Un prestigieux prix d’art contemporain pour un court-métrage filmé avec un iPhone

Posté par vincy, le 5 décembre 2018

Le Prix Turner pour l'art contemporain a été décerné cette nuit à un court métrage. Ce prix, qui a été créé en 1984 récompense des artistes de moins de 50 ans au Royaume-Uni. Cela reste une prestigieuse récompense dans le domaine.

Cette année, nous nous nous y intéressons parce que la lauréate est l'Ecossaise Charlotte Prodger, qui a réalisé un film entièrement avec un iPhone. Si la forme est résolument contemporaine, le style pas forcément novateur - un collage visuel de 32 minutes -, le fond a aussi été récompensé puisque l'artiste s'interroge sur les questions homosexuelles, bisexuelles et transgenres. Le jury a clairement souligné que la distinction revenait à une œuvre alliant à la fois l’identité des personnes “queer”, le paysage, la technologie et le temps .

Diffusé à la Tate l'an dernier, Bridgit est en fait une série de clips courts assemblés qui propose une méditation sur l'interaction entre l'espace, le temps et l'identité.

L'artiste a déclaré qu'elle utilisait un iPhone pour son travail parce qu'elle était souvent seule et que le téléphone était une extension d'elle-même: "Grâce à sa facilité d'utilisation et à la façon dont vous pouvez l'utiliser lorsque vous parcourez le monde. Pour moi, tout y est."

Naomi Kawase: « j’ai pris une caméra pour savoir d’où je viens et qui je suis »

Posté par vincy, le 29 novembre 2018

Du 23 novembre 2018 au 6 janvier 2019, le Centre Pompidou programme une rétrospective de l'œuvre de Naomi Kawase, soit 45 films, courts, longs, fictions ou documentaires. Caméra d'or (Suzaku, 1997) et Grand prix du jury (La forêt de Mogari, 2007) à Cannes, la cinéaste japonaise est invitée dans le cadre de Japonismes 2018, mise en lumière des artistes japonais en France. Elle sort cette semaine son dernier long métrage Voyage à Yoshino, sélectionné à San Sebastian.

Pour l’occasion, Naomi Kawase a créé ses deux premières installations, et réalisé un autoportrait commandé pour la collection du Centre Pompidou, Où en êtes-vous ?. Les Quatre saisons à Nara de Kawase sont exposées  en accès libre au Forum -1, à côté d’une nouvelle installation du cinéaste espagnol Isaki Lacuesta et de la correspondance filmée qu’il a entretenue avec Naomi Kawase en 2008 et 2009.

Samedi 24 novembre, la cinéaste et productrice était l'invitée d'une Masterclasse, animée par Olivier Père.

Elle y a évidemment évoqué Nara, cette province près de Kyoto, dont elle ne cesse de filmer sa nature et ses paysages: "Je suis née à Nara. J'y vis encore. Il est très difficile d'avoir accès au cinéma. Il n'y avait pas beaucoup de salles quand j'étais jeune. Il n'y en a plus aujourd'hui." C'est aussi une région fortement spirituelle, avec un Shintoïsme omniprésent, ce qui a fortement influencé sa vision et sa façon de vivre. Elle avoue: "Tout ça a été accentué par Nara. il y a une forte spiritualité dans ma région. J'avais l'impression de vivre ce que les gens vivaient il y a 1000 ans." De même pour son esthétique et sa manière de filmer les paysages et la nature: "Je tourne mes films en fonction de mon instinct. Et mon instinct s'est construit avec Nara."

Naomi Kawase s'est laissée embarquer par le 7e art un peu par hasard: "Je voulais faire quelque chose qui laisse une trace. Je n'ai pas pu être architecte car je dessinai très mal. Alors j'ai pensé être cinéaste, car les films restent après nous." Progressivement, après quelques années de photographie et d'enseignement, elle découvre les vertus d'une caméra: "Dans mon cinéma, il y a autant la présence que l'absence. En me comparant aux autres, j'ai remarqué en effet qu'il me manquait des parents biologiques. Je n'avais pas de famille. C'est assez rare au Japon. C'est pour ça que j'ai pris une caméra: pour savoir d'où je viens et qui je suis."

Aussi fait-elle de son cinéma, un mélange de cinéma introspectif, de documentaire de témoignage  et de fiction métaphysique. "Avant Suzaku, mes courts métrages parlaient de moi-même de ma mère adoptive. J'ai découvert un rapport étrange entre le moi objectif et le moi introspectif, entre la réalité et la fiction. Je n'étais plus tout à fait sa fille et je me voyais la filmer. C'est là que j'ai compris que je pouvais passer à la fiction." Elle confie qu'à l'époque ses relations avec sa mère étaient difficiles et tendues:  "A travers la caméra, j'ai amélioré ma relation avec [elle]. J'ai naturellement peur des gens . Je me repliais sur moi-même. la caméra m'a permis d'améliorer ma relation avec les autres et de m'ouvrir au monde dans lequel je vis."

Femme cinéaste, Naomi Kawase assume sa singularité. "Il y a une pression sociale dans la vingtaine avec le mariage, les enfants. Il faut résister, ne pas avoir peur d'être traitée d'égoïste, ce qui nécessite d'avoir une grosse force mentale." Être une femme n'est pas forcément facile surtout dans un milieu d'hommes. Pourtant, elle fait de cette faiblesse une force: "Du fait que j'étais une femme, ça a aussi eu des avantages. J'étais la seule réalisatrice japonaise, alors mes films étaient vite et mieux repérés, y compris à l'étranger..."

"Il y a toujours un scénario, qui est même très solide. Je réécris et je les corrige souvent, et ils sont en fait très précis" rappelle-t-elle pour lutter contre des idées reçues.

"Plus que de la mise en scène, je reconstitue la vie" nuance la réalisatrice pour définir son style, expliquant que sa vie personnelle et son entourage s'invitaient dans son cinéma à l'instar de ce libraire d'occasion qui incarne le vieux sénile dans La forêt de Mogari. Elle s'est toujours inspirée des sentiments qu'elle traversait. Ainsi quand sa mère est décédée, son monde de Nara a disparu. elle est allée retrouver une partie de ses origines sur l'île d'Amami, ce qui a donné Still the Water, où la grand mère décède dans un rite presque chamanique: "Pendant le tournage et le montage, j'ai pleuré. J'ai eu besoin de transmettre un message: le monde est beau, au-delà des changements."

On constate une évolution dans son cinéma depuis ce film, une ouverture vers des films plus populaires. Naomi Kawase revendique l'idée de ne pas changer tant que cela: "J'ai envie de choisir des films en fonction des rencontres. Il faut qu'il y ait une part de réalisme", donne-t-elle comme seul critère.

Le cinéma d’animation épate la galerie

Posté par MpM, le 23 novembre 2018


Vue de la galerie Miyu, 18 passage du chantier

Après avoir prouvé qu'il n'était pas un genre mineur, et qu'il pouvait tout à fait s'adresser à un public spécifiquement adulte, le cinéma d'animation s'échappe désormais de la salle obscure pour s'exposer en pleine lumière dans une nouvelle galerie qui lui est entièrement dédiée, la galerie Miyu.

A l'origine, Miyu est une société de production et de distribution spécialisée dans le court métrage d'animation avec une ligne très axée sur le cinéma d'auteur (on lui doit entre autres Je sors acheter des cigarettes d'Osman Cerfon, prix Emile Reynaud 2018, et Nothing happens de Michelle et Uri Kranot, prix André Martin 2017).

Grâce à la persévérance de son fondateur Emmanuel-Alain Raynal, la société s'est donc également dotée depuis le 17 novembre d'une galerie consacrée à l'animation d'auteur, internationale et contemporaine, qui propose à la fois des expositions temporaires in situ, des expositions itinérantes "clefs en mains" (dont une consacrée à La jeune fille sans mains de Sébastien Laudenbach, qui montre notamment l'étendue de son travail préparatoire), des activités hors les murs (à la demande) et même une galerie en ligne !


Simone Massi, "Amal et olivier" (Samouni Road, Stefano Savona, Picofilms, Alter ego, Dugong films, 2018)

La galerie physique, située au 18 passage du Chantier dans le XIe arrondissement de Paris, accueille jusqu'au 30 janvier une exposition consacrée aux images réalisées par Simone Massi pour les séquences animées du long métrage de Stefano Savona, Samouni Road. Un travail remarquable qui met en valeur la technique particulière de l'artiste : partir d’une surface entièrement noire et faire apparaître la lumière en grattant la matière. Les visages sont d'une expressivité déroutante, avec des personnages qui semblent planter leur regard dans le nôtre. Tout est saisissant, presque envoûtant, dans ces images qui existent bien au-delà du contexte du film de Savona.

En ligne, on trouve des œuvres de treize artistes internationaux (le chiffre est appelé à augmenter au gré des envies et des rencontres) qui sont à la fois des auteurs confirmés comme Georges Schwizgebel, Sébastien Laudenbach ou Florence Miailhe et des créateurs plus émergents tels que Alice Saey ou Kevin Manach et Ugo Bienvenu. On y trouve également deux cinéastes majeurs dont Ecran Noir vous a déjà parlé : Boris Labbé et Vergine Keaton, avec des pépites qui promettent de prolonger le plaisir pris en regardant leurs films...


Florence Miailhe, "La Rixe" (Au premier dimanche d'août, Les Films de l'Arlequin, 2002), exposition "French kiss"

Trois expositions in situ sont prévues pour cette première saison, et plusieurs itinérantes devraient voir le jour dans les mois à venir. Sans compter les expositions hors les murs, dont la première a déjà eu lieu à Viborg, au Danemark, autour du thème "French kiss". C'est que la matière ne manque pas, tant le monde de l'animation fourmille de créativité et d'auteurs. Une occasion en or de rencontrer Cécile Noesser, la gérante et co-fondatrice de la galerie Miyu, afin de parler de ce lieu atypique et singulier, né à une époque charnière pour le cinéma d'animation.

Ecran Noir : Une galerie entièrement consacrée au cinéma d'animation, c'est inhabituel !

Cécile Noesser : Oui, on est les premiers en Europe ! Il y en a une autre qui existe à Tokyo, c'est la galerie du réalisateur japonais Koji Yamamura. Dans son temps libre, il a ouvert un petit espace ouvert au public,  en bas de chez lui, où il vend des œuvres d'artistes dans la même ligne que nous. Il y a une vraie parenté avec cette galerie qui s'appelle "Au praxinoscope", en français dans le texte, en hommage au cinéma des premiers temps. Et puis c'est à peu près tout.

Bien sûr, il y a la galerie Artludik, qui défend plutôt une ligne entertainment, avec un paysage qui va du jeu vidéo à la bande-dessinée en passant par l'animation, mais une galerie dédiée entièrement aux auteurs de films d'animation, finalement on est les seuls avec Koji Yamamura.

EN : Comment l'idée a-t-elle germé ?

CN : Il y a une matière graphique qui est impressionnante, inépuisable, et c'est une frustration trop grande, quand on connait l'animation, de ne pas avoir plus accès à ces œuvres qui, jusqu'à présent, étaient considérées uniquement comme des étapes de travail avant le produit final, c'est-à-dire le film. Or ce sont des œuvres à part entière ! Il y a des auteurs qui sont reconnus depuis très longtemps pour leur travail graphique. Par exemple Georges Schwizgebel et Florence Miailhe qui travaillent la peinture animée, sont exposés depuis très longtemps dans le monde entier. C'est une vraie reconnaissance de leur travail, mais très partielle. Et c'est aussi très rare.

Il y a donc un continent de création à montrer, valoriser, explorer. L'envie vient de là. Il y a une deuxième raison qui est dans la continuité, c'est l'idée qu'il y a des trésors de création notamment dans le court métrage et qu'ils restent assez méconnus, malgré un grand dynamisme dans les festivals et même dans les émissions de télévision comme Court-circuit sur Arte. Il y a une ébullition autour de ces films-là, mais qui reste dans un cercle de cinéphilie et d'amateurs d'animation. On aimerait bien que ce continent créatif explose à la vue du grand public et du cercle du monde de l'art en général. Qu'ils reconnaissent cette partie de la création comme faisant partie du monde des arts visuels à part égale avec l'illustration, l'art contemporain, la bande dessinée...

EN : C'est aussi une manière de réaffirmer l'importance de l'animation, souvent considérée comme un genre mineur, moins "noble" que les autres.

CN : L'animation continue à pâtir du ghetto jeunesse d'une part et du ghetto "télé" d'autre part, puisque quantitativement, le plus gros de la production animation, c'est le dessin animé pour la télé. Par contre, il y a une énorme créativité du côté du court métrage, qui est reconnue dans le monde entier, qui commence à poindre dans le long métrage à travers des chefs d'oeuvre comme La Tortue rouge et La jeune fille sans mains. Donc c'est vrai que la galerie, c'est aussi une forme de signal pour dire que l'animation est également de l'art et doit être reconnue comme tel. On espère que ce sera un outil pour aller vers cette idée.

D'ailleurs ce n'est pas un hasard si la galerie naît maintenant. L'animation pâtit toujours d'une image réductrice, mais c'est en train de changer. En un mois, je suis allée voir de l'animation au Louvre, à la Maison de la poésie pour une performance autour du film Le tigre de Tasmanie de Vergine Keaton et à la foire Asia now, dans le cadre de la FIAC, pour une table-ronde sur les liens entre animation chinoise et art contemporain... tous ces événements dans des institutions aussi prestigieuses, c'est totalement nouveau ! On sent qu'il y a une vraie envie. Qu'il y a un patrimoine à valoriser et des innovations à suivre. Donc je pense qu'on est vraiment dans une période propice !

EN : Quel public espérez-vous toucher ?

CN : On sent qu'il y a une énorme curiosité, une attente et une envie de la part du monde de l'animation en général, qui est une communauté très internationale, d'où la galerie en ligne aussi. Ca, c'est ce qu'on connaît. Le grand public, on le sait aussi, est toujours émerveillé de voir ce genre d’œuvres, de comprendre le lien entre les œuvres et les films. Ce qui est caché derrière les films d'animation, ça fascine totalement les spectateurs. Et puis le public que l'on a envie de séduire également, c'est le monde de l'art, tout simplement. Le public des Beaux-Arts, le monde des galeries, les gens qui ont une culture visuelle et qui vont découvrir tout ce continent créatif.

EN : Que peut-on s'attendre à voir dans la galerie ?

CN : C'est très varié. Comme il y a différentes techniques, les images prennent différentes formes : dessin, peinture, papiers découpés, gravure... Ensuite, il y a différentes étapes dans la création : il y a les images finies pour le film, mais aussi des story boards, des recherches, des œuvres qui précèdent la création du film... C'est le cas notamment pour l'exposition consacrée à Simone Massi, où nous exposons trois grands formats qui sont des recherches et qui ne figurent pas dans le film terminé. Mais aussi le travail personnel des artistes pour le monde de l'édition, des projets d'affiche, des tableaux... Ce sera justement l'occasion de montrer toute la richesse de cette création.

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Galerie Miyu
18 passage du Chantier
75012 Paris

Accessible sur rendez-vous du mardi au samedi.
01 43 44 53 76

Consulter également la Galerie en ligne

Annecy 2017 : focus sur l’animation chinoise

Posté par MpM, le 15 juin 2017

Invitée d’honneur de l’édition 2017 du Festival d’Annecy, la Chine fait l’objet d’une programmation spéciale, avec notamment la projection de La princesse à l’éventail de fer (Wan Laiming et Wan Guchan, 1941), considéré comme le premier long métrage chinois d’animation, ou encore des rétrospectives chronologiques (les années 50, les années 60, les nouvelles générations…). Une grande exposition intitulée Art en mouvement permet également de mettre en perspective l’animation chinoise traditionnelle avec celle d'aujourd'hui.

La scénographie, simple et aérée, permet une découverte chronologique des premiers pas de l’animation chinoise. En 1950, un département d’animation est créé au Studio du film de Shanghai. Il prend son indépendance en 1957 et devient ainsi « les studios d’art de Shanghai », chargés de produire des œuvres éducatives et divertissantes inspirées du large éventail des arts chinois. Il se base sur des techniques classiques comme le papier découpé, les poupées et le dessin animé. L’animation connaît alors un âge d’or qui dure jusqu'au milieu des années 60 et reprendra à la fin des années 70 après avoir été interrompu par la Révolution culturelle.

C’est au sein des studios qu’est mise au point la technique du lavis animé qui permet de mettre en mouvement la peinture traditionnelle. C’est un procédé long et coûteux qui incite Hu Jinqing, réalisateur au département des découpages articulés, à inventer en 1976 un nouveau procédé, celui du lavis déchiré. Les personnages sont peints sur du papier de mûrier, puis déchirés pour laisser apparaître les fibres du papier. Ils sont ensuite placés sur les décors et animés image par image. Dans une vidéo tournée en 2003, Hu Jinping lui-même dévoile le processus qui l’a amené à créer cette technique, et en fait une démonstration.

L’exposition montre également des exemples de découpages articulés (Le pont de l’armée rouge de Qian Yunda, 1964), de dessins animés plus traditionnels (Le Roi des singes bouleverse le palais Céleste de Wan Laiming, 1961-1964) et d’animation en volume (poupées ou papiers pliés, comme les Petits canards intelligents de Yu Zheguang, 1960).

On découvre ensuite le travail contemporain de plusieurs artistes et réalisateurs qui se réapproprient les techniques traditionnelles ou inventent leurs propres procédés. On est par exemple frappé par les marionnettes à fil en porcelaine « bleu et blanc » qui sont au cœur de l’oeuvre de Geng Xue. Dans Mr Sea, présenté à Annecy, et qui s’inspire d’un conte du XVIIe siècle, un savant perdu dans le désert rencontre une prostituée et un serpent. Une histoire cruelle et même carrément sanglante puisque le serpent se repaît goulûment du sang de sa victime.

Ce n’est guère plus joyeux dans Chasing de Wu Chao et Xia Veilun qui met en scène une armée de poupées-baigneurs interchangeables, toutes vêtues de rouge, prises dans des tâches absurdes  et répétitives. Désincarnées, comme robotiques, elles finissent par être totalement inquiétantes, notamment quand certaines lavent machinalement les têtes privées de corps que d’autres ajustent ensuite sur leur cou vide.

On découvre également le travail de Haiyang Wang qui réalise des dessins au pastel sec et qui pour le film Freud, fish and butterfly , travaille sur une même feuille de papier qu’il efface au fur et à mesure ; celui de Yang Yongliang qui fait écho à la peinture traditionnelle Shanshui (montage et eau) à travers de vastes paysages recomposés où les montagnes sont en réalité des immeubles amoncelés, ou encore l’oeuvre de Sun Xun, artiste de premier plan en matière de dessin comme d’animation, et qui propose à Annecy une installation spécialement créée pour l’occasion, composée de plusieurs œuvres vidéos et d’une fresque murale réalisée in situ pendant le Festival.

Enfin, une dernière salle présente des oeuvres de grand format qui invitent à explorer des univers singuliers et déconcertants. Il y a notamment Ding Shiwei qui a scanné tranches par tranches le tronc d’un arbre de 70 ans qui avait dû être abattu et en a fait une vidéo immersive et contemplative présentée sur un écran large de 15 mètres, ; ou encore l’artiste numérique Miao Xiaochun qui a inventé le concept de « peinture algorithmique » et réalise des compositions foisonnantes dans lesquelles le temps et le mouvement tordent notre perception de l’image.

Si l’exposition rappelle que la frontière est toujours plus floue entre animation et art contemporain, elle démontre surtout le formidable dynamisme de la jeune création contemporaine chinoise qui s’embarrasse moins d’étiquettes et de formats que de trouver des modes d’expression adaptés à son propos. Quelles que soient les techniques utilisées, on ne peut d’ailleurs que constater la prégnance d’un regard critique porté sur le réel, ainsi que le désir unanime d’embrasser le monde dans tout ce qu’il a de plus complexe ou imparfait.

João Pedro Rodrigues en version intégrale au Centre Pompidou

Posté par vincy, le 25 novembre 2016

joao pedro rodrigues

18 films mais aussi deux courts où il n'est qu'acteur, quatre films dont il a encadré le travail issus de l'école du Fresnoy, une installation et un livre: jusqu'au 2 janvier 2017, le Centre Pompidou déroule le tapis rouge au cinéaste portugais João Pedro Rodrigues.

La rétrospective commence ce vendredi 25 novembre avec la projection des deux derniers films du réalisateur: Où en êtes-vous, João Pedro Rodrigues ?, autoportrait de 21 minutes réalisé sur une commande du Centre Pompidou, et L’Ornithologue, qui sort en salles mercredi. Léopard d’argent du meilleur réalisateur au Festival de Locarno, le film vient aussi d'être plébiscité au Festival Chéries-Chéris où il a remporté le Grand prix du jury et le Prix du public.

Cette séance d'ouverture sera suivie du vernissage de l’installation Santo António, de João Pedro Rodrigues et de son complice toujours João Rui Guerra da Mata. Après le Mimesis Art Museum en Corée du Sud et le Radcliffe Institute aux États-Unis, cette création de 2013 sera montrée pour la première fois en Europe. "Si on ne me commandait pas ces installations, je ne les aurai pas faites" avoue le cinéaste.

João Pedro Rodrigues a commencé en étant assistant-réalisateur et monteur pour Pedro Costa, Rita Azevedo Gomes et Maria de Medeiros avant de tourner son premier court métrage en 1997. Il fête ses 50 ans cette années et aborde les 20 ans de sa carrière. Deux caps. Son cinéma est sauvage et libre, sexuel et mélancolique, fantastique et poétique, et ses personnages, entre errance et solitude, obsessions et angoisses, se transforment sous nos yeux. Il revendique l'audace et la singularité, refuse tout formatage, comme il nous l'a expliqué dans un entretien à Ecran Noir.

"Ça fait du sens que ça tombe maintenant"

"J'ai déjà eu des rétrospectives, notamment aux Etats-Unis et dans quelques festivals" nous explique-t-il. "Mais je n'ai jamais fait une rétrospective comme ça, aussi complète, où j'accompagne les films" précise le cinéaste. "C'est drôle parce que ça tombe à mes 50 ans. Et quand on passe les décades, on regarde un peu en arrière. J'ai fait L'Ornithologue, et même si ce n'est pas un film autobiographique, il y a beaucoup de moi. Pompidou m'a demandé de faire un film et c'est un autoportrait. Ça fait du sens que ça tombe maintenant" selon lui.

Le cinéaste présentera les projections de ses films. En bonus, le Centre Pompidou organise une rencontre le 10 décembre à 16 h, avec un concert de la violoncelliste Séverine Ballon une séance de signature pour le livre d'entretiens Le jardin des fauves.

Filmographie de João Pedro Rodrigues
- 1988 Le Berger
- 1997 Joyeux anniversaire !
Voici ma maison
- 1999 Voyage à l’Expo
- 2000 O Fantasma
- 2005 Odete
- 2007 China, China (coréalisé avec João Rui Guerra da Mata)
- 2008 Camouflage Self-Portrait
- 2009 Mourir comme un homme
- 2011 Aube rouge (coréalisé avec João Rui Guerra da Mata)
- 2012 Matin de la Saint-Antoine
La dernière fois que j’ai vu Macao (coréalisé avec João Rui Guerra da Mata)
- 2013 Le Corps du roi
Mahjong (coréalisé avec João Rui Guerra da Mata)
Allegoria della prudenza
- 2014 Iec Long (coréalisé avec João Rui Guerra da Mata)
- 2016 L’Ornithologue
Où en êtes-vous, João Pedro Rorigues ?

Rencontres internationales Paris/Berlin/Madrid : entre nouveau cinéma et art contemporain

Posté par MpM, le 28 novembre 2008

logo_rencontres.jpgDernière étape de ce circuit qui traverse l’Europe (après Madrid en mai et Berlin en juillet), Paris accueille du 28 novembre au 7 décembre une programmation cinéma, vidéo et multimédia à la frontière entre nouveau cinéma et art contemporain. Ces rencontres internationales s’articulent autour de trois axes :
- des séances en salles : notamment une carte blanche aux réalisateurs Pedro Costa, Chantal Akerman et Antonio Muntadas ainsi qu’une présentation des derniers films de Philippe Grandrieux, Liu Wei et Ken Jacobs ;
- une exposition : "Data Meanings", qui présente une dizaine d'œuvres traitant du détournement et de la circulation des données sur internet
- un cycle de débats et tables rondes réfléchissant sur la réalité et les enjeux de la création contemporaine internationale.

En tout, ce sont ainsi 200 œuvres venues de plus de 60 pays qui seront présentées dans différents lieux de Paris parmi lesquels le Centre Pompidou, le Jeu de Paume, le Théâtre Paris-Villette, le Centre Culturel Canadien, le Goethe Institut, l'Institut Cervantès, le Centre Culturel Suédois et l’Institut Finlandais. Afin de faire de ces Rencontres un véritable forum interculturel, des échanges entre les artistes présents et le public sont également favorisés tout au long des dix jours.

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Rencontres internationale Paris/Berlin/Madrid
Du 28 novembre au 7 décembre
Informations et programme : www.art-action.org