Réalisateur philippin désormais universellement reconnu, Brillante Mendoza a profité de sa présence au pour chasser quelques idées reçues sur son travail, à tort présenté comme improvisé, et parler de son nouveau film, Lola (Grand-mère), qui sortira en mai prochain.

Lola

“Le thème de la grand-mère m’était très cher car la grand-mère est très importante dans la famille philippine. Nous avons tourné en juin 2009, juste après le festival de Cannes, pour pouvoir profiter de la saison des pluies. J’avais envie d’avoir cette atmosphère, cette pluie, qui serait un personnage à part entière. Des inondations comme celle montrée dans le film ont lieu tous les ans. Le gouvernement dit toujours qu’il va faire quelque chose, mais il ne fait jamais rien.”

Improvisation vs préparation 

“Lola a été tourné en 12 jours, mais avant il y a eu un énorme travail de préparation, peut-être pendant un an. J’ai une équipe réduite qui m’accompagne tout le temps. Toute l’année, nous faisons des recherches sur toutes les idées et scénarios que j’ai. On s’investit dans chacune des histoires. Quand je suis satisfait, on assemble tous les morceaux du puzzle. Par exemple, pour Serbis, j’ai amené le décorateur dans le cinéma où nous allions tourner bien avant de commencer. Je voulais que l’équipe s’imprègne de cette expérience pour faire le film le plus authentique possible.  Ce travail de préparation est crucial pour le tournage. Pendant qu’on prépare tout, on attend l’argent. Et comme j’ai été dans la production, je sais exactement ce qu’il faut prévoir avant. Aussi, lorsque nous sommes prêts, tout peut aller vite. Je tourne en peu de jours pour des raisons financières, mais aussi pour garder l’intensité et l’énergie du moment. Je tourne également de la manière la plus chronologique possible pour que les acteurs évoluent en même temps que leur personnage.”

Chorégraphies

“Pour les longs plans séquences avec de nombreux figurants dans le champ, tout est minutieusement chorégraphié et répété. Pour moi, il y a deux points importants : s’assurer que les figurants ne vont pas regarder la caméra et toujours leur expliquer pourquoi ils sont là. Ces personnages secondaires sont toujours engagés sur place car ils connaissent les gestes et n’ont pas besoin de faire semblant. Par exemple pour la séquence du bateau dans Lola : les personnes qui appartiennent à cette communauté savent comment ramer et se tenir sur l’embarcation ! Pour avoir une certaine cohérence, je délègue plusieurs personnes de l’équipe qui gèrent chacune un groupe de figurants. Ainsi, on tourne souvent en une seule prise. Parfois, moi-même je suis dans un de ces groupes de figurants pour les guider et il arrive que je sois dans le champ, mais vous ne me voyez pas car je suis de dos !”

Caméra à l’épaule

“Suivre le personnage avec la caméra est une manière de comprendre tout l’environnement autour de lui, de vivre la même situation que lui à ce moment-là. On en apprend ainsi beaucoup sur ses relations avec les autres et avec le lieu sans avoir besoin d’insister ou d’expliquer. Juste par le ressenti. Ce ne sont pas des scènes faciles à réaliser car la caméra est extrêmement lourde. Pour avoir cette impression de fluidité lorsque je la porte à l’épaule, je dois subir une véritable préparation physique !”

Authenticité

“Les cinéastes ont tous des objectifs différents lorsqu’ils tournent un film. En ce qui me concerne, mon objectif principal est de montrer ce qui est vrai et réel. J’aimerais raconter des histoires qui soient le plus authentiques possibles, même si le message est négatif ou qu’il est mal perçu par le public. C’est pourquoi j’ai besoin d’aller voir, de ressentir, de m’imprégner des gens et des endroits. Je dois avoir cette expérience moi-même pour la raconter le mieux possible à l’écran.”

Prochain projet

“J’ai un projet de documentaire sur un homme qui, pendant la semaine sainte, participe à la procession de la Passion du Christ. Aux Philippines, ces processions sont très importantes mais aussi très violentes, et de nombreuses personnes y participent et y assistent. Or, la particularité de cet homme qui incarne Jésus Christ depuis 21 ans (et n’a d’ailleurs pas d’autre métier) est qu’il est ouvertement gay.“

Le Jury Action Asia du Festival du film asiatique de Deauville a surpris son monde en choisissant de ne pas récompenser Bodyguards and assassins, le favori de la sélection. Les années précédentes, le film primé s’imposait naturellement pour ensuite devenir une référence du genre : par exemple Ong-bak ou Dog bite dog pour la baston qui cogne, ou A bittersweet life et The chaser pour le polar qui tue.

Mais cette année, le président Florent Emilio Siri et ses jurés Thierry Frémont, Samuel Le Bihan, Cécile Télerman, Malik Zidi et Vikash Dhorasoo ont décerné le prix Action Asia  à The sword with no name de Kim Yong-Kyun (notre photo),  film en costumes sur la romance impossible entre un mercenaire et la dernière reine de Corée. Le héros va protéger sa belle, menacée par des dignitaires de la dynastie Joseon, tant qu’il le peut, et il y a bien entendu quelques scènes d’action, mais le problème vient qu’elles sont très mal intégrées avec le reste (un duel sur une barque comme dans un jeu vidéo, un combat sur glace sorti de “Holiday on ice”…). On pourrait même penser que le film serait meilleur sans ces scènes d’action… lui remettre le prix est donc assez curieux !

Le film favori de tous (professionnels, presse, public), Bodyguards and assassins du réalisateur Teddy Chen, qui était présent à Deauville,  devrait être prochainement visible (distribué par Metropolitan) sur les écrans, ce qui donnera d’une certaine manière tort au jury de ne pas l’avoir reconnu comme prix Action Asia 2010. En 1906, la révolte couve pour renverser la dynastie Qing et on annonce l’arrivée de l’activiste Sun Yat-Sen qui vient unifier les délégués des différentes provinces. Il s’agit pour certains personnages de le protéger tout le long de son parcours et pour d’autres de l’assassiner. Le début du film prend le temps de dévoiler les différents protagonistes, puis ensuite tous les moyens sont bons pour accomplir leur mission : pièges, arbalètes, poignards, bombe, kung-fu….

Bodyguards and assassins a été en partie produit par Peter Ho-Sun Chan (réalisateur de Perhaps love et Les seigneurs de la guerre) qui devient un habitué des films à gros budget à la fois spectaculaires et populaires. Ne dérogeant pas à la règle, le film est une illustration du savoir-faire en matière de super-production venant de Chine : des stars à l’écran (Donnie Yen, Tony Leung Ka Fai, Simon Yam, Nicholas Tse, Eric Tsang…), une trame politique (l’espoir de la révolution de 1911), et de l’action presque à chaque coin de rue.

Outre ces deux incursions dans l’Histoire (n’hésitant pas à prendre des libertés avec la véracité de faits), la sélection Action Asia a fait voir quelques nouveautés, notamment en donnant une plus grande place à des personnages différents. Par exemple, si notre ami l’acteur Simon Yam était au générique de trois des cinq films en compétition, ce n’était pas en tant que héros, mais plutôt comme second rôle plus ou moins sympathique. Par contre, c’est son comparse Lam Suet (habitué aux rôles de “gros” un peu sot) qui devient la vedette de Tactical unit : comrades in arms, une production maison de Johnnie To réalisée par un de ses disciples Law Wing-Cheong. Il s’agit de la dernière déclinaison PTU pour le cinéma (les autres films Tactical unit… sont en dvd) avec cette fois deux patrouilles rivales qui se perdent dans une forêt à la poursuite d’un gang de voleurs.

Autre personnages atypiques, quelques acteurs français apparaissent dans les films d’action asiatiques avec la présence discrète de Sophie Broustal dans The sword with no name et un groupe de musclés qui protègent un ordinateur dans Clash du vietnamien Le Thanh Son. Dans ce film où le scénario basique est prétexte à une succession de bagarres énergiques, c’est une femme experte en arts martiaux qui est l’héroïne. Ce sont aussi deux femmes qui sont les combattantes les plus violentes dans Bad blood du chinois Denis S. Y. Law, et d’ailleurs aucun homme ne résiste aux coups de ces deux furies…

Efficace, donc, mais cette sélection parallèle du Festival gagnerait à être étoffée d’un film en plus (6 au lieu de 5), par exemple du genre fantastique qui fait peur, histoire de varier les plaisirs Action Asia.

Le cinéma (et la télévision) représente déjà le principal effort budgétaire culturel de la région Île-de-France, la plus riche du pays. Dotée d’un fond de soutien, crée en 2001, elle a aidé 241 films et 155 oeuvres audiovisuelles pour un total de 98 millions d’euros. L’impact économique d’un tournage est à ce prix.  La dernière commission a permis de sélectionné 6 nouveaux longs métrages, parmi lesquels les prochains Claude Miller et Lou Ye, et six oeuvres télévisuelles, dont un documentaire sur Roberto Saviano (Gomorra), soit près de 3 millions d’euros d’apports.

En 2006, la région a créé quatre nouvelles aides à la post-production (numérique et argentique), facilitant ainsi leur montage ou leur distribution. Cela a concerné 36 longs métrages et 35 courts métrages. En souhaitant créer un fonds pour la 3D Relief, la collectivité fait un pas supplémentaire vers la mutation numérique, tout en “protégeant” un secteur fragile financièrement : les prestataires techniques et d’effets spéciaux. Ce fonds de soutien à la création numérique serait doté d’un budget de 5 millions d’euros et concernerait aussi bien les longs métrages que les jeux vidéos.

Seul échec à noter : sa politique dans les festivals. La région a été incapable d’installer son propre événement. Le festival du film de Paris, un temps rescapé par le conseil régional, a disparu. Le Festival International du Film d’environnement manque toujours de visibilité. Les aides sont plus performantes quand il s’agit de soutenir des manifestations d’initiative locale ou départementale (Rencontres cinématographiques de Seine-Saint-Denis). Clairement, la création de Paris Cinéma par Bertrand Delanoë et Christophe Girard a relégué la Région à un simple figurant financier.

Le jury du Festival du film asiatique de Deauville présidé par Pascal Bonitzer a logiquement décerné (à l’unanimité) le Lotus du meilleur film à Judge de Liu Jie (photo de gauche), une œuvre exigeante explorant le système judiciaire chinois, et principalement son rapport à la peine de mort, au travers du destin de trois personnages symboliques : un condamné à mort, le juge qui a prononcé la sentence et un P-DG gravement malade en attente d’une greffe de rein.

En plus de souligner la difficulté de rendre objectivement la justice et les absurdités de loi chinoise qui, jusqu’en 1997, permettait d’exécuter un homme pour vol de voiture, le film aborde la délicate question des prélèvements d’organe sur le corps des condamnés. Liu Jie, que l’on avait découvert avec Le dernier voyage du juge Feng, était largement favori dans sa catégorie, en raison non seulement du sujet traité, mais également de son évidente supériorité sur le reste de la compétition.

On est en effet bien moins convaincu par le prix du jury ex-aequo attribué à Au revoir Taipei d’Arvin Chen et Paju de Park Chan-ok. Le premier est une comédie romantique gentillette, placée sous le parrainage de Wim Wenders (producteur exécutif), dont le principal attrait est de montrer les différents visages de la capitale taïwanaise. Léger, mais parfois poussif, et franchement pas novateur. Le second est encore moins réussi : à mi-chemin entre la comédie de mœurs et le mélodrame social, Paju décrit les relations particulièrement embrouillées entre une jeune fille et son beau-frère. La profusion de flash-back et surtout le fait que la révélation la plus intéressante intervienne à la moitié du film sans être réellement exploitée par la suite font peu à peu perdre tout intérêt pour les personnages.

Le jury composé de journalistes internationaux (dont l’identité ne semble pas connue) a quant à lui récompensé le film probablement le plus aride de la compétition, My daughter de la Malaisienne Charlotte Lim Lay Kuen (photo de droite), qui a fait fuir les festivaliers avec son absence de narration, ses plans fixes plus symboliques que signifiants et sa manière d’ériger le non-dit au rang d’art. Relativement ennuyeux en dépit de sa courte durée, le film est une succession de bribes de scènes quotidiennes d’où il ressort que les relations entre la fille et sa mère irresponsable sont plutôt houleuses…

Les autres films en compétition

Même si l’on ne peut pas parler de grands oubliés du palmarès, aucun des cinq autres films en compétition n’étant des chefs d’œuvres absolus, certains présentaient malgré tout un intérêt suffisant pour mériter d’être distingué. On pense notamment à Symbol, œuvre certes foutraque mais particulièrement réjouissante du Japonais Hitoshi Matsumoto où un homme enfermé dans une pièce sans porte ni fenêtre fait apparaître des objets hétéroclites en appuyant sur des pénis d’angelots ( !) dépassants des murs…  Derrière la farce (pas toujours subtile, mais franchement délirante) se faufile une réflexion philosophico-mystique sur la création, la divinité et le duo cause-conséquence. Indiscutablement atypique !

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La 3D devient tendance, même en France. StudioCanal a signé à Berlin un accord avec le spécialiste du format en Imax et réalisateur de Fly me To The Moon 3D, le belge Ben Stassen. Ils sortiront Les aventures de Samy (Around the World in 50 Years 3D) dès cet été. Avant cela, Sylvain Chomet (Les triplettes de Belleville) avait présenté à la Berlinale L’illusionniste, son hommage à Jacques Tati. A l’origine prévu pour avril, il pourrait être décalé à juin.

Mais désormais, tout le monde s’y met. Patrice Leconte réalise actuellement Le Magasin des suicides, adaptation du roman de Jean Teulé, en version animée ET musicale. Attendu pour la fin de l’année, il co-réalisera ce premier film d’animation avec Arthur Qwak (Chasseurs de Dragons). Il en a écrit le scénario, et ancien dessinateur, a imaginé les personnages.

A Angoulême, en janvier, Ari Folman (Valse avec Bashir) a annoncé qu’il réalisera son prochain film en France, avec les studios de la capitale de la BD, le pôle Magelis, et avec Les Armateurs (Kirikou). The Congress (Le congrès) est l’adaptation du best-seller de science-fiction (1971) de Stanislas Lem (Solaris). Le film, un mélange de documentaire et d’animation, devrait être prêt en 2012.

La plus importante production sera sans doute Le Petit Prince. La mise sur orbite est plus lointaine - 2013 - mais les héritiers de Saint-Exupéry ont enfin accepté de céder les droits d’un des romans pour la jeunesse les plus vendus dans le monde. Le relief va d’ailleurs donner une dimension internationale au projet, tout comme le casting vocal plus hollywoodien que français (sans doute révélé à Cannes en mai). 45 millions d’euros de budget pour Onyx (Les enfants de Timpelbach, Renaissance), en plus d’une série TV animée, et un jeu développé avec MKO (filiale de MK2).

D’autres projets en 3D ont été présentés au récent Cartoon Movie de Lyon comme Approved for Adoption, Flying bazar, Hard Rock sur Harcouët. Les sujets sont de plus en plus variés et aborde des thèmes plus politiques ou sociologiques. de même les genres se diversifient avec d’avantage d’action et d’aventures. Cartoon Movie surfe d’ailleurs sur l’engouement pour l’animation avec, pour sa dernière édition qui s’est tenue du 3 au 5 mars, une fréquentation en hausse de 20%, 635 professionnels accrédités et 90 distributeurs présents.

Le Festival asiatique de Deauville a rendu hommage à Lou Ye, cinéaste chinois dont les films sont beaucoup plus applaudis en Europe que dans son propre pays, où ils ne sont pas autorisés. On l’avait ainsi découvert en 2000 avec Suzhou River, film qui lui avait valu une interdiction de tourner de deux ans.

Il a ensuite filmé Zhang Ziyi séduite par un japonais pendant l’occupation ennemie dans Purple Butterfly, présenté à Cannes en 2003. Ses films suivants ont également été sélectionnés au Festival de Cannes : Une jeunesse chinoise (deux étudiants amoureux lors des évènements de la place Tian An Men) et Nuits d’ivresse printanière (deux trios amoureux sur fond d’homosexualité) qui lui a rapporté un prix du scénario en 2009.

C’est le réalisateur Pascal Bonitzer, président du jury des films en compétitions, qui lui a remis le lotus d’honneur de Deauville après un petit discours. Il a notamment évoqué l’idée selon laquelle on croyait tout connaître ou presque de la jeunesse chinoise d’ il y a plusieurs décennies mais en fait pas grand-chose de la jeunesse actuelle. Il a souligné que la détermination de Lou Ye a faire des films malgré la censure chinoise et ses interdictions de travailler devrait être une source d’inspiration pour les cinéastes du monde entier.

Crédit photo : Christophe  Maulavé

Pour sa 12e édition, le festival du film asiatique de Deauville poursuit son oeuvre de diffusion du cinéma asiatique avec une programmation classiquement articulée autour de deux compétitions (une sélection généraliste et une autre tournée vers le film d’action), un panorama de films contemporains et plusieurs rétrospectives.

Sont cette année mis à l’honneur le réalisateur philippin Brillante Mendoza (notre photo, lors de la cérémonie d’ouverture), auteur atypique dont le sens aigu de la mise en scène a été couronné à Cannes en mai dernier (Kinatay) et les chinois Lu Chuan (The missing gun, City of life and death) et Lou Ye, lui aussi sélectionné à Cannes en 2009 avec Nuits d’ivresse printanière, dont la nouvelle version est présentée ici en avant-première. Enfin, dans le cadre de cet hommage rendu à la Chine, trois longs métrages produits à la demande des dignitaires du parti communiste chinois seront projetés.

Fidèle à sa réputation, Deauville propose donc une sélection équilibrée mettant l’accent sur les cinématographies asiatiques les plus  diffusées (Japon, Taïwan, Hong Kong…) tout en s’ouvrant timidement à de nouvelles contrées telles que la Malaisie et l’Asie centrale (Tadjikistan).De quoi avoir en seulement 4 jours un bon aperçu de la production actuelle… et peut-être même faire de vraies découvertes !

Crédit photo : Christophe Maulavé

Pour son 10e anniversaire, la Résidence de la Cinéfondation du festival de Cannes fait le point sur son action. Depuis 2000, 65% des projets accompagnés par l’institution ont été tournés, et la plupart du temps distribués. Un chiffre qui se porte à 95% si l’on prend en compte les 24 longs métrages actuellement au stade de la pré-production.

Sont notamment passés par ce véritable tremplin professionnel Emily Young (Kiss of life), Djamshed Usmonov (L’ange de l’épaule droite), Lucrecia Martel (La nina Santa, La femme sans tête, tous deux sélectionnés en compétition officielle à Cannes), Vimukthi Jayasundara (caméra d’or à Cannes en 2005 avec La terre abandonnée), Jaime Rosales (La soledad, Un tir dans la tête) et Nadine Labaki (Caramel).

Depuis le 1er mars, six nouveaux lauréats sélectionnés parmi 200 candidats ont à leur tour rejoint le programme : Yaelle Kayam (Israélienne, 31 ans), Dominga Sotomayor (Chilienne, 25 ans), Franco Lolli (Colombien, 27 ans), Daniel Joseph Borgman (Néo-Zélandais, 29 ans), Michel Franco (Mexicain, 30 ans) et Cristian Jiménez (Chilien, 35 ans). Ce dernier est le seul à avoir déjà un long métrage à son actif (Ilusiones Opticas sorti en février 2010).

Jusqu’au 15 juillet, les six réalisateurs profiteront ainsi de l’infrastructure de la Résidence pour écrire leur scénario et préparer le tournage de leur film. Avant, qui sait, de fouler le tapis rouge cannois sur les traces de leurs aînés…

Incontestablement les salles de cinéma font le plein depuis quelques mois. Depuis janvier, la fréquentation est en hausse de 17% par rapport à 2009, avec 39 754 464 entrées en neuvième semaine. Hélas, le cinéma français, pourtant prolifique, voit sa part de marché très affaiblie avec à peine une entrée sur 4 (9 442 833 entrées, 24%) contre un cinéma américain triomphant (69%; 27 458 936 entrées).

Et ce n’est pas qu’à cause d’Avatar. Certes, le film domine le classement de très loin. Mais d’autres productions hollywoodiennes s’en tirent très bien : La Princesse et la grenouille (3,3 millions de spectateurs), Invictus (2,9 millions de spectateurs), Sherlock Holmes (1,9 million de spectateurs), Shutter Island (1,1 million de spectateurs), Percy Jackson (1 million de spectateurs), Valentine’s Day (930 000 spectateurs), In the Air (740 000 spectateurs). Faste hiver.

En revanche, le cinéma français n’a placé que trois hits, à un niveau moindre. Océans domine avec 2,5 entrées, loin devant Gainsbourg (Vie héroïque) et ses 1,1  millions de curieux et Le Mac, qui a déjà séduit 973 000 clients.

Le nombre de flops est en revanche impressionnant : Protéger et servir, Une exécution ordinaire, Coursier, Une petite zone de turbulences, Ensemble c’est trop,  L’autre Dumas, Le refuge, Le baltringue, Coco Chanel & Igor Stravinsky, … aucun n’a trouvé son public et ils ont tous échoué à passer la barre des 500 000 spectateurs dans un contexte très favorable. Malgré certains budgets importants, ou encore un casting “assurant” en temps normal un minimum d’intérêt de la part d’un “consommateur” de cinéma très sollicité, ces films ont vécu un calvaire, pour diverses raisons.

Berlin n’avait trouvé que quatre films français à sélectionner

Recette éculée, mauvais concept (on peut parler de produit), film décevant, absence de visibilité médiatique (certains attachés de presse s’obstinent à privilégier les émissions télévisées à une presse écrite ou web), affiche ratée, casting indésirable (Vincent Lagaff, Michael Youn, …) … le cinéma français n’est pas en forme ni côté marketing, ni côté artistique. Révélateur : la France n’a été retenue qu’avec deux films en compétition à Berlin (Mammuth et le Polanski, anglophone) et deux autres en panorama  (L’arbre et la forêt, Plein Sud). Une faiblesse inquiétante.

D’ailleurs, hormis la surprise “José Garcia” avec Le Mac, les deux seuls films français qui se sont imposés ont réussit à être médiatiquement très présent, à réaliser de belles affiches, à recevoir de bonnes critiques, et à sortir des sentiers balisés (c’est-à-dire les comédies ou les films à costumes).

C’est d’autant plus inquiétant qu’avec la profusion de sorties à venir, dont quelques films très attendus comme Alice au pays des merveilles ou Dragons, peu de films français sont capables de redresser la barre lors du mois de mars, pour sauver son premier trimestre. La rafle pet espérer 2 millions de spectateurs avec les foules scolaires ; L’arnacoeur, avec un bon bouche à oreille, peut faire plus qu’un million de fans ; et tous les autres vont avoir énormément de mal à s’imposer tant il n’y a aucune attente, aucun “buzz” autour d’eux.

Il faudra attendre les vacances de Pâques (Adèle Blanc-Sec, Camping 2) pour savoir si le premier semestre s’annoncera catastrophique ou mitigé.  Dans tous les cas, il serait temps que le cinéma français propose autre chose que des comédies mal ficelées ou des drames patrimoniaux. Les spectateurs ont clairement indiqué qu’ils voulaient du divertissement, des drames légers et du spectacle, des effets spéciaux ou de très bons scénarios. Le cinéma ça reste une politique de l’offre et … d’une demande.

Décidément, ces Oscars ne se préparent pas dans la sérénité. Après l’exclusion de la cérémonie du producteur français de Démineurs, c’est l’un des réalisateurs du film Ajami, en course pour l’Oscar du  meilleur film en langue étrangère, qui a fait parler de lui. Scandar Copti (à droite sur la photo) a déclaré à une télévision israélienne, Channel 2, qu’il ne veut pas représenter Israël à cette cérémonie. “Je ne peux pas représenter un pays qui ne me représente pas“. “Il y a un cinéaste palestinien et des acteurs palestiniens et des acteurs israéliens. Techniquement, il représente israël, mais je ne représent epas Israël.”

Scandar Copti est membre de la communauté arabe israélienne, tandis que son co-réalisateur, Yaron Shani (à gauche sur la photo), est de confession juive. Les Arabes israéliens (1,5 millions) ont les mêmes droits que les Juifs mais nombreux accusent Israël de pratiquer des discriminations à leur égard.

Ajami est justement le reflet de ce quotidien entre Arabes et Juifs à Tel Aviv.

Les propos de Copti ont déclenché un tollé en Israël, où l’on a vite fait de mélanger la politique, la passion religieuse et les enjeux cinématographiques. Yaron Shani n’est lui-même pas d’accord avec son partenaire. “C’est un film israélien, il représente ce pays, il parle “israélien” et évoque des problèmes en rapport avec Israël. La question de la représentation est justement au coeur des enjeux politiques et de la perspective à donner aux relations entre les deux communautés, problèmes qui ont besoin de solution.”

Selon un communiqué, la ministre de la Culture, Limor Livnat, a rappelé que le réalisateur devait sa présence à Hollywood uniquement grâce aux fonds publics israéliens : “Sans le support financier de l’Etat d’Israël, Copti ne se tiendrait pas dimanche soir sur le tapis rouge“.

Ce film a mis sept ans à se faire. La plupart des scènes ont été improvisées avec des acteurs tous amateurs. Mention spciéale pour la Caméra d’or à Cannes, il a gagné 5 “Oscars” du cinéma israélien, dont le meilleur film. Shani et Copti ont aussi ramené chez eux les prix des meilleurs réalisateurs, scénaristes et monteurs.