La 3D devient tendance, même en France. StudioCanal a signé à Berlin un accord avec le spécialiste du format en Imax et réalisateur de Fly me To The Moon 3D, le belge Ben Stassen. Ils sortiront Les aventures de Samy (Around the World in 50 Years 3D) dès cet été. Avant cela, Sylvain Chomet (Les triplettes de Belleville) avait présenté à la Berlinale L’illusionniste, son hommage à Jacques Tati. A l’origine prévu pour avril, il pourrait être décalé à juin.

Mais désormais, tout le monde s’y met. Patrice Leconte réalise actuellement Le Magasin des suicides, adaptation du roman de Jean Teulé, en version animée ET musicale. Attendu pour la fin de l’année, il co-réalisera ce premier film d’animation avec Arthur Qwak (Chasseurs de Dragons). Il en a écrit le scénario, et ancien dessinateur, a imaginé les personnages.

A Angoulême, en janvier, Ari Folman (Valse avec Bashir) a annoncé qu’il réalisera son prochain film en France, avec les studios de la capitale de la BD, le pôle Magelis, et avec Les Armateurs (Kirikou). The Congress (Le congrès) est l’adaptation du best-seller de science-fiction (1971) de Stanislas Lem (Solaris). Le film, un mélange de documentaire et d’animation, devrait être prêt en 2012.

La plus importante production sera sans doute Le Petit Prince. La mise sur orbite est plus lointaine - 2013 - mais les héritiers de Saint-Exupéry ont enfin accepté de céder les droits d’un des romans pour la jeunesse les plus vendus dans le monde. Le relief va d’ailleurs donner une dimension internationale au projet, tout comme le casting vocal plus hollywoodien que français (sans doute révélé à Cannes en mai). 45 millions d’euros de budget pour Onyx (Les enfants de Timpelbach, Renaissance), en plus d’une série TV animée, et un jeu développé avec MKO (filiale de MK2).

D’autres projets en 3D ont été présentés au récent Cartoon Movie de Lyon comme Approved for Adoption, Flying bazar, Hard Rock sur Harcouët. Les sujets sont de plus en plus variés et aborde des thèmes plus politiques ou sociologiques. de même les genres se diversifient avec d’avantage d’action et d’aventures. Cartoon Movie surfe d’ailleurs sur l’engouement pour l’animation avec, pour sa dernière édition qui s’est tenue du 3 au 5 mars, une fréquentation en hausse de 20%, 635 professionnels accrédités et 90 distributeurs présents.

Le procureur général de Téhéran a confirmé l’arrestation du cinéaste iranien Jafar Panahi lundi soir, alors qu’il était en compagnie de sa femme, de sa fille et de plusieurs invités. C’est le fils du réalisateur qui a donné l’alerte, précisant qu’une perquisition et des saisies ont eu lieu suite à cette arrestation. Toutefois, selon le procureur, “Jafar Panahi n’a pas été arrêté parce que c’est un artiste ou pour des raisons politiques. Il a commis un délit et a été arrêté sur ordre du juge en compagnie d’une autre personne.” Une enquête serait en cours, mais on ignore encore ce qui lui est officiellement reproché.

Jafar Panahi, chef de file de la Nouvelle vague iranienne et récompensé dans tous les grands festivals internationaux (Caméra d’or à Cannes, Lion d’or à Venise, Ours d’argent à Berlin…), est un soutien fidèle de l’opposition au régime du président Ahmadinejad. Il avait notamment soutenu Mir Hossein Moussavi lors de la présidentielle, et s’est fait brièvement arrêter à l’été 2009 pour avoir assisté à une cérémonie à la mémoire de Neda, jeune manifestante tuée lors des manifestations de protestations contre la réélection d’Ahmadinejad.

Depuis sa participation au Festival de Montréal, où il avait réaffirmé sa solidarité avec l’opposition en arborant la couleur verte des manifestants, Jafar Panahi s’est vu interdire de quitter le territoire iranien. Il n’a ainsi pu assister ni au festival de Vesoul, qui lui remettait un Cyclo d’honneur pour son engagement en faveur de la liberté, ni à celui de Berlin (voir actualité du 16 février 2010) , dont il était pourtant l’invité d’honneur.

En cette période de forte répression, l’arrestation de Jafar Panahi trahit l’intransigeance du régime iranien, bien décidé à ne pas céder un pouce de terrain à ses opposants, et provoque une nouvelle fois l’inquiétude et la colère des défenseurs des droits de l’homme.

“- Je ne veux pas attendre la mort à la maison. ”

L’histoire : Lily est ouvrière dans une usine de tissu. Entre un travail difficile, un mari qui ne la comprend pas et son jeune fils, elle se sent coincée dans un quotidien terne et sans surprise. Quand elle apprend qu’elle est gravement malade, Lily décide de tout plaquer et part à la recherche de son premier amour. 

Notre avis : Le réalisateur Wang Quan-An et l’actrice Yu Nan avaient été découvert avec Le mariage de Tuya qui tutoyait le chef d’œuvre, d’ailleurs récompensé de l’Ours d’Or du Festival de Berlin en 2007. Le cinéaste et sa belle comédienne refont de nouveau équipe pour La Tisseuse, mais avec un changement de direction. Après les étendues désertiques mongoles, direction la ville et ses habitants chinois. On y découvre une femme qui a perdu le goût de vivre au milieu de d’entreprises qui ferment, son petit garçon lui redonne à peine l’envie de s’accrocher. La lumineuse Yu Nan interprète une femme qui s’éteint car elle se sait condamnée par une grave maladie. Ni son mari ni son petit garçon ne semblent suffire pour la raccrocher à une vie dont elle est lasse. Alors elle va partir en voyage en direction de son premier amoureux dont elle n’a plus de nouvelles depuis dix ans…

La Tisseuse est autant une évocation de changements industriels en Chine que le parcours d’une femme qui se rend compte qu’elle aurait pu connaître bien plus de bonheurs. Wang Quan-An fait sentir différentes transformations des paysages chinois où l’idéologie communiste a progressivement laissé le terrain à l’économie de marché: une usine garde le souvenir de traditions russes, une imprimerie est démolie dans un quartier en reconstructions modernes. Mais le réalisateur aborde surtout le thème délicat du bilan de sa vie quand on sait qu’elle va se terminer sans avoir été accomplie comme on l’aurait souhaité. Il nous montre un personnage de femme qui abdique devant son avenir et qui regarde en arrière sur ses pas. Cependant ce personnage joué par Yu Nan toute en résignation silencieuse ne montre guère d’émotions et on peine à éprouver de la compassion pour elle.

La Tisseuse était un film attendu mais force est de regretter d’être un peu déçu, à voir tout de même en attendant Apart Together la prochaine réalisation de Wang Quan-An tout juste récompensé pour son scénario à Berlin.

Pas un seul prix en repartant de la Berlinale, hormis l’Ours d’argent pour le cinéaste franco-polonais Roman Polanski. Le cinéma français, relativement absent de la compétition, était surtout présent au marché du film (avec 15 producteurs à l’European Film Market). Unifrance revendiquait pourtant 19 films qui avaient fait le déplacement dans la capitale allemande : Mammuth et The Ghost Writer en compétition, Henri IV, L’autre Dumas, L’illusionniste (le nouveau dessin animé de Sylvain Chomet), Moloch Tropical (de l’haïtien Raoul Peck), le documentaire Michel Ciment, le cinéma en partage hors compétition. Un hommage à Eric Rohmer, une masterclass de Claire Denis, les nouveaux Ducastel-Martineau et Lifshitz (section Panorama) complétaient la délégation.

Pourtant le business n’a pas été mauvais. StudioCanal a signé un accord avec la société belge nWave, de Ben Stassen, grand spécialiste de l’Imax, pour pouvoir mettre en ouvre des films en 3D. Le premier projet annoncé devrait être Les aventures de Samy (Around the World in 50 Years 3D), qui sort dans les salles cet été.

MK2 a négocié avec l’israélien Orlando Films qui va devenir son distributeur multi-plateformes en Israël. La merditude des choses (103 000 spectateurs en France) devrait être le premier film diffusé suite à cet accord.

Last but not least, trois firmes, la française Celluloïd Dreams, le financier bavarois Clou Partners et le Studio Babelsberg (qui est à côté de Berlin), ont décidé de créer un studio européen, TheManipulators (tout attaché), pour produire (et coproduire) des films à vocation internationale, à moyens et gros budgets. Le premier film qui bénéficiera de ce nouvel outil sera Waiting for Azrael, de Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud (Persépolis). Le film sera tourné cette année à Babelsberg avant, sans doute, de faire son avant-première à Berlin 2011.

Tandis que Werner Herzog et son jury en sont désormais à négocier le palmarès de cette 60e édition, partout ailleurs, l’heure est au bilan. Avec une question cruciale : alors, 2010, bonne édition ? La réponse est en demie-teinte, comme souvent à Berlin. Car si la sélection officielle s’est révélée de bonne tenue (sans véritable désastre, à l’exception de Jud Süss d’Oskar Roehler, et dans une moindre mesure de Caterpillar de Koji Wakamatsu), elle n’a offert ni choc ni révélation.

Sur les 20 films concourant pour l’Ours d’Or, tous présentent un véritable intérêt (politique, esthétique ou scénaristique), mais en contrepartie, aucun d’entre eux n’est exempt de défauts.

Oeuvres socio-politiques

Fait notable, la compétition se répartissait cette année assez harmonieusement entre oeuvres socio-politiques et oeuvres plus légères, voire films de genre. Ne nous leurrons pas, ce sont clairement les premiers qui ont le plus de chance car c’est traditionnellement ce type de film qui gagne à Berlin. Pour le symbole, on voit ainsi bien Shekarchi de l’Iranien Rafi Pitts repartir avec quelque chose, dans la mesure où il s’agit de l’histoire d’un homme cherchant à venger sa famille tuée par la police lors d’une manifestation. Comme un geste fort à destination de Téhéran, et des nombreuses victimes du régime.

Dans un autre style, deux films abordant la question de la religion pourraient avoir séduit le jury. Shahada de Burhan Qurbani traite avec subtilité du recours systématique à une foi plus dure en période de crise. Il met en scène un Islam tolérant, ouvert et compassionnel qui se dresse avec force contre les dérives de croyants plus dogmatiques, délivrant un message de fraternité et d’espoir. On the path de Jasmila Zbanic s’intéresse également à la confrontation entre deux visions opposées de la religion musulmane. D’un côté une jeune femme émancipée vivant une foi libre et peu contraignante, et de l’autre son compagnon qui devient brusquement membre d’une société wahhabite conservatrice. La réalisatrice, qui refuse de prendre parti, décortique le délitement progressif de leurs relations, dû à une incompréhension mutuelle grandissante. Dans les deux cas, il ne s’agit pas tant de films sur la religion que sur la difficulté du vivre ensemble.

Autre thème bien représenté durant cette Berlinale, l’enfance sacrifiée. D’ailleurs, le Roumain Florin Serban a une chance avec  If I want to whistle, I whistle, le portrait d’un adolescent sur le point de sortir de prison. Assez formaté, mais suffisamment fort pour marquer les esprits. En face, c’est plus difficile pour Submarino de Thomas Vinterberg qui suit deux frères (un drogué et un alcoolique) traumatisés par leur passé. Misérabiliste pendant une bonne part du film, et globalement prévisible, on est loin de Festen.

Bien sûr, on parle aussi de The Ghost writer, thriller politique sur un ex-Premier ministre britannique aux faux airs de Tony Blair. Et récompenser Roman Polanski en plein scandale judiciaire pourrait être un signe fort… à moins que cela ne soit trop “risqué” pour un festival qui ne veut surtout pas avoir l’air de prendre parti. Mais Werner Herzog aurait-il ce genre de scrupule ?

La part belle à l’humour

Dans l’autre catégorie, celle des oeuvres plus légères, on peut presque s’avérer gâté. Car oui, cette année, on a bien ri à Berlin ! Un rire plus ou moins subtil, selon qu’il s’agit de Zhang Yimou (A woman, a gun and a noodle shop, remake farcesque de Blood simple des frères Coen) ou de Noah Baumbach et son absurde et un peu ennuyeux Greenberg. Mais surtout, on a eu droit à une comédie scandinave complétement décalée, mélangeant polar et burlesque (A somewhat gentle man de Hans Peter Molland avec un Stellan Skarsgarg bon candidat au prix d’interprétation), et au nouveau délire des Français Delépine et Kervern, Mammuth, avec Gérard Depardieu en jeune retraité à la recherche de justificatifs administratifs… prétexte à un road-movie décapant qui a beaucoup fait rire la presse étrangère (presque autant que le show débridé qui a tenu lieu de conférence de presse). C’est moins bon que Louise Michel, mais hilarant au vu du niveau général, le tout sans être dénué de fond. Rappelons à toutes fins utiles qu’à Berlin, il existe un prix de l’audace…

Pour ce qui est des autres genres cinématographiques, il y en a eu pour tous les goûts. Polar brutal chez Winterbottom avec The killer inside me (Casey Affleck assure, et l’on ne s’ennuie pas une seconde), biopic sur Allen Ginsberg pour Rob Epstein (Howl, où James Franco a lui aussi impressionné), mélo familial naturaliste danois (Une famille de Pernille Fisher Christensen, tout en retenue, et avec un duo d’acteur formidable, Lene Maria Christensen et Jesper Christensen), conte initiatique argentin extrêmement ténu et efficace (Puzzle de Natalia Smirnoff, où l’on n’a d’yeux que pour la merveilleuse Maria Onetto), fable humaniste sur les rapports entre l’homme et la nature (Bal de Semih Kaplanoglu, dernier volet de sa trilogie “Yusuf”)… autant de sérieux concurrents pour un prix d’interprétation, ou une récompense de moindre importance.

Enfin, il ne faut pas oublier How I ended this summer (Alexei Popogrebsky), thriller psychologique qui se déroule dans le cercle arctique. Lent et parfois contemplatif, mais purement envoûtant, voire palpitant. Un film ovni qui exploite habilement la beauté de ses paysages sans tomber dans l’esthétisme de carte postale, et apprend au spectateur ce que signifie vraiment l’expression “conditions extrêmes”. Accessoirement très bien accueilli par la presse internationale…

C’est pourquoi, quel que soit le résultat final, on peut d’ores et déjà affirmer que Berlin a parfaitement réussi le pari du 60e : peu de paillettes, beaucoup de curiosité, et un amour toujours renouvelé du cinéma. Et un public toujours aussi nombreux (on parle même d’un record de fréquentation). De quoi être confiant pour les 60 prochaines années…

Pour leur 24e cérémonie, les Teddy Awards, qui récompensent les meilleurs films gays et lesbiens, ont rappelé à quel point le combat pour l’égalité des droits était toujours vivace. Amnesty international est venu informer sur scènes les nouvelles lois des pays d’Afrique de l’Est qui condamnent à mort (ou à perpétuité) les homosexuels. Le Maire (ouvertement gay) de Berlin, Klaus Wowereit, a mis en avant le fait que nous sommes tous des êtres humains, se référant à l’article 1 de la Charte des droits de l’homme des Nations Unies. “Tout être humain naît libre et égal en dignité et en droit.”

Car, comme la Berlinale “classique”, les Teddy sont engagés, politiques et cinématographiques. Complètement intégrés dans le Festival, c’est devenu une section parallèle incontournable qui nourrit les autres compétitions. 28 films, toutes sections confondues, avaient pour thème l’homosexualité. Même le catalogue des Teddy, broché et coloré, se permet des invités prestigieux comme éditorialistes : Elfriede Jelinek (l’auteure de La Pianiste), Inrid Caven, Isabelle Huppert et l’éternel dandy Werner Schroeter, par ailleurs présent le soir de la remise des prix.

Le palmarès a récompensé The Kids are all right, de Lisa Cholodenko (en compétition officielle de la Berlinale), avec Julianne Moore et Annette Bening en couple lesbien, mères de famille, dérangées par l’intrusion du père biologique (Mark Ruffalo) de leurs deux adolescents. Une comédie de moeurs distinguée pour “la qualité de sa réalisation et la drôlerie avec laquelle il aborde les enjeux de l’homoparentalité d’aujourd’hui, ainsi que la complexité de la sexualité, des relations sentimentales et des liens familiaux.” Il était nommé face à deux autres films.

Mine Vaganti, de Ferzan Ozpetek, est aussi une comédie de moeurs, familiale, mais à l’italienne, avec un coming-out impromptu dans un clan traditionnel où les enjeux industriels croisent la réputation en société. Petit bonus (en de hors du charme irrésistible du film), rien ne se passe réellement comme prévu : il n’y a pas qu’un seul homo parmi les enfants, et cela (em)brouille tout.

Et puis Howl, de Rob Epstein et Jeffrey Friedman, où l’on revient à San Francisco à la fin des années 50, quand le poète Allen Ginsberg est confronté - judiciairement - à une Amérique conservatrice et Mccarthyste. Le film met en vedette James Franco, qui a reçu un Teddy u meilleur court-métrage pour The Feast of Stephen. Nous vous avions révélé plus tôt dans la semaine ( voir actualité du 14 février 2010) à quel point ce court métrage en noir et blanc était brillant.

Le Teddy du Jury est revenu à un autre Américain, Jake Yuzna, pour Open. Ce film, entre expérimentation sensorielle et esthétique, et documentaire fictionnel sur les sexualités oubliées (pandrogyne, transsexuel, hermaphrodite). Un voyage étonnant qui met en lumières les troubles et les angoisses de personnes marginalisées en quête d’affection.

Le Teddy du meilleur documentaire, enfin, a été décerné à La Bocca del Lupo, de Pietro Marcello.

L’an prochain, le petit Ours fêtera ses 25 ans.  Nul ne doute que les boîtes de nuit affichant le drapeau arc-en-ciel prolongeront la fête avec encore plus de paillettes…

Hors-compétition, la Berlinale présentait un film bollywoodien pas comme les autres. My Name is Khan, de Karan Johar, met en vedette la superstar indienne Shah Rukh Khan (ou Sha Rukh Khan ou Shahrukh Kha), après quasiment une année de disette pour ses fans. Surtout, son sujet était éminemment politique puisqu’il traite de la discrimination subie par les musulmans aux Etats-Unis après les attentats terroristes du 11 septembre 2001, tout en prêchant un retour à la tolérance.

Mais le film n’est sorti que dans quelques salles à Mumbay (Bombay) car les exploitants ont du céder aux pressions du Shiv Sena, parti d’extrême droite local.  Le parti voulait que l’on boycotte cette production coûteuse. Les producteurs ont alors réclamé auprès de la police que l’on garantisse la sécurité des spectateurs à l’entrée et à la sortie des cinémas. De quoi plomber un démarrage.

Car ne plaisantons pas, les membres de ce parti sont extrêmement violents. Ils avaient attaqué des salles, brûlé des affiches et encerclé la résidence de l’acteur dans les jours qui précédaient la sortie du film la semaine dernière. Au total, la police a arrêté 1 800 extrêmistes.

Mais qu’on ne se méprenne pas : leur colère n’est pas à l’égard du film mais de l’acteur. Shah Rukh Khan a en effet osé dire publiquement qu’il regrettait qu’aucun joueur pakistanais n’était dans la sélection de la Ligue de cricket indienne! Outrage patriotique! Quant au parti xénophobe Shiv sena, il a de moins en moins de crédit et cherche ainsi à rebondir médiatiquement.

Manque de chance, leur calcul s’est avéré faux. Quelque soit leur communauté, les habitants de la métropole sont venus manifestés, se mobilisent pour pacifier la ville et sont allés voir le film en masse. Le film a effectué le plus gros démarrage pour une production indienne en trois jours, avec au niveau mondial des recettes s’élevant à 18 millions de $, dont 2 millions de $ dans les 120 cinémas d’Inde. Aux USA, il a rapporté 2,5 millions de $ le même week-end, lui permettant, en étant 13e du box office, de devenirle plus gros succès bollywoodien en Amérique.

De là à dire que les extrêmistes lui ont fait sa pub…

Que serait un festival sans polémique ? Mérité, recherché ou fabriqué de toute pièce, le scandale permet d’entretenir le buzz, de provoquer la curiosité et surtout de faire parler. C’est bon pour l’image comme pour le business, même si la plupart du temps “l’affaire” retombe d’elle-même comme un soufflé en moins de 48h. Que voulez-vous : un film chasse l’autre.

Deux jours avant la remise de l’Ours d’or, et alors qu’il ne reste que trois films en compétition à découvrir, la Berlinale a donc connu sa première mini-polémique 2010, forcément politique. Comme cela arrive souvent ici, la cause en est un film traitant de l’époque nazie. Jud Süss (Film ohne Gewissen) d’Oskar Roehler (Les particules élémentaires) raconte la genèse du film de propagande nazie “Le juif Süss” commandé par Goebbels dans le but de renforcer la haine des Allemands envers le peuple juif. Cette œuvre, qui fut à l’époque montrée à plus de 20 millions de personnes, met en scène un marchand juif censé personnifier la lâcheté, la duplicité et la perversité dans la Prusse du 18e siècle. Elle est aujourd’hui encore interdite en Allemagne.

Le plus grand scandale provient probablement de sa mise en scène outrée et grandiloquente

Ce qui a le plus choqué les journalistes présents à la séance de presse (et qui ont sifflé le film, pratique bien plus rare à Berlin qu’à Cannes), c’est la liberté prise par Oskar Roehler et son scénariste Klaus Richter avec la vérité historique. L’épouse de Ferdinand Marian (l’acteur qui jouait Süss) devient ainsi juive pour les facilités du scénario (plus de compassion, moins de réflexion). Le film oublie aussi de préciser que le comédien continua sa carrière après le succès de Süss, donnant l’impression qu’il n’est qu’une malheureuse victime de Goebbels. Ces “évolutions arbitraires” revendiquées par le réalisateur ôtent à Jud Süss (Film ohne Gewissen) toute caution documentaire, ou au moins historique.

Privé de cela, il ne lui reste plus grand chose tant il est artistiquement raté. Le plus grand scandale provient probablement de sa mise en scène outrée et grandiloquente… mais d’une courte tête seulement devant son scénario si mal ficelé qu’il oublie la moitié des enjeux en route. Ne parlons pas des personnages qui sont au-delà de la caricature, réduits au degré zéro de la psychologie (alcoolique, neurasthénique, fanatique…).

Le sujet, malgré tout, éveille une nouvelle fois la mauvaise conscience et le sentiment de culpabilité des Allemands. D’où la réaction épidermique de certains, et l’ambiance gênée durant la projection. Probablement afin d’éviter tout débordement, la conférence de presse avec l’équipe du film a quant à elle été particulièrement bordée. Le modérateur a très largement monopolisé la parole en interrogeant longuement (et de manière purement inoffensive) les différents intervenants. Ensuite, les autres questions ont surtout porté sur des points de détail concernant les différences entre fiction et réalité.

Pas de quoi lancer une vraie polémique, mais suffisant pour souligner le malaise qui, aujourd’hui encore, accompagne systématiquement toute œuvre touchant au nazisme. Etant Allemand lui-même, Oskar Roehler savait à quoi s’en tenir en choisissant précisément la forme du mélodrame flamboyant et approximatif pour un sujet pareil. De là à penser que les sifflements et la menace de scandale faisaient partie de ses calculs, ou de ceux du Festival de Berlin…

A Berlin comme dans tous les festivals de cinéma du monde, après les quatre ou cinq films courageusement enchaînés, il est temps de se détendre en se rendant dans l’un des cocktails, soirées ou fêtes organisés chaque soir. Dans des lieux souvent select se pressent ainsi les heureux détenteurs d’invitations, sésame indispensable pour atteindre le buffet, le bar et la piste de danse.

Exemple avec la sympathique Taïwan Party qui se tenait le 16 février dans une des salles de réception du Ritz-Carlton : ambiance bon enfant (comme on l’avait précédemment remarqué à Cannes et à Vesoul, la représentation cinématographique de Taïwan sait s’amuser), service impeccable, animation joyeusement débridée et défilé permanent des équipes de films présents à Berlin. Avec, cerise sur le gâteau, la visite éclair de Jackie Chan, star internationale qui a provoqué quelques minutes de pur délire.

Les enjeux d’une telle soirée ne sont pas difficiles à comprendre, quoi que multiples. Une fête réussie, c’est bon pour l’image d’un pays, mais c’est surtout excellent pour les affaires. Il est ainsi primordial de promouvoir les quelque 100 films taïwanais (fictions, documentaires, animations, courts métrages et projets en cours de réalisation) disponibles sur le marché pendant la Berlinale. Parmi ces films (dont les plus anciens datent de 2008), on retrouve par exemple Cape n°7, prodige du box-office taïwanais en 2008, toujours pas sorti en France, No Puedo Vivir Sin Ti de Leon Dai, Cyclo d’or à Vesoul en début de mois, ou encore le dernier Tsai Ming-Liang (Visages), présenté à Cannes en 2009. Aux acheteurs, distributeurs et organisateurs de festival de tous les pays de faire leur choix !

Autre cible de la délégation taïwanaise : les producteurs et réalisateurs étrangers désireux de venir tourner à Taipei. Un guide très bien fait détaille ainsi les hauts lieux  de la capitale susceptibles d’accueillir un tournage. Temples, musées, monuments, clubs… tous les décors du monde sont là ! Et ce n’est pas tout.

Depuis janvier 2008, la commission du film de Taipei (une organisation semi-gouvernementale) est chargée d’assister les productions ayant lieu sur son territoire. Il s’agit notamment de faciliter les autorisations de tournage, favoriser les coproductions, fournir aux réalisateurs toutes les informations dont ils ont besoin… Un système d’aides financières est par ailleurs prévu pour les productions répondant à certaines conditions. En 2008, 660 000 dollars auraient ainsi été distribués.

Et Taïwan n’est qu’un exemple parmi d’autres, chaque pays présent ayant dans une certaine mesure des films à vendre, un paysage à louer et surtout sa part de rêve à gagner. Un joli cercle vertueux (?) qui devrait permettre d’alimenter les festivals en oeuvres comme en festivités pendant encore un bon moment…

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photo : les réalisateurs Hou-Chi-jan (One Day), Niu Chen-zer (Monga) et Arvin Chen (Au revoir Taipei)

La Berlinale a longtemps subit la Guerre Froide. Créée par le camp occidental à Berlin-Ouest, le mur avait figé les rapports avec les pays de l’Est de l’Europe. Un dégel s’opère dans les années 70, alors que le festival se tenait encore au début de l’été. Seuls le cinéma yougoslave (pays non aligné officiellement) avait droit de présence, et avait d’ailleurs récolté un Ours d’or en 1969. En 1974, un film russe est invité. En 1975, la compétition propose des films polonais, roumain, est-allemand, tchécoslovaque et russe. Une invasion. Y compris au palmarès : un acteur slovène, un réalisateur soviétique, un court métrage tchèque remportent chacun un Ours d’argent. Et pour couronner l’événement, le jury de l’actrice Sylvia Syms décerne l’Ours d’or du meilleur film à Adoption, de la hongroise Marta Meszaros (qui gagne aussi trois autres prix parallèles).

Adoption, l’histoire d’une ouvrière qui veut absolument un enfant avec son amant, un homme marié, sera une grande habituée du Festival, sélectionnée quatre fois, primée quasiment à chaque voyage,  et récompensée par une Caméra d’honneur en 2007. Cannes lui remettra un Grand prix du jury en 1984. Elle aura été aussi membre du jury en 1976.

Après cette date charnière, le festival se transforme en”ambassade” du cinéma du bloc communiste. Un Ours d’or sera remis à un film soviétique en 1977, L’ascension, de Larisa Shepitko, à une oeuvre est-allemande en 1985, quatre avant la chute du Mur, Die Frau und der Fremde, de Rainer Simon, et de nouveau à un film soviétique en 1987, Le thème, de Gleb Panfilov.

Car la fine fleur du cinéma venu de l’autre côté du rideau de fer a l’autorisation de présenter leurs oeuvres dans le camp ennemi. Par propagande évidemment. Car pendant ce temps là, si Sokourov, Sandor, Szabo, Wajda sont projetés, ils ne sont pas forcément visibles dnas leur propre pays…