements, aux appels d'offres truqués et à la démoralisation généralisée de la hiérarchie", explique Janusz Wroblewski, critique de cinéma.

Controversé, dérangeant, le film a remporté six prix au Polish Film festival dont celui du public.

La douleur aura le bonheur de représenter la France aux Oscars

Posté par vincy, le 21 septembre 2018

Ils étaient cinq en début de semaine. Il n'en reste qu'un, de manière claire et sans bavure. Face à un dilemme - une pré-sélection sans aucun favori, et chaque film avec ses forces et ses faiblesses - la commission chargée de désigner le candidat français à l'Oscar du meilleur film en langue étrangère a choisi La douleur, d'Emmanuel Finkiel.

Cette adaptation du récit autobiographique éponyme de Marguerite Duras est sortie en janvier dernier, distribué par Les films du Losange. Il a séduit 330000 spectateurs. Aux Etats-Unis, distribué par Music Box (Monsieur Lazhar, Potiche, Frantz) depuis le 17 août, il a cumulé 82000$ de recettes, et n'a jamais dépassé les 11 copies.

Son seul concurrent était finalement Jusqu'à la garde, plusieurs fois primé à Miami, Palm Springs, San Sebastian et surtout Venise (Lion d'argent du meilleur réalisateur), avec 380000 entrées en France et 81000$ de recettes aux USA.

La douleur, avec Mélanie Thierry, Benoît Magimel et Benjamin Bioley, avec sa facture historique et littéraire, l'a emporté, sans avoir reçu un seul prix dans un quelconque festival (il a fait son avant-première française à Angoulême et internationale à San Sebastian). La qualité du film est indéniable, mais il a face à lui Girl (Belgique), Les oiseaux de passage (Colombie), The Guilty (Danemark), Never Look Away (Allemagne), Sunset (Hongrie), The Cakemaker (Israël), Une affaire de famille (Japon), Roma (Mexico), Les héritières (Paraguay), Burning (Corée du sud), Border (Suède), Le poirier sauvage (Turquie), Donbass (Ukraine)...

Le dernier film en langue française à avoir remporté l'Oscar est Amour de Michael Haneke en 2013, 20 ans après Indochine de Régis Wargnier.

Burt Reynolds, populaire et séducteur, nous quitte (1936-2018)

Posté par vincy, le 6 septembre 2018

C’est un des acteurs les plus populaires du cinéma américain qui vient de s’éteindre. Burt Reynolds est décédé à Jupiter (ça ne s’invente pas) en Floride ce 6 septembre à l’âge de 82 ans. Il était né le 11 février 1936.

Alors qu’il a été le champion du box office américain dans les années 1970, il n’a été nommé qu’une seule fois aux Oscars, en 1998, pour son rôle secondaire de réalisateur et producteur de film X dans Boogie Nights de Paul Thomas Anderson. Les Golden Globes l’avait sacré en second rôle pour ce même film, après l’avoir nommé deux autres fois pour The Longest Yard en 1974 et pour Starting Over en 1979 (à chaque fois en meilleur acteur de comédie).

Merci Brando

C’est peu dire qu’il fut respecté pour les recettes qu’il accumulait et beaucoup moins pour son talent. Le public ne s’en souciait pas. Il fut cinq fois récompensé par les People’s Choice Award comme acteur favori de l’année. Il a aligné d’énormes cartons en salles : Delivrance, The Longest Yard, Silent Movie, Hooper, The Cannonball run, The Best Little Whorehouse in Texas, avant de voir le public se désintéresser de lui dès 1983.

Une décennie flamboyante pour ce sportif qui rêvait de devenir footballeur professionnel, destin contrarié par une blessure. Il s’oriente vers la police quand, à l’Université, Watson B.Duncan III, professeur de théâtre, croit en son talent et lui offre un rôle dans une pièce.

Parallèlement à une riche décennie en séries télévisées, notamment en incarnant un amérindien dans Gunsmoke, ses premières armes au cinéma sont des films modestes, westerns spaghettis et autres séries B. C’est John Boorman qui l’expose en pleine lumière et fait de lui une star en lui offrant l’un des rôles principaux de Delivrance, aux côtés de Jon Voight. Boorman avait proposé le personnage de Reynolds à Marlon Brando, qui se trouvait trop vieux pour le rôle. Le film étant assez fauché, les comédiens durent faire leurs propres cascades. Et Reynolds y prendra goût pour ses films suivants. Film culte, la brutalité et la sauvagerie de ce « survival » en ont fait l’in des grands classiques du cinéma américain.

L'acteur le plus populaire des seventies

On est en 1972. Sa belle gueule, son corps athlétique (dont il savait s'amuser) font vite des étincelles. Par contraste. Les cinéastes émergents – Scorsese, Coppola, Spielberg… - ont peu d’affinités avec les bourreaux des cœurs. Redford et Newman choisissent essentiellement des grands drames populaires de qualité. Burt Reynolds a cet avantage d’occuper un créneau assez disponible : la comédie et l’aventure. Il tourne pourtant des films très variés, avec quelques grands noms du cinéma. The Longest Yard de Robert Aldrich n’est pas loin d’un film avec Pierre Richard. Aldrich le redirige dans La cité des dangers (Hustle), film noir et sensuel avec Catherine Deneuve. On le voit ensuite chez Peter Bogdanovich (At Long Last Love), Stanley Donen (Lucky Lady), Mel Brooks (Silent Movie), ou encore Alan J. Pakula (Starting Over). De la pure comédie ou de la comédie de mœurs, tout lui va. Il réalise même deux films (Gator, 1976, et la comédie noire The End, 1978).

Son plus gros hit reste Smokey and the Bandit (Cours après moi shérif !) qui eut le droit à deux suites médiocres, sorte d’équipée sauvage et burlesque, un peu crétine, où les « contrebandiers » sont les héros et les shérifs de sombres abrutis. Le film fut la 2e plus grosse recette aux Etats-Unis en 1977, derrière La Guerre des étoiles. Il recruta une fois de plus sa compagne de l’époque, l’actrice oscarisée Sally Field (avec qui il tourna trois autres films).

Le long déclin

Sa réputation de tombeur est accentuée par le choix de ses partenaires féminines, parmi les actrices les plus courtisées d’Hollywood, de Jill Clayburgh à Julie Andrews. Mais il manque tous les grands cinéastes et passe à côté de la mutation d’Hollywood et l’arrivée de l’ère des blockbusters. Le comédien n’a pas encore dit son dernier mot avec les années Reagan. Don Siegel s’essaie à la comédie policière (Rough Cut). En tête d’un casting quatre étoiles, de Roger Moore à Jackie Chan en passant par Farrah Fawcett, il devient pilote de course dans la distrayante Équipée du Cannonball (et sa suite, moins intéressante). Avec Dolly Parton, en mère maquerelle, il joue les shérifs au grand cœur dans La Cage aux poules (The Best Little Whorehouse…), où la chanteuse country inaugure I Will Always Love You. Blake Edwards en fait son Homme à femmes. Et puis de polars en comédies mal écrites (sauf peut-être Scoop, un peu au dessus du lot), sa carrière décline jusqu’à toucher le fond en 1996, avec Demi Moore, dans Striptease qui leurs valent une razzia de Razzie Awards. Il valait un million de dollars par film dans les 70s et 20 ans plus tard on pouvait l’avoir pour 100000$.

L'homme qui a refusé Star Wars et James Bond

Malgré Boogie Nights, qui prouva s’il le fallait, qu’il était un bon comédien, avec une certaine audace, il ne retrouva aucun rôle majeur par la suite, même s’il n’a cessé de travailler (avec Renny Harlin et Mike Figgis, en apparaissant dans des caméos, ou pour le petit écran). On ne voyait en lui qu’une espèce disparue d’un cinéma un peu honteux. On le cantonnait inconsciemment dans le registre des vedettes has-been, avec ou sans moustache (et sur le tard avec barbe). Il a aussi refusé des rôles qui auraient pu donner un tout autre visage à sa carrière comme Tendres passions, qui valu finalement un Oscar à Jack Nicholson. Mais il a aussi refusé Han Solo et James Bond.

Tarantino, épilogue manqué

Burt Reynolds vieillissait pourtant bien. Il avait ouvert un théâtre dans sa ville de Jupiter. Certes, il jouait dans des films qui passent rapidement en salles comme Shadow Fighter, dans le milieu de la boxe, sorti en mars aux USA. Il continuait de tourner. Il a terminé la comédie de Stephen Wallis, Defining Moment, prévue pour Noël. Mais ironiquement, il avait enfin trouvé un grand cinéaste avec Quentin Tarantino qui devait lui offrir un rôle dans Once Upon a Time in Hollywood, aux côtés de DiCaprio et Pitt. Malheureusement, les scènes n'avaient pas été tournées.

Le dernier film où il était à l’affiche était celui d’Adam Rifkin (en salles le 30 mars derniers aux USA). Il incarnait une ancienne star de cinéma qui devait faire face à sa réalité : une gloire déclinante et le temps qui passe. Presque autobiographique ? Ironiquement, ce film s’intitule The Last Movie Star. Personne ne l’a vu. Mais on sent que Burt Reynolds n’a pas fait les choses au hasard pour clore sa longue filmographie. Hormis cet acte manqué avec Tarantino qui aurait couronné une longue carrière à Hollywood.

Le scénario de la Palme d’or bientôt en librairie

Posté par vincy, le 4 septembre 2018

Une affaire de famille de Hirokazu Kore-eda, Palme d'or au dernier festival de Cannes, fera l'objet d'une sortie en librairie. En effet, le scénario du film, traduit en français, sera disponible le 21 novembre chez l'éditeur JC Lattès. Le Pacte sortira le film le 12 décembre.

Depuis sa récompense suprême à Cannes, le mélodrame familial connaît un parcours glorieux. Pour la deuxième fois, Hirokazu Kore-eda représentera son pays aux Oscars, après Nobody Knows (2004). Le film a en effet été choisi pour représenter le Japon pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère, malgré l'accueil plutôt froid du gouvernement de Shinzo Abe, régulièrement critiqué par le réalisateur. Le Premier ministre japonais voit plutôt d'un mauvais œil que le film nippon de l'année montre un Japon méconnu, celui des exclus et des marginaux.

Côté box office, le cinéaste est aux anges: le film a récolté 38M$ au box office japonais, ce qui en fait le 7e succès de l'année à date, surclassant les Avengers et à égalité avec Les Indestructibles 2 et Mission:Impossible - Fallout. En Chine, le film a rapporté 14M$ en un mois, soit un record pour un film japonais non animé.

Le film tourne désormais dans les festivals. Après Telluride cette semaine, il sera présenté à Toronto puis au Festival de New York. Il a aussi remporté le prix du meilleur film international au festival de Munich fin juin. Le réalisateur sera par ailleurs honoré au prochain Festival de San Sebastian.

Prolifique, Kore-eda va tourner cette automne son prochain film, La vérité sur Catherine (The Truth), avec Catherine Deneuve, Juliete Binoche, Ludivine Sagnier et Ethan Hawke.

Un bel été pour les cinémas UGC

Posté par vincy, le 29 juillet 2018

UGC va pouvoir agrandir deux de ses cinémas en Ile-de-France. La commission nationale d'aménagement cinématographique a autorisé l'extension de son UGC Ciné Cité de Créteil qui passera de 12 à 18 écrans et de 2860 fauteuils à plus de 3700 et l'extension de l'UGC Maillot (Palais des Congrès de paris, à deux pas de son siège social). Ce petit cinéma de quartier (4 écrans, 764 sièges) deviendra un multiplexe (12 écrans, 1148 sièges). Il passerait sous l'enseigne Ciné Cité. Ce cinéma pourtant bien localisé souffre d'une chute de sa fréquentation depuis plusieurs années (163 143 en 2017), loin des standards du réseau.

UGC s'apprête à rouvrir son cinéma Gobelins, dans le XIIIe arrondissement de Paris. Avec sa façade vitrée aux allures de Times Square, le nouveau multiplexe offrira 11 salles et 1173 places. L'écran de la façade accueillera par ailleurs un programme d'art vidéo de Hector Castells Matutano.

Promise pour fin juillet, on constate toujours que le bâtiment est en chantier. Une affaire de jours sans doute.

Enfin, soulignons qu'une étude américaine du cabinet ComScore a couronné l'UGC Cité Ciné Les Halles comme multiplexe le plus fréquenté du monde avec 3,27 millions de spectateurs en 2017. Avec 70000 séances par an, 492 films de 85 pays différents, le cinéma est aussi le plus diversifié dans sa programmation.

Cannes 2018: La révolution russe avec « Docteur Jivago » de David Lean

Posté par vincy, le 9 mai 2018

Puisqu'on célèbre cette année les 50 ans de mai 68, et l'anniversaire de ce festival qui n'eut pas lieu, c'est l'occasion d'explorer les rapports de Cannes avec la Révolution. Sur la croisette, où les spectateurs défilent en smoking et robes de soirées, où un simple selfie est jugé "irrespectueux", et où toute la société festivalière est organisée en castes strictes, les mouvements de révolte et de contestation eurent souvent les honneurs d'une sélection. C'est là tout le paradoxe d'une manifestation très attachée à ses traditions, et qui n'a pourtant cessé de montrer, défendre et encourager ces moments de l'Histoire où des hommes et des femmes ont pris leur destin en mains.

On pourra s'étonner de voir un mélodrame historique de David Lean lié à la révolution prolétaire et sanglante qui conduisit la Russie impériale à l'URSS communiste. Pourtant Docteur Jivago, sorti aux USA en 1965, est bien un film sur la révolution de 1917. C'est aussi un film cinq fois oscarisé (sur dix nominations), avant d'être en compétition à Cannes, en 1966. Ce fut surtout l'un des plus grands succès de l'histoire du cinéma : si on prend en compte l'inflation, le film épique aurait rapporté 1,14 milliard de dollars de recettes actuelles, se classant 8e, derrière Autant en emporte le vent, Star Wars, E.T., Titanic, mais devant Blanche-Neige, Star Wars: le réveil de la force, Ben Hur et Avatar. En France, avec 9,8 millions d'entrées, il se classe 32e.

Que nous raconte-t-il pour séduire autant les masses? Une histoire d'amour tragique. La quête d'un passé, nostalgique. L'histoire centrale de Docteur Jivago se déroule à l'aube de la Première guerre mondiale. Tsaristes, idéalistes, futurs révolutionnaires, militaires : toute la Russie est là à préparer pour les uns leur survie, pour les autres leur libération. La guerre éclate, et les traumatismes qui meurtrissent la jeunesse et le peuple, tandis que la révolte civile grossit, sous l'impulsion des Bolcheviks.

David Lean, qui s'y connaissait en belles images et donnait un sens visuel à ses métaphores, transforme le pays en un grand désert blanc, où le héros, un médecin-poète, erre déboussolé. Ce que l'on retient de cette épopée historique est davantage la tragédie amoureuse. Pourtant le cinéaste montre aussi comment les conflits, externes et intérieurs, détruisent les vies. Sous les Tsars et comme sous les Communistes, il n'y a pas de salut pour la liberté. On meurt ou on est déporté.

Le raffinement de David Lean ne masque jamais les tourments psychologiques de ces personnages. Et comme avec Lawrence d'Arabie, le réalisateur se confronte à l'histoire moderne. Après la naissance du monde arabe et la décolonisation, le voici qui s'attaque à "l'ennemi de l'Est" en pleine guerre froide. Cela reste une révolution vue d'Occident (l'Oural sont en fait les Pyrénées filmés d'Espagne), avec des acteurs internationaux qui n'ont rien de russe, à l'image esthétisée où la couleur traduit les émotions ou les camps politiques.

A ce titre, Docteur Jivago est quand même l'un des rares films occidentaux importants sur cette période. Mieux, il suit les différentes étapes de la révolution, ne se contentant pas d'octobre 1917 et du triomphe de Lénine & co. Les débuts de cette révolution, qui naît vers 1905 jusqu'aux prémices de la Première guerre mondiale, sont souvent ignorés par le cinéma. En suivant tout le processus, David Lean réalise un film historique plus juste qu'en apparence.

Et plus sensible que ce qu'on pourrait croire, puisqu'il a été interdit en URSS. Le film a pu être projeté en Russie près de trente ans plus tard, en 1994.