Cannes 2020 : The Last Hillbilly et les films de l’ACID hors les murs

Posté par kristofy, le 25 septembre 2020

A cause du contexte de crise du coronavirus les trois sélections parallèles du Festival de Cannes avait annoncé leur annulation dès mi-avril : " la Quinzaine des Réalisateurs, la Semaine de la Critique et l'ACID ont le regret d’annoncer l’annulation de leurs éditions cannoises 2020... Afin de soutenir l’ensemble du secteur cinématographique, très affecté par la situation présente, chaque section, en concertation avec le Festival de Cannes, étudie cependant la meilleure façon de continuer à accompagner les films soumis à leur édition 2020". Depuis divers événements font découvrir des films 'Cannes 2020', et l'ACID organise aussi un accompagnement de ses 9 films sélectionnés (5 fictions et 4 documentaires).

Septembre symbolise le début d'une tournée qui passe par plusieurs de cette sélection ACID 2020 'Hors les murs' :

du 17 au 19 septembre 2020, à Nantes, au Cinématographe
du 25 au 29 septembre, à Paris, au Louxor
du 30 septembre au 2 octobre, à Montreuil, au cinéma Le Méliès
du 1er au 5 octobre, à Malakoff, au cinéma Le Marcel Pagnol
du 2 au 4 octobre, à Lyon, au cinéma Comoedia
du 8 au 11 octobre, à Marseille, au cinéma La Baleine et au Gyptis
du 10 au 18 octobre, à Lisbonne au Portugal, dans le cadre de la Festa do Cinema Francê
du 10 au 13 novembre, à Porto-Vecchio, à la Cinémathèque de Corse
du 20 au 29 novembre, à Belgrade en Serbie, dans le cadre du Festival du Film d’auteur
et d'autres festivals internationaux (Busan, Hambourg...).

La programmation ACID 2020 à Paris au Louxor, en présence des équipes de films  :

Vendredi 25 septembre, 20h00 = Ouverture avec THE LAST HILLBILLY + rencontre et discussion avec les réalisateurs du film & les cinéastes de l'ACID Idir Serghine, Jean-Louis Gonnet et Anne Alix.

26 septembre = 14h00 : LES AFFLUENTS + rencontre et discussion avec le réalisateur;16h00 : FUNAMBULES + rencontre et discussion avec le réalisateur, le compositeur et la productrice; 18h00 : IL MIO CORPO + rencontre et discussion avec le réalisateur et l'équipe du film; 20h30 : SI LE VENT TOMBE + rencontre et discussion avec la réalisatrice et l'acteur Grégoire Colin.

27 septembre = 11h00 : LOIN DE VOUS J’AI GRANDI + rencontre et discussion avec la réalisatrice; 14h00 : LA ULTIMA PRIMAVERA; 16h00 : WALDEN + rencontre et discussion avec la réalisatrice; 18h30 : LES GRAINES QUE L’ON SEME + rencontre avec le réalisateur.

28 septembre = 11h00 : THE LAST HILLBILLY + rencontre et discussion avec la réalisatrice Diane Sara Bouzgarrou; 14h00 : LES GRAINES QUE L’ON SEME; 16h30 : IL MIO CORPO + rencontre et discussion avec le réalisateur; 18h30 : FUNAMBULES + rencontre et discussion avec le réalisateur; 20h30 : LOIN DE VOUS J’AI GRANDI + rencontre et discussion avec la réalisatrice.

29 septembre = 14h00 : SI LE VENT TOMBE; 16h30 : WALDEN; 18h30 : LES AFFLUENTS + rencontre et discussion avec le réalisateur; 20h30 : LA ULTIMA PRIMAVERA + rencontre et discussion (via skype) avec la réalisatrice.

The Last Hillbilly, de Diane Sara Bouzgarrou & Thomas Jenkoe, en ouverture à Paris :

C'est l'occasion de découvrir ce documentaire, qui a aussi été sélectionné lors du Festival de Deauville, avant sa sortie prévue le 2 décembre. Il nous emmène dans une région des Etats-Unis peu représentée au cinéma, un endroit vers les montagnes Appalaches dans le Kentucky : ici plus qu'ailleurs les jeunes ont tendance à s'en aller vers des grandes villes et ceux qui restent sont encore attachés aux histoires d'un coin qui n'intéresse quasi plus personne. C'est un de ces endroits un peu isolé où les gens sont moins américains (ou plus) que d'autres, les hillbillies (les péquenauds) assistent à la disparition du mode de vie de leurs parents...

Le documentaire s'intéresse particulièrement à l'un d'eux et à sa famille. Brian est conscient de la désertification de la région et que tout ce qu'il a connu sera oublié, les enfants s'ennuient dans cette nature de forêt et de lacs et jouent soit aux jeux-vidéo soit à conduire un tracteur vers ailleurs. La caméra observe beaucoup et écoute leurs discussions, les deux réalisateurs se sont donné un rôle de témoin de ce qui se joue sans y ajouter leur commentaire. Et ce qui se joue est précisément la fin en marche d'un endroit rural à la fois profondément américain et en même temps hors de l'Amérique moderne. C'est une certaine tradition des pionniers qui n'est plus du tout attirante face au progrès (dont économique) des villes. Brian continue de raconter des histoires au coin du feu et les enfants de se baigner dans la rivière, mais tous ont le sentiment qu'il n'y aura plus vraiment de Hillbilly à l'avenir...

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ACID hors les murs au cinéma Le Louxor à Paris
du 25 au 29 septembre.
Renseignements sur le site de la manifestation

Deauville 2020 : Comment je suis devenu super-héros sauvera-t-il les salles de cinéma ?

Posté par kristofy, le 11 septembre 2020

Not all heroes wear capes, but a lot wear masks. Les super-héros, c'était avant-tout les comics américains à partir desquels il y a eu au cinéma dès les années 1970, quatre films avec Superman, avant une relance ensuite à la fin des années 80 (quatre films avec Batman), puis une débandade générale  (malgré The Crow, Spawn et Blade). Les années 2000 ont vu arriver des super-héros en série, rebootés par des effets plus réalistes et les excellents Spiderman et X-Men. Marvel a installé sa franchise avec Iron-Man et la folie d'une cadence industrielle qui s'en est suivie (plusieurs films par an, avec Disney, Sony, Warner, Fox...). Les recettes sont stratosphériques. Les super-héros américains deviennent des stars mondiales. Une overdose qui va continuer encore avec une nouvelle régénération de ce style de films (Joker, Wonder-Woman, The Batman). Et les super-héros européens? Comment je suis devenu super-héros réalisé par Douglas Attal intrigue forcément en voulant se confronter au genre.

La clôture du Festival du cinéma américain de Deauville est le lieu idéal pour le présenter, en compagnie de Douglas Attal, Pio Marmaï, Benoit Poelvoorde, Swann Arlaud, Gilles Cohen (il y a aussi Leïla Bekhti à l'affiche). Un film de super-héros 'à la française' était quelque chose que l'on pouvait craindre, la bande-annonce 'à l'américaine' était rassurante. Verdict : oui, on peut aussi faire ce genre de film avec des effets-spéciaux et une histoire bien construite.

Un grand pouvoir implique de grandes responsabilités

Les héros français "les plus super" semblent d'un autre siècle (Vidocq, Arsène Lupin, Fantomas, Adèle Blanc-Sec...). Il était quand-même temps d'avoir un peu plus de modernité. Il y a bien eu quelques films avec des super-pouvoirs au cinéma mais leur renommée fût très discrète : Simple Mortel en 1991 de Pierre Jolivet (d'ailleurs à Deauville), Vincent n'a pas d'écailles de Thomas Salvador en 2015 (avec déjà Vimala Pons), La Dernière Vie de Simon de Léo Karmann début 2020. Cette fois pour la première fois dans le cinéma français, on y verra, comme aux Etats-Unis, des personnages avec masque et identité secrète, un méchant psychopathe, et des justiciers. Pas de quoi renouveler le genre..

L'histoire est d'abord celle d'une enquête policière : Paris 2020, une mystérieuse substance procurant des super-pouvoirs à ceux qui n’en ont pas se répand. Face aux incidents qui se multiplient, deux flics sont chargés de l’enquête et avec l’aide de deux anciens justiciers, ils feront tout pour démanteler le trafic...

Influences assumées

Le film se déroule au présent et assume une influence des super-héros américains qu'on connaît tous plus ou moins. Ici on apprend qu'il y a d'ailleurs déjà eu quelques super-héros justiciers pour combattre le crime. Leur existence est donc établie (comme dans Watchmen). Plusieurs incidents avec des morts font démarrer une enquête, d'où va découler l'histoire. D'ailleurs c'est la bonne surprise du film, outre le feu, on y voit l'utilisation d'une variété de plusieurs super-pouvoirs différents.

Le policier est contraint de travailler avec une nouvelle partenaire : l'habituel duo de deux personnalités évidemment opposées qui va devoir découvrir comment et pourquoi une nouvelle drogue provoque des dégâts mortels... C'est la traditionnelle structure d'une enquête policière pour faire avancer la narration d'un film, avec des indices vers un suspect et des rebondissements vers un affrontement final.

Mais pourquoi est-il si méchant ?

Un film avec super-héros cela implique aussi un antagoniste de super-vilain, un génie du Mal ou une personne psychopathe à combattre. Encore lui faut-il une motivation plus crédible que devenir maître du monde, ou vendre des crèmes de beauté foireuses (Sharon Stone dans Catwoman). Ici le super-vilain est heureusement crédible avec une explication cohérente pour justifier ses actions criminelles, en plus d'être doté d'un comportement parfois imprévisible.

Comment je suis devenu super-héros comporte plusieurs suspects possibles. Mais, tout comme ses modèles américains, son identité est dévoilée bien avant la fin puisque l'intérêt du film reste la bataille et les difficultés pour le contrer et peut-être le vaincre. L'affiche du film montre des noms bien connus du public, il y a d'autres aussi dans le générique, on regrettera juste le choix peu inspiré du casting pour les hommes de mains complices autour de ce super-vilain...

Le réalisateur Douglas Attal connaît bien évidement tout comme les spectateurs le niveau de qualités techniques des films américains : les inspirations sont multiples aussi bien du côté du cinéma (Watchmen de Zack Snyder par exemple) que des séries télé (Heroes de Tim Kring), et  un roman français (de Gérald Bronner). Le film se passe en France mais l'équipe y a apporté sa touche avec un joli design sonore et musical (sauf la chanson finale) ainsi que des effets-spéciaux visuels qui voudraient se hisser à un haut-niveau pour qu'on y croit. Et ça marche. Avec 15 millions d'euros de budget, heureusement.

La nouvelle date de sortie de Comment je suis devenu super-héros pour le voir en salles (avec un masque !) est pour le 16 décembre. Cela peut changer. Le distributeur français, Warner Bros, va sans doute reporter aux fêtes son Wonder Woman 1984. Or, on le sait: une super-héroïne américaine est toujours plus forte...

Deauville 2020 : Wendy, le nouveau conte onirique de Benh Zeitlin

Posté par kristofy, le 10 septembre 2020

C'était en 2012 que Benh Zeitlin, à peine 30 ans alors, a été révélé à la planète cinéma avec son premier film Les Bêtes du Sud sauvage. Il se paye un grand chelem de récompenses : Grand Prix au Festival de Sundance, Caméra d'or au Festival de Cannes, Grand Prix au Festival de Deauville doublé aussi du Prix de la Révélation, puis enfin quatre nominations aux Oscars.

Depuis l'annonce de la finalisation de son second film Wendy, celui-ci était très attendu. Présenté à Deauville, après un premier passage à Sundance en janvier, et une sortie américaine en février, il sera dans nos salles le 9 décembre.

Le pitch: Perdue sur une île mystérieuse où l'âge et le temps ne font plus effet, Wendy doit se battre pour sauver sa famille, sa liberté et garder l'esprit jovial de sa jeunesse face au danger mortel de grandir...

Si ce prénom d'une enfant qui voudrait ne plus grandir vous semble familier, il s'agit effectivement d'une adaptation très libre de la mythique histoire de Peter Pan. Après plusieurs films hollywoodiens et spectaculaires comme celui, en 2003, de P. J. Hogan ou, en 2015, de Joe Wright (sans oublier ce Peter Pan adulte en 1991 dans Hook ou la Revanche du capitaine Crochet de Steven Spielberg),  c'est une toute autre approche de l'histoire que Zeitlin propose, sans fée Clochette.

C'est justement le personnage de la fillette, Wendy, qui est l'héroïne du récit de Benh Zeitlin.

L'histoire débute de de nos jours. Wendy a deux frères, James et Douglas. Leur mère a un travail prenant dans un restaurant. Ils s'amusent avec innocence à leurs jeux d'enfants. Plusieurs choses font entrevoir la réalité du monde des adultes quand on grandit : une affiche d'un enfant disparu, la maman qui leur dit que "la vie change, les rêves changent" avec une petite amertume... La vie passe et rien ne se produit jamais ? Pas pour Wendy qui ne souhaite pas grandir. La voilà suivie de ses deux frères sur un train, dans une barque à découvrir une île volcanique guidés par Peter (un petit garçon noir) avec d'autres enfants. Leurs jeux dans les arbres et dans l'eau sont de joyeuses aventures, mais il y a aussi un bateau et le danger que représentent des adultes... Grandir semble toujours être une malédiction redoutée, d'autant plus quand on croise un homme ayant eu une main coupée (remplacée par un crochet), véritable menace sur l'innocence.

Evacuer la tristesse

Benh Zeitlin a pris le risque de s'inspirer du mythe de Peter Pan pour nous proposer à sa manière la version contemporaine et naturaliste de Wendy. Certains spectateurs ont été désarçonnés avec ce film d'enfance qui ne s'adresse pas aux enfants. En épousant la morale de l'histoire originelle de J.M. Barrie, il rappelle plutôt aux adultes la part d'enfance qui est en eux. Et tout ceux qui attendent Wendy, après avoir été séduit par Les Bêtes du Sud sauvage devraient être totalement sous le charme. On y retrouve beaucoup d'éléments similaires : une histoire avec le point de vue d'une fillette en premier rôle, une musique symphonique de fanfare semblable, et cette symbolique écologique avec le vivant qu'il faut préserver.

Wendy est autant une aventure fabuleuse qu'un conte onirique. Il serait à ranger entre Le Labyrinthe de Pan de Guillermo del Toro et Chasseuse de géants de Anders Walter, tant il partage une thématique commune : "ne pas laisser la tristesse nous envahir". Pour cela, il suffit de se laisser emporter par la poésie de Benh Zeitlin.

Deauville 2020-Cannes 2020 : Que vaut A Good Man, avec Noémie Merlant ?

Posté par kristofy, le 7 septembre 2020

Parmi les films français ayant reçu le label "Cannes 2020" qui sont invités à Deauville, deux titres étaient très attendus : Teddy de Ludovic & Zoran Boukherma avec Anthony Bajon. Une histoire de loup-garou qui est d'ailleurs très réussie (en salles le 13 janvier 2021), et A Good Man de Marie-Castille Mention-Schaar avec Noémie Merlant et SoKo, où un homme envisage d'enfanter... Il ne sortira qu'en mars 2021. Le pitch est singulier: Aude et Benjamin, infirmier,  s’aiment et vivent ensemble depuis 6 ans. Aude souffre de ne pas pouvoir avoir d’enfant alors Benjamin décide que c’est lui qui le portera...

C'est l'importance de son sujet et les questions soulevées qui font de A Good Man un film à la fois risqué, osé, espéré, voir même redouté. Sans rien divulgâcher, puisque le synopsis le suggère et que la révélation se fait très tôt dans le récit : dans cette histoire Benjamin s'appelait avant Sarah, Benjamin est un homme trans qui pourrait enfanter... Le visage androgyne de Noémie Merlant sur l'affiche intrigue mais le film est avant tout une grande et belle histoire d'amour.

Marie-Castille Mention-Schaar a déjà initié de nombreux films en tant que productrice (pour Antoine de Caunes, Pierre Jolivet...) et  comme scénariste (La Première Étoile avait eu le César du meilleur premier film). Comme réalisatrice, ses comédies ont été décevantes (Bowling, La fête des mères), alors qu'elle est bien plus à l'aise avec des drames basés sur des histoires vraies (Les héritiers, Le ciel attendra qui avait contribué à révéler Noémie Merlant). Et c'est justement dans cette veine de ses films 'inspirés d'une histoire vraie' qu'elle réalise A Good Man.

Aux Etats-Unis, plusieurs centaines d'hommes ont donné naissance à un bébé. Avec son coscénariste, Chris­tian Son­de­reg­gerelle, elle avait déjà participé à la production du documentaire Coby à propos de quelqu'un né fille et qui après 20 ans, était devenu un homme, ambulancier de métier. C'est en fait ce documentaire qui a influencé la préparation de  A Good Man.

« Je ne veux pas tout, je veux les mêmes choses que toi, ni plus ni moins. »

A Good Man est donc une fiction tout autant inventée que documentée. De nombreuses questions à propos du changement de sexe y sont abordées. Cette séance de Deauville, la première du film en présence de l'équipe (Marie-Castille Mention-Schaar, Noémie Merlant, Vincent Dedienne, Jonas Ben Ahmed, Anne Loiret, Alysson Paradis) a été bien accueillie avec plusieurs minutes de standing-ovation à la fin. Certaines voix après la projection ont été moins flatteuses, regrettant les trop nombreux poncifs sur le thème de la transition d'identité. De fait, il accumule certains passages obligés (la mère qui ne parle plus à Benjamin avec qui elle va renouer, la douche avec la lumière éteinte, le meilleur ami qui se sent trahi...), parfois de manière maladroite.

Une autre faiblesse tient à la présentation du personnage de Benjamin aux spectateurs. De quoi désarçonner : on y voit moins un homme qu'une Noémie Merlant déguisée, avec une voix grave pas naturelle. Heureusement cette impression s'estompe en cours de film où progressivement on oublie l'actrice pour ne plus voir que le personnage masculin (sans compter que Benjamin devenu homme est - cliché - accro aux jeux-vidéo et aux hamburgers...). Il ne serait pas étonnant qu'une polémique naisse: pourquoi ne pas avoir pris un acteur trans pour le rôle?

Sans doute Marie-Castille Mention-Schaar a voulu mettre dans son film trop de choses. Cependant, c'est contrebalancé par une certaine subtilité de l'ensemble : une transition femme-homme se fait sur une longue période et en plusieurs étapes qui mêlent l'intime, l'administration, le regard des autres et maintes épreuves. Et avouons-le, Noémie Merlant s'impose encore plus comme interprète audacieuse et stupéfiante.

Marie-Castille Mention-Schaar a déclaré sur scène: « faire un film pour moi c'est échanger, dialoguer, ouvrir le dialogue, essayer toujours de faire en sorte qu'on vive mieux ensemble », et c'est justement ce à quoi va inviter A Good Man.

Deauville 2020 : The Assistant se confronte à Harvey Weinstein

Posté par kristofy, le 6 septembre 2020

L'affaire Harvey Weinstein avait secoué les Etats-Unis avant de propager son onde de choc au reste du monde. Le phénomène #MeToo (en France #BalanceTonPorc), puis de nombreuses remises en question sur du sexisme et des revendications féministes avec 'Time's Up' ont envahit des débats et apporté son lot de révélations.

Le producteur et distributeur était considéré comme tout puissant avec des films oscarisés, rentables, avec ses sociétés Miramax puis Weinstein Company. En 2017 le scandale éclate : une centaine d'agressions sexuelles et une quinzaine de viols, des 'promotions canapé'... C'était su. Il était intouchable. De manière plus large, l'affaire a mis au grand jour un système de harcèlement sexuel dans le cadre du travail, avec la complicité passive de son entourage (assistants et divers collaborateurs) qui à diverses reprises a fait en sorte de couvrir le boss et de négocier le silence de victimes.

Une telle affaire aux nombreuses répercussions est bien entendu une source d'inspiration pour des films : il y avait déjà eu le documentaire L'Intouchable de Ursula Macfarlane, Scandale de Jay Roach à propos de Roger Ailes patron de Fox News Channel (avec Charlize Theron, Nicole Kidman, Margot Robbie)... C'est également le sujet de cette fiction aux allures de vrai/faux biopic du point de vue d'une secrétaire : The Assistant de Kitty Green dans la compétition de Deauville. Le film n'a pas encore de distributeur en France.

Le film se concentre sur une longue journée de travail en tant qu'assistante de Jane qui arrive très tôt la première au travail : elle fait un peu de nettoyage, elle prépare des cafés et imprime des feuilles de planning qu'elle distribuera aux autres, et elle passera beaucoup de temps au téléphone à faire des réservations de voyage. Dès le début, on remarque qu'elle ramasse un bracelet perdu ou arraché au pied d'un canapé : elle sait, et nous savons aussi, ce que cela signifie. Au fur et à mesure de sa journée, on remarque que son boulot est de faciliter la vie de son "boss" dans tous ses aspects, surtout non-professionnels : filtrer au téléphone les appels furieux de sa femme; accueillir une grande blonde, actrice, qui vient pour un entretien; réceptionner des colis, dont celui qui contient des seringues d'un médicament à s'injecter pour stimuler une érection...

Toute l'histoire de cette journée se déroule en observant les tâches de cette assistante, et principalement dans son bureau qui voisine avec celui du patron. Bien qu'il s'agit d'une entreprise de production de films qui n'est jamais nommée, et que le patron n'est jamais à l'image (on entend juste sa voix) : c'est bien une histoire qui raconte comment les employés proches de Harvey Weinstein étaient au courant de ses pratiques. Durant cette journée, arrivera une très jeune-fille, ancienne serveuse, convoquée pour postuler à un poste alors qu'elle n'en n'a pas les qualifications. Elle est jolie comme tant d'autres. Il faut l'amener dans un hôtel, organiser l'absence du patron et décaler les rendez-vous...

Ouverture à l'imaginaire du spectateur

Le récit de The Assistant est tendu par les habitudes de prédateur du patron qui sont laissées à l'imagination des spectateurs. Plus largement il montre aussi une certaine répartition des tâches entre cette femme et ses collègues masculins : ils renvoient vers elle les choses qu'ils ne veulent pas faire, certains font des blagues entre eux à propos de ce qui se passe sur le canapé dans le bureau de leur chef, que tout le monde craint. A un moment l'assistante va oser parler à quelqu'un de la situation mais, comme être employé dans cette société est une position très convoitée, elle sera dissuadée d'aller plus loin si elle veut garder son poste. Emprise, perversité, manipulation, culpabilité, complicité... Rien n'est simple.

Le film démontre comment le silence a été gardé pendant si longtemps à propos de Harvey Wenstein. L'intelligence de The Assistant est de raconter le cas Weinstein pour aussi évoquer toutes les relations de pouvoir hiérarchique toxiques... Et tous les silences qui permettent à ces liaisons dangereuses et sulfureuses de prospérer à l'écart des lois et de la morale.

On-Gaku : notre rock ! de Kenji Iwaisawa en avant-première dans la salle virtuelle du Forum des images

Posté par MpM, le 5 juillet 2020

Pour sa dernière séance de l'été, le FIL, la salle virtuelle du Forum des images créée début juin, propose mardi 7 juillet en avant-première le long métrage On-Gaku : notre rock ! de Kenji Iwaisawa, adaptaté d'un manga de Hiroyuki ?hashi.

Le film, qui était présent en compétition "Contrechamps"au Festival d'Annecy online, d'où il est reparti avec le prix de la meilleure musique originale, raconte comment une bande de lycéens un peu délinquants se lance dans la musique pour former un groupe. Il est attendu sur les grands écrans français en 2021, où il sera distribué par Eurozoom.

La séance, qui se tiendra à 20h30 sur la plate-forme e-cinéma de La vingt-cinquième heure, sera précédée d'un message vidéo de Marcel Jean, le directeur artistique du Festival international du film d’animation d’Annecy, et suivie d'une rencontre entre Amel Lacombe, directrice d’Eurozoom, et Xavier Kawa-Topor, délégué de la NEF animation, animée par Fabien Gaffez, directeur des programmes du Forum des images.

A noter qu'après des mois de fermeture suite à la crise sanitaire, le Forum rouvre physiquement jeudi 9 juillet, avec le programme 35 films en 35 [mm] qui se tiendra jusqu'au 26 juillet. L'occasion de (re)découvrir des films ayant Paris comme sujet ou décor issus des collections de l'institution, et projetés dans le format roi dont les cinéphiles ont cruellement été privés pendant le confinement.

C'est Partie de campagne de Jean Renoir, précédé de Pourvu qu'on ait l'ivresse de Jean-Daniel Pollet, qui ouvre le cycle. Seront également présentés Le Bonheur d'Agnès Varda, La Sentinelle d'Arnaud Desplechin, Nuit et Jour de Chantal Akerman, Playtime de Jacques Tati ou encore Brigitte et Brigitte de Luc Moullet. De quoi renouer avec un lieu qui nous manquait et d'y faire le plein d'images grand format avant la rentrée de septembre.

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On-Gaku : notre rock ! de Kenji Iwaisawa
Mardi 7 juillet à 20h30
Plus d'infos sur le site du Forum des images

Et si on regardait… le Festival national d’animation BIS

Posté par MpM, le 8 avril 2020

Alors que Festival d'Annecy, carrefour mondial du cinéma d'animation, vient d'officialiser l'annulation de son édition 2020, qui sera remplacée par une édition en ligne du 15 au 20 juin prochain, le cinéma d'animation n'a pas tout à fait dit son dernier mot. Le Festival national de Rennes, qui avait dû lui aussi renoncer à organiser sa 26e édition, propose en effet dès ce mercredi 8 avril à 10 h une version BIS entièrement dématérialisée !

Grâce au soutien de la plateforme de vidéo à la demande UniversCiné et du média breton de culture en ligne KuB, plusieurs programmes de la sélection officielle 2020, représentant environ 90 films, seront en effet disponibles en ligne jusqu'au 12 avril. Outre les sept programmes de courts métrages en compétition, les internautes pourront découvrir six longs métrages dont J'ai perdu mon corps de Jérémy Clapin, Les Hirondelles de Kaboul de Zabou Breitman et Eléa Gobbé-Mévellec, La Fameuse invasion des ours en Sicile de Lorenzo Mattotti ou encore L'extraordinaire voyage de Marona d'Anca Damian et Sam-Sam de Tanguy de Kermel en exclusivité VOD.

Seront également accessibles gratuitement les clips - écrans rythmiques, les films bricolés et les films faits maison. Par ailleurs, des interviews exclusives de réalisateurs en compétition seront diffusées sur le site du Festival.

La grande fête annuelle de l'animation française aura ainsi bien lieu, en attendant celle de l'animation mondiale courant juin. L'occasion de vous recommander quelques courts métrages qui valent le déplacement (virtuel), tels que Ruunpe de Boris Labbé, Moutons, loup et tasse de thé de Marion Lacourt, Les songes de Lhomme de Florent Morin, L'heure de l'ours d'Agnès Patron, et des films étudiants, à l'image de L'échappée de Benoit Michelet, Le chant des poissons-anges de Louison Wary ou encore Chat de Rui Chang.

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Festival national d'animation de Rennes BIS
Du 8 au 12 avril
Plus d'informations sur le site de la manifestation

Cartoon movie 2020 : deux longs métrages à découvrir en salles dès la rentrée

Posté par MpM, le 9 mars 2020

C'est l'un des petits bonheurs du Cartoon movie, dont la 22e édition se tenait du 3 au 5 mars à Bordeaux : découvrir en grande avant-première les images des longs métrages d'animation attendus sur nos écrans dans les mois à venir. Car si la majorité des présentations est consacrée à des projets qui n'en sont parfois qu'au stade de concept, quelques films terminés sont toujours de la partie, annonçant les grands temps forts de l'année.

Et quels temps forts !, puisque l'on a pu découvrir des extraits de La Traversée, le premier long métrage de la réalisatrice Florence Miailhe, connue pour ses courts métrages récompensée notamment d'un César (Au premier dimanche d'août en 2002), et d'une mention spéciale à Cannes (Conte de quartier en 2006), ainsi que  les vingt premières minutes de Calamity, une enfance de Martha Jane Cannary de Rémi Chayé, à qui l'on doit le très beau et poétique Tout en haut du monde, qui mettait déjà en scène une héroïne libre et débrouillarde dans un monde d'hommes, celui des explorateurs.

La Traversée de Florence Miailhe (sortie le 9 septembre 2020)


Après plus de douze ans de travail, Florence Miailhe et sa productrice Dora Benousilio (Les Films de l'Arlequin) étaient passablement émues de nous annoncer que, ça y est, La Traversée est terminé, prêt à commencer une belle carrière en festival, avant d'être dévoilé au grand public début septembre.

Situé dans un pays imaginaire et dans un contexte atemporel, mais faisant évidemment écho à l'Histoire du XXe siècle comme à l'époque contemporaine, le film suit Kyona et Adriel, deux enfants jetés sur les routes de l'exil, à la recherche d'un pays plus clément où vivre libres. On a pu découvrir des extraits de quelques séquences emblématiques, comme le moment où ils assistent, impuissants, à l'arrestation de leurs parents, ou leur traversée clandestine dans une barque de fortune qui les amène vers un inconnu bien incertain, à la merci de trafiquants d'êtres humains.

Visuellement, on est une nouvelle frappé de stupeur devant la profusion de couleurs vives qui donnent une tonalité très picturale aux premières scènes. Qu'il s'agisse du corsage jaune de Kyona ou des feuilles orangées des arbres au début de l'automne, tout semble étinceler de lumière et de vie. Au fil du périple, bien sûr, l'esthétique se modifie, comme lors de ce passage plus hivernal, dans une forêt recouverte de neige, qui joue au contraire sur le contraste entre le noir et le blanc, et nous offre un passage quasi abstrait pour représenter la tempête qui fait rage. Un autre plan magnifique montre le souffle chaud d'un chien qui fait tout à coup apparaître le visage de la jeune fille ensevelie sous la neige. Il faut enfin dire un mot des séquences nocturnes, qui jouent sur un camaïeu de teintes plus bleutées, comme voilées par l'obscurité.

Cet aperçu nous a par ailleurs permis de se faire une idée des différentes épreuves traversées par les deux enfants, mais aussi des moments de douceur qui malgré tout s'offrent à eux, et du mélange de solidarité et de compassion qui, parfois, les accompagne. On sent ainsi que le film ne se veut pas un drame larmoyant, mais plutôt une fresque flamboyante et vibrante qui réunisse en un même mouvement humaniste tous les migrants, exilés et autre réfugiés de l'Histoire, laissant le spectateur libre de dresser les parallèles qui s'imposent avec la situation actuelle.

Calamity, une enfance de Martha Jane Cannary de Rémi Chayé (sortie le 15 octobre)


Voilà peut-être le cadeau le plus frustrant de cette édition du Cartoon movie : nous montrer les 20 premières minutes de Calamity, puis interrompre la projection en nous demandant d'attendre octobre pour connaître la suite des aventures de sa jeune héroïne ! On en a en tout cas vu assez pour savoir que le film réunit tous les ingrédients pour séduire largement au-delà du cadre purement familial.

Rémi Chayé s'attache en effet à l'enfance de celle qui deviendra "Calamity Jane", et plus précisément à ce moment de bascule qui l'amène à prendre conscience de sa condition de femme. Les séquences d'exposition la montrent ainsi en compagnie des autres enfants du convoi qui travers l'Ouest sauvage pour rejoindre l'Oregon. Pendant que les garçons chevauchent parmi les chariots et surveillent le troupeau, elle marche durant des heures, et met ce temps à profit pour imaginer la vie de rêve qui les attend à destination. Mais voyant qu'il lui à la fois impossible d'aider son père blessé, et qu'en plus personne ne la prend au sérieux, la jeune adolescente s'impose en secret un entraînement intensif pour être capable de monter à cheval et de manier le lasso comme un homme.

Si le début du film semble aller à cent à l'heure, détaillant de manière assez classique la rivalité entre la jeune fille et le fils du chef, net écho de la rivalité de classe qui existe entre leurs pères, la suite du récit devrait se resserrer principalement sur elle, et sur le parcours initiatique qui l'amènera à se révéler. On est bien sûr curieux de voir si la narration trouvera alors un rythme moins précipité, mais quoi qu'il en soit on est déjà convaincu par les choix formels de Rémi Chayé et de son équipe.

Le réalisateur reprend en effet une partie de l'esthétique au coeur de Tout en haut du monde (vastes aplats de couleurs et absence de traits de contours) qui donne aux paysages l'aspect quasi impressionniste de vastes tâches de couleurs. Les plans rapprochés sur le visage décidé de la petite héroïne alternent également avec les plans larges et les amples mouvements de caméra sur les grands espaces que traversent les personnages. De quoi assurer la personnalité visuelle du film, entre simplicité de représentation et incitation à l'imaginaire, et assumer son héritage cinématographiques forcément mâtiné de westerns et de films d'aventures.

Berlin 2020 : La Femme qui court, un Hong Sang-soo en demi-teinte

Posté par MpM, le 27 février 2020

Hong Sang-soo tourne tellement qu'il parvient à être à la fois un habitué de Cannes, de Locarno et de la Berlinale. Deux ans seulement après le très bon cru Grass présenté au Forum, il est donc de retour à Berlin, et en compétition qui plus est, avec son nouveau film La femme qui court (à ne pas confondre avec son autre nouveau film, Hotel by the river, qui sort le 22 avril en France).

Dans ce nouvel opus, changement de décor : le film s'ouvre sur un plan rapproché de poules, puis sur une femme qui jardine. Nous sommes à la campagne, dans un pavillon tranquille et reculé en banlieue de Séoul, où l'héroïne Gamhee (Kim Minhee, l'interprète désormais fétiche de Hong Sang-soo) vient rendre visite à l'une de ses amies. La structure sera comme toujours symétrique : trois rencontres, trois successions de conversations à bâtons rompues, et une multitude de similarités, de variations et de non-dits.

Malgré ce dispositif presque austère qui repose principalement sur les dialogues, il se dégage du film une impression appuyée de romanesque, en raison d'un foisonnement de personnages et d'intrigues secondaires réelles, supposées, suggérées ou même cachées. On a alors plus que jamais l'impression d'une immense connexion entre tous les éléments du film, et on se prend à imaginer les histoires qui se dissimulent derrière le récit principal, et dont la plupart nous sont invisibles. Il y a cette jeune fille qui va à un entretien d'embauche avec une gueule de bois, un voisin dont l'épouse a peur des chats, un poète harceleur, une jeune femme en admiration devant l'écrivain qu'elle interview... Sans oublier des personnages qu'on ne voit jamais, et qui sont pourtant source de nouvelles histoires : le voisin du dessus, le mari de Gamhee, la femme disparue...

L'intuition que tous sont liés d'une manière ou d'une autre (même si on n'en aura jamais de confirmation concrète) est renforcée par un motif propre lui-aussi au cinéma de Hong Sang-so, le jeu d'échos permanent entre les différentes parties du film et les petits détails qui se répondent et se complètent. Car ce qui relie les personnages de La femme qui court est peut-être tout simplement leur plus petit dénominateur commun, à savoir leur part d'humanité, une question qui ne cesse d'obséder le réalisateur coréen depuis ses premiers films, et dont une carrière entière ne suffirait à faire le tour.

Si l'on prend son oeuvre sous cet angle, pas étonnant que Hong Sang-soo tourne tant, et que ses détracteurs (de mauvaise foi) aient le sentiment de voir sans cesse le même film. C'est que la condition humaine, puisque c'est bien ça dont il est question, mérite bien quelques variations répétées sur le thème de l'amitié et de l'amour, sur la manière dont on communique les uns avec les autres, ou celle dont on vit ensemble, séparément, ou les uns à côté des autres, en harmonie ou dans l'indifférence.

Quelle surprise, c’est le couple qui est au centre de son nouveau film, comme des préoccupations des personnages. Des couples que l’on ne voit jamais, mais qui sont abondamment évoqués dans les longues conversations que Damhee a avec ses amies. On est d’ailleurs dans la situation presque caricaturale d’un film réunissant principalement des personnages féminins (les hommes sont des figurants et des silhouettes, et souvent ils n’ont pas le beau rôle) qui passent néanmoins la majorité de leur temps à parler d’hommes. On croit, à deux reprises, que le film suggère des relations lesbiennes. Mais c’est bien le couple hétéro-normé qui occupe tout l’espace.

Comme souvent avec Hong Sang-soo, ce qui est dit compte moins que ce qui est suggéré ou tu. À l’une de ses amies, qui vient de divorcer, l’héroïne déclare que son ex-mari (metteur en scène) mérite d’échouer. Elle n’en dira pas plus, mais la référence à la situation du réalisateur lui-même, qui a quitté sa femme pour Kim Minhee, est transparente. Même chose avec cette autre jeune femme qui se plaint que son compagnon parle trop, et pour dire toujours la même chose, qui résonne avec les propos de Damhee elle-même. Cette dernière raconte en effet à ses trois amies, sensiblement dans les mêmes termes, qu'elle est séparée pour la première fois de son mari depuis leur mariage, cinq ans auparavant. Et d'expliquer que pour lui, lorsqu'on s'aime, on doit rester ensemble en permanence. Rien de plus n'est dit, mais le spectateur s'interroge : pourquoi avoir soudain dérogé à cette règle ?

Le reste du film est tout à fait dans la lignée du cinéma habituel de Hong Sang-soo : plans fixes, mouvements lents de caméra qui zooment et dézooment, longs dialogues. L'alcool, de même que le cinéma et la création en général, jouent un rôle moins important que parfois, mais ne sont pas totalement absents pour autant. Les conversations sont souvent terre-à-terre ou à double lecture (comme ce coq méchant qui assoit son autorité en arrachant les plumes des poussins). Les animaux, de manière générale, reviennent à plusieurs reprises, avec une mention spéciale à la séquence totalement burlesque dans laquelle un homme vient se plaindre parce que ses voisines nourrissent les chats errants, et qu'elles lui répondent en substance : "que peut-on y faire ? Les chats ont besoin de manger", suivie de l'apparition (adorable) d'un chat qui vient corroborer leurs propos.

On est donc immanquablement en terrain connu, dans l'un de ces Hong Sang-soo mineurs auxquels on n'a pas grand chose d'autres à reprocher que de ne pas tout à fait répondre à nos attentes. Peut-être tout simplement parce que le récit est moins fluide que dans des films comme Un jour avec, un jour sans, Seule sur la plage la nuit ou Grass, pour ne citer que les plus récents, et que la construction paraît aussi plus relâchée, moins millimétrée, et le propos tout simplement moins fort. On est comme le cinéaste fasciné par la nature humaine et ses manifestations, mais parfois le miroir qu'il nous tend renvoie une image trop minuscule pour véritablement nous passionner.

Berlin 2020 : Gustave Kervern et Benoit Delépine vitriolent l’époque dans Effacer l’historique

Posté par MpM, le 24 février 2020

Il y a tout juste dix ans, Gustave Kervern et Benoit Delépine foulaient le tapis rouge berlinois avec Mammouth, l'un de leurs plus grands succès. Cette année, le célèbre duo est de retour en compétition avec Effacer l'historique, un film parfaitement dans la lignée de leur cinéma, qui fait flotter sur cette 70e édition un petit souffle punk réjouissant.

Plus que jamais, les deux réalisateurs radiographient l'époque, dont ils proposent un instantané saisissant et d'une justesse folle. De l'omniprésence du numérique aux fantasmes sur l'intelligence artificielle, de la dictature des réseaux sociaux au binge watching compulsif, Effacer l'historique capte ce qui fait l'air du temps. Voilà donc ses trois personnages principaux aux prises avec les affres du cyber-harcèlement, du chantage à la sextape et de la notation via application interposée, et donc fatalement en guerre contre les GAFA (Google Apple Facebook et Amazon) et leurs clones.

C'est évidemment hilarant, tant le scénario foisonne de détails satiriques et croque avec méchanceté l'absurdité d'un monde qui ne tourne plus tout à fait rond. Christine sous-loue son salon pour gagner un peu d'argent, Bertrand vend sa (vieille) voiture à un homme qui veut se suicider (l'un des nombreux irrésistibles caméos du film), Marie se fait livrer des packs d'eau par coursier...

On se croirait même parfois dans une dystopie plutôt sombre lorsque l'on voit la manière dont sont niés la vie privée ou le libre arbitre. Avant de réaliser que Kervern et Delèpine se contentent de brosser le tableau d'un avenir si proche qu'il est déjà à nos portes, dans lequel le moindre moment d'intimité, de lâcher prise ou de faiblesse risque d'être jeté en pâture à la foule anonyme des réseaux, consultable ad vitam aeternam par tous ceux qui en auront l'envie ou le pouvoir.

Le constat n'est pas follement optimiste, bien qu'il soit dressé avec un sens indéniable des situations, des dialogues et de l'auto-dérision. Malgré tout, le film ne cherche pas tant à démoraliser le spectateur qu'à le faire réfléchir. Il y a ainsi sans cesse des détails, à l'image ou dans le récit, qui permettent de faire un pas de côté pour regarder les situations sous un autre angle, souvent moins tragique. Un Deux ex machina sauve même la mise à deux reprises aux personnages qu'il n'est jamais question d'enfoncer. Comme dans le reste de leur oeuvre, Gustave Kervern et Benoit Delépine encouragent en effet l'action, même lorsqu'elle est désespérée, plutôt que la résignation. Avec Effacer l'historique, ils rappellent également que la lutte ne peut être que collective, joyeuse et poétique.

Leurs trois protagonistes, incarnés avec bonheur par Blanche Gardin, Corinne Masiero et Denis Podalydès, se sont d'ailleurs rencontrés sur un rond-point, dans les premiers temps des gilets jaunes. Ils portent en eux le formidable espoir lancé par le mouvement, la fierté d'en avoir fait partie, et l'esprit de solidarité et d'entraide qui y préside. Leur relation est très belle, sans grands effets, mais avec une simplicité et une justesse qui font que l'on est toujours avec eux, jamais dans le jugement et toujours dans la bienveillance, même lorsqu'ils répètent inlassablement les mêmes erreurs. Sans doute parce qu'ils sont si proches de nous, et si irrépressiblement humains.

Bien sûr l'esprit est à la satire et à l'outrance, aussi faut-il également s'attendre à quelques passages au vitriol, comme celui avec le fraudeur aux aides sociales (portrait-robot de "l'assisté-profiteur" tel qu'il existe dans l'esprit des politiques les plus réactionnaires) ou avec le livreur d'une parodie d'Amazon qui semble au bout de sa vie à 35 ans, sans parler de la quasi diabolisation des nouvelles technologies. Mais la pire erreur serait de prendre Effacer l'historique au premier degré, telle une charge manichéenne sur la modernité. Il serait au contraire plus juste d'avoir en tête l'adage populaire selon lequel il vaut mieux rire des choses, plutôt que d'en pleurer. Il y a longtemps que le duo de réalisateur a fait sienne cette devise, déclinée de film en film avec une tonalité il est vrai de plus en plus désespérée. On rit donc de bon coeur avec eux, en attendant que la réalité dépasse définitivement la fiction.