Décédé le 8 février dernier, Laurent Perrin est à l'honneur du 61ème prix Jean Vigo de cette année. Il fut connu pour avoir été l'un des expérimentateurs du Super 8, en France. Mais aussi pour être le cinéaste de nombreux films tel que Passage secret, 30 ans ou des documentaires tel que Jimmy Jazz ou Il était une fois King Kong. Un prix en guise d'adieu pour cette édition où l'originalité était une fois de plus mise en avant. Perrin avait reçu le prix Jean-Vigo du meilleur long métrage pour Buisson ardent en 1987. "La singularité des Prix Jean Vigo n’est pas de récompenser un ‘excellent film’, mais d’encourager un auteur d’avenir. L’œuvre peut montrer des faiblesses, des maladresses, des longueurs. Il suffit d’y découvrir une passion et un don. Les Vigo ne sont pas des prix de consécration. Ils sont des prix d’encouragement" explique le Comité du Prix Jean Vigo.

Pour les courts métrages ce sont Louis Garrel, pour La règle de trois et Vincent Dietschy, pour La vie parisienne qui emportent le prix. Ces deux courts évoquént de manière moderne, le ménage à trois.

C'est le long métrage de la cinéaste Helena Klotz, L'âge atomique, qui est récompensé dans sa catégorie. Elle aborde dans son film une jeunesse errante, en s'écartant des stéréotypes connus. Le film avait été présenté au Festival d'Angers en janvier dernier, avant d'être montré à la dernière Berlinale. Il n'est pas encore sorti en France.

Une mention spéciale fut décerné à Jeanne Balibar et Pierre Léon pour Par exemple Electre ; enfin un prix d'hommage est remis à la cinéaste et documentariste Agnès Varda.

Par ailleurs, tous les films primés lors de cette édition seront repris dans le cadre du festival de Morelia au Mexique.

Le prix Jean Vigo est attribué depuis 1959 à "un réalisateur français d'avenir distingué pour l'indépendance de son esprit et la qualité de sa réalisation".

Claude Chabrol, Yves Robert, Philippe Garrel, Jacques Rozier, Luc Moullet, Bruno Dumont, Anne Fontaine, Noémie Lvovsky, Xavier Beauvois, Olivier Ducastel et Hacques Martineau ont ainsi vu leur film honoré.

Entre l'élection présidentielle, la crise économique, Jean Dujardin, et la Syrie, on oublie qu'à une heure de vol de la France, un pays de l'Union européenne glisse lentement vers un régime autoritaire de plus en plus inquiétant. Si l'Europe commence à prendre des mesures de rétorsion (un blâme vient d'être prononcé par la Commission, accompagné de la suspension d'un versement de 495 millions d'euros pour l'aide aux régions les plus défavorisées), cela ne suffit pas à calmer les dérives du pouvoir.

Dernier acte en date : le cinéma. Le Monde a consacré un passionnant reportage sur un secteur qui connait aussi bien une crise économique qu'un conflit larvé avec le pouvoir en place. Il n'y a pas que la Russie, l'Iran, la Chine et la Biélorussie, entre autres, qui ont décidé de contrôler le 7e art. Depuis la nomination d'Andrew G. Vajna, ancien producteur des Rambo, Total Recall et autres Terminator au titre de Commissaire du gouvernement chargé du cinéma, rien ne va plus entre les cinéastes et le régime du premier ministre Viktor Orban. Ce dernier a donné à Vajna la mission de restructurer le secteur. Avec comme objectif souterrain de le calquer sur celui du théâtre ou de la presse, devenue muselée, censurée, pressurisée depuis son arrivée au pouvoir.

Les réalisateurs hongrois commencent à se rebeller. Bela Tarr a lancé l'idée de créer un fonds indépendant pour produire les films (sous entendu librement). Désormais président de l'Association des réalisateurs hongrois, Tarr avait organisé le 4 février dernier un débat au cinéma Urania à Budapest où des dizaines de cinéastes avaient répondu à l'appel. Ce forum s'est tenu dans le cadre de la 43e Semaine du film hongrois, qui ne dure que quatre jours, faute de moyen. L'ordre du jour était simple : survivre et déclarer la guerre contre la politique "arbitraire" du commissaire.

Celui-ci était présent. Il a du encaisser toutes les critiques à son encontre. Depuis l'entrée en vigueur en septembre dernier du Fonds national du cinéma, qui remplace la Fondation publique MMKA, il est au centre des mécontentements. Doté de 20 millions d'euros de budget, ce Fonds semble très opaque. Les réalisateurs s'interrogent sur les critères décidés par l'Etat pour choisir les films qui seront aidés. D'autres se demandent pourquoi les professionnels du cinéma ne sont plus impliqués dans le processus de sélection? Poser la question c'est y répondre. Le pouvoir politique veut décider lui-même, sans forcément retenir les qualités cinématographiques d'un projet.

Pire, l'Etat veut s'introduire jusque dans la salle de montage. Un des cinéastes présents confie : "Quand un réalisateur signe le contrat, une clause stipule que l'Etat financeur a le dernier mot sur le montage. Pour contrebalancer ce pouvoir, il va falloir trouver des coproductions étrangères." Les jeunes cinéastes, trop effrayés à l'idée de ne pas pouvoir faire leurs premiers films, sont absents : c'est la vieille garde qui monte au créneau. Bela Tarr, primé dans tous les festivals du monde et reconnu comme le plus grand cinéaste vivant du pays, n'a en effet rien à perdre.

Les Festivals internationaux comme vitrine

" Je voyais mes amis pleurer, attendre de l'argent qui ne venait pas. Je leur ai proposé de tourner un film à zéro budget, pour raconter la situation. Tout le monde a travaillé gratuitement, les comédiens, les techniciens ", raconte Béla Tarr au journal Le Monde. Il a décidé de produire Hongrie 2011, un film sur la détresse des réalisateurs hongrois, présenté en ouverture de la Semaine du cinéma hongrois. 11 courts métrages compilés qui ont été projetés à Berlin.

C'est aussi à Berlin que Juste le vent, de Bence Fliegauf, en compétition, a reçu le Grand prix du jury. De quoi redonner du baume au coeur à la profession, un an après l'Ours d'argent du meilleur réalisateur pour Bela Tarr.

A Cannes, on devrait voir le prochain film de György Palfi, Final cut. Ladies & Gentlemen. Sans financement pour son nouveau projet, il a décidé de puiser dans 450 films du cinéma mondial, de Chaplin à Cameron, pour créer des histoires d'amour entre les plus grands comédiens du 7e art, faisant ainsi rencontrer les légendes de l'âge d'or avec les stars actuelles. Pour que le film soit projeté, il faut cependant résoudre le délicat problème des droits d'auteur.

Pour l'instant, le cinéma hongrois est en suspens : entre désespoir et angoisses, entre méfiance et vigilance. Vajna a décidé de financer quatre films d'auteur. Mais nombreux y voient un subterfuge pour endormir les esprits révoltés. Car pour le pouvoir, il s'agit avant tout de dynamiser la part de marché des films nationaux (entre 5 et 10% selon les années) dans un marché plutôt en croissance. Complètement dominé par Hollywood, le marché local a, par exemple, été absent des trente plus gros succès de l'année 2011.

Comme prévu, le jury du 62e Festival de Berlin, présidé par Mike Leigh, a rendu un palmarès équilibré faisant la part belle au cinéma humain et engagé. César doit mourir des frères Taviani, adaptation sensible et poignante de la pièce de Shakespeare Jules César par les détenus d'un quartier de haute sécurité, remporte logiquement l'Ours d'or. Son humanité, la réflexion politique qu'il induit et son intelligence de mise en scène en faisaient l'un des plus évidents favoris.

A ses côtés, le film hongrois sur les meurtres de Roms, Juste le vent, est justement récompensé pour ses aspects naturalistes et sa force dramatique à la limite du documentaire, sans compter les résonances que le sujet peut avoir dans toutes les régions du monde.

Sans grande surprise non plus, l'Allemand Chistian Petzold, habitué de Berlin et chouchou de la critique internationale, repart avec un prix d'envergure (l'Ours d'argent du meilleur réalisateur) pour son drame situé dans l'Allemagne de l'Est au début des années 80 (Barbara).

Seul vrai "faux pas" du palmarès, le double prix pour la médiocre Affaire royale du Danois Nikolaj Arcel, mélange prévisible de la Reine Margot et de The duchess dans le Danemark du XVIIIe. Autant l'on peut comprendre le prix d'interprétation pour l'acteur Mikkel Boe Folsgaard, qui se démène beaucoup pour interpréter ce roi danois désaxé, autant le prix du scénario semble avoir été attribué par erreur, tant l'écriture du film est formatée et lourdingue.

On est en revanche très heureux de voir saluée l'inventivité et l'audace cinématographiques de Miguel Gomez (Tabu) qui invente un cinéma quasi sociologique où le comportement humain est décortiqué comme dans un documentaire animalier. Troublant et captivant.

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Tout le palmarès

Ours d'or du meilleur film
César doit mourir de Paolo et Vittorio Taviani (Italie)

Ours d'argent - Grand prix du jury
Juste le vent de Bence Fliegauf (Hongrie)

Ours d'argent du meilleur réalisateur
Christian Petzold pour Barbara (Allemagne)

Ours d'argent de la meilleure actrice
Rachel Mwanza (RDC) dans Rebelle de Kim Nguyen (Canada)

Ours d'argent du meilleur acteur
Mikkel Boe Folsgaard (Danemark) dans A Royal affair de  Nikolaj Arcel (Danemark)

Ours d'argent de la meilleure contribution artistique
La photo de Bai lu yuan de Wang Quan'an (Chine)

Ours d'argent du meilleur scénario
A Royal affair de Nikolaj Arcel (Danemark)

Prix Alfred Bauer de l'innovation, en mémoire du fondateur de la Berlinale
Tabu de Miguel Gomes (Portugal)

Mention spéciale du jury
L'Enfant d'en haut d'Ursula Meier (Suisse)

Les Teddy Awards de cette 62e Berlinale ont été remis hier soir, récompensant les meilleurs films ayant pour thématique l'homosexualité de la sélection du Festival.

Teddy du meilleur film, Keep the lights on (photo) de l'américain Ira Sachs est une histoire d'amour de dix ans entre deux garçons assez opposés, qui vont tomber amoureux et connaître une romance intense. Fort, cru, émouvant, le film avait été remarqué à Sundance.

Teddy du meilleur documentaire, Call me Kuchu de Malika Zouhali-Worrall et Katherine Fairfax Wright retrace le parcours de David Kato, militant gay ougandais qui a notamment lutté contre la loi anti-homosexuels régulièrement présentée devant le parlement du pays. Ce militant a été assassiné durant le tournage du film.

Prix du jury, Jaurès, du français Vincent Dieutre, est une docu-fiction où les confessions du cinéastes à une amie comédienne, Eva Truffaut, entrecroisent deux histoires, celle d'une rupture avec son copain et une autre autour d'un groupe de réfugiés afghans qui résident en bas de chez lui

Prix Siegesaule (du nom du magazine gay berlinois), Parada, film serbo-croate de Srdan Dragojevic, est une comédie à la Kusturica. On y suit un groupe de militants gays qui essaie d'organiser une gay pride (en Serbie, les homosexuels ont beaucoup de mal à imposer leurs droits). Il s'associe avec des mafieux locaux pour organiser leur protection face aux menaces des groupes néo-nazis. Le film est paradoxalement un succès dans toute l'ex-Yougoslavie, l'une des régions les plus homophobes d'Europe.

Prix du meilleur court métrage à la réalisatrice péruvienne Claudia Llosa pour Loxoro.

Deux Teddy Awards d'honneur ont été remis :

- l'un à Ulrike Ottinger, cinéaste, documentariste et photographe allemande : son documentaire Prater en 2007 avait reçu l'équivalent du César du meilleur documentaire tandis que sa Jeanne d'Arc de Mongolie avait été en compétition à Berlin en 1989.

- l'autre à Mario Montez, acteur et icône d'Andy Warhol, l'un des pionniers de la culture gay underground au cinéma.

A quelques heures de la proclamation du palmarès,  la compétition de cette 62e édition du Festival de Berlin semble encore très ouverte.  Sur les 18 films en lice, voici un petit panorama subjectif de ceux qui ont une chance d'avoir retenu l'attention du jury présidé par Mike Leigh.

Barbara de Christian Petzold

Le chouchou de la critique internationale, qui lui décerne une note moyenne de 3,3 étoiles (sur un maximum de 4). A titre de comparaison, l'an dernier, Une séparation d'Asghar Faradi avait obtenu 3,6 avant de recevoir l'Ours d'or. Barbara pourrait avoir séduit Mike Leigh par sa manière de revenir sur l'époque de la guerre froide en Allemagne de l'Est. En revanche, le prix d'interprétation pour Nina Hoss est à exclure, elle l'a déjà reçu pour Yella du même réalisateur en 2007.

César doit mourir de Paolo et Vittorio Taviani

L'adaptation par les frères Taviani d'une pièce de Shakespeare avec des détenus d'un quartier de haute sécurité a tout pour être un candidat sérieux pour un Grand prix : humanité, réflexion politique et intelligence de mise en scène. On lui souhaite un Ours d'or, mais un Ours d'argent ou un Prix de mise en scène ne seraient pas déshonorant.

Just the wind de Bence Fliegauf

Cette oeuvre hongroise naturaliste à la limite du documentaire revient sur les exactions dont furent victimes plusieurs familles de Roms à la fin des années 2000. La banalité du quotidien filmé par Fliegauf contraste avec le sentiment d'urgence de sa mise en scène, qui semble vouloir capter chaque personnage dans ses moindres détails. La tension due au contexte social et le choix d'une caméra systématiquement à l'épaule créent une ambiance anxyogène qui implique totalement le spectateur. Un bon choix pour un prix à la fois cinématographique et engagé.

Postcards from the zoo d'Edwin

Probablement l'un des films les plus atypiques de cette Berlinale, qui propose des instantanés de vie dans un zoo devenu microscosme aux codes et aux rituels bien à part. La solitude de l'héroïne, son incapacité à être touchée par les autres,  sont comme des métaphores de l'époque contemporaine. Avec un regard décalé, oscillant entre humour et mélancolie, le jeune réalisateur indonésien poursuit dans l'invention d'un style et d'une écriture cinématographiques. Le Prix Alfred-Bauer de l'innovation (du nom du premier directeur de la Berlinale) serait parfaitement justifié.

Meteora de Spiros Stathoulopoulos

Un conte lumineux et sensible sur le combat entre spirituel et sensuel, mêlant splendides plans en prise de vue réelle et séquences animées jouant sur l'esthétique des icônes religieuses. La simplicité de l'intrigue et son traitement épuré contrastent avec la démesure des paysages, qui renvoient chacun à sa propre perception du monde, et de la place que l'être humain doit y tenir.

A moi seule de Frédéric Videau

La relation complexe et ambigüe entre une jeune fille et l'homme qui l'a séquestrée pendant huit ans a pu séduire le jury par sa manière d'éviter toute scène choc ou toute explication facile. Le jury pourrait également avoir été sensible aux prestations de la jeune Agathe Bonitzer et de celui qui lui fait face, Reda Kateb.

Aujourd'hui d'Alain Gomis

La dernière journée, presque gaie et sereine, d'un homme qui sait qu'il va mourir, diffuse une philosophie tranquille à laquelle le jury pourrait ne pas avoir été indifférent. Un prix secondaire (contribution artistique, prix Alfred Bauer) serait le bienvenu.

Jayne Mansfield's car de Billy Bob Thornton

Cette famille dysfonctionnelle qui implose pour mieux se recomposer donne une image si juste et si vivante de l'Amérique des années 60, traumatisée par la guerre et engluée dans ses contradictions, que le casting en entier (Billy Bob Thornton, Robert Duvall, John Hurt, Kevin Bacon...) mériterait une distinction. Un prix du scénario serait également une bonne option.

Rebelle de Kim Nguyen

Un sujet grave ne fait pas toujours un bon film, mais Kim Nguyen parvient à donner à l'histoire de cette jeune fille enrôlée de force dans une armée rebelle une douceur et une sobriété qui en renforcent intelligemment la force dramatique sans pour autant virer au tire-larmes. L'héroïne (Rachel Mwanza) est bien sûr en lice pour un prix d'interprétation, mais le film pourrait créer la surprise en remportant un prix plus "élevé", comme scénario ou mise en scène.

On nous avait annoncé une édition 2012 politique, engagée et bien ancrée dans son époque, à l'écoute des sujets de préoccupation et des bouleversements sociaux ou politiques actuels. Dans l'ensemble, on aura senti cette tendance des films présentés à Berlin à offrir des axes de réflexion sur le monde, soit en le filmant tel qu'il est, soit en s'inscrivant dans une atemporalité symbolique. Les cinéastes questionnent notre époque en s'intéressant à ses aspects les plus concrets : les difficultés sociales dans L'enfant d'en haut de Ursula Meier, l'engagement politique dans Indignados de Tony Gatlif, le communautarisme et le racisme dans Just the wind de Bence Flieghauf...

Dans l'ensemble, ce qui domine est une volonté de replacer l'être humain au centre de la société, qu'il s'agisse d'un individu sur le point de mourir (Aujourd'hui d'Alain Gomis), ayant subi un traumatisme indélébile (A moi seule de Frédéric Videau), expérimentant l'éternel dilemme entre spirituel et sensuel (Meteora (photo) de Spiros Stathoulopoulos) ou condamné à la prison à vie (César doit mourir des frères Taviani).

L'Histoire, quand elle s'invite, le fait par le biais d'histoires intimistes et individuelles. C'est au travers d'une rencontre amoureuse  tourmentée que l'on redécouvre le combat entre Lumières et Obscurantisme dans le Danemark du XVIIe siècle (A royal affair de Nikolaj Arcel), mais aussi la guerre en ex-Yougoslavie (Au pays du sang et du miel d'Angelina Jolie) ou la terrible occupation de Nankin par les Japonais en 1937 (Flowers of war de Zhang Yimou). Dans Jayne Mansfield's car de Billy Bob Thornton, c'est une famille dysfonctionnelle qui révèle les traumatismes du passé, de même que ce sont trois familles intimement liées qui subissent les bouleversements de l'Histoire dans la Chine du début du XXe siècle chez Wang Quan'an (White deer plain).

L'isolement et la solitude sont aussi le mal du siècle, qui plongent l'être humain dans une insécurité émotionnelle viscérale. Dans Postcards from the zoo d'Edwin, l'héroïne est plus à l'aise avec les girafes qu'avec ses congénères. Dans Young adult de Jason Reitman, la jeune femme interprétée par Charlize Theron a le sentiment d'être restée, seule, sur le quai de la gare, quand ceux qu'elle aimait montaient dans le train.

Vue comme ça, notre société n'a rien de reluisant, qui parque ses réfugiés dans des campements de fortune (Jaurès de Vincent Dieutre), oblige ses enfants à prendre les armes (Rebelle de Kim Nguyen) et ne propose que la violence comme forme de médiation (Captive de Brillante Mendoza).

Heureusement, le cinéma adore les contrastes, les contradictions et les Happy end. Malgré un constat souvent amer, ce panorama cinématographique délivre au final un message plutôt positif sur la capacité des choses à changer, et de l'être humain à progresser. C'est notamment flagrant pour les acteurs-détenus de César doit mourir, ou les amants secrets de Meteora, mais aussi pour le couple désuni de Gnade de Mathias Glasner, qui puisent dans l'adversité les ressources nécessaires pour se réapproprier son existence. Comme si le prochain stade de l'évolution, au lieu d'être politique ou social, se devait d'être tout simplement humain.

Traditionnellement, la soirée Taïwan de Berlin est l'occasion de constater le dynamisme et la vitalité de l'une des cinématographies les plus riches du continent asiatique. On y fait le point sur les projets en cours (une grosse vingtaine, sans compter les films déjà en production), les succès au box-office, et l'émergence d'une nouvelle génération de cinéastes.

On y croise également quelques réalisateurs : Hou Hsiao-Hsien (Les fleurs de Shanghai, Millenium mambo...), Chu Yen-ping (Just call me nobody, The funny couple...), Wei Te-sheng (Cape n°7, Seediq Bale), Sylvia Chang (20 : 30 : 40, Tempting heart...)... Le tout dans une ambiance conviviale et même légèrement euphorique.

Il faut dire que la commission du film de Taipei a tout pour se réjouir. Cette année, quatre longs métrages taïwanais sont officiellement sélectionnés par la Berlinale, ce qui leur offre une visibilité significative, renforcée par la présence d'une quinzaine de compagnies taïwanaises au Marché du film.

Sans oublier l'événement de la quinzaine, la présentation en section Panorama du film 10+10 qui réunit vingts cinéastes taïwanais. Cette oeuvre collective sur l'identité du pays aborde les multiples facettes de Taïwan, de sa belle époque à ses problèmes actuels d'immigration ou de violence, en passant par un certain art de vivre et un humour véritablement à part. Comme le souligne Hou Hsiao-Hsien, initiateur du projet, et auteur de l'une des plus belles séquences, "tout le monde a sa propre originalité et ses propres pensées sur Taïwan, ce que le film reflète. Les différents films qui le composent montrent les éléments qui sont à l'origine de la naissance et de la vitalité du pays."

On perçoit notamment l'un des grands défis de Taïwan, la pression exercée par la Chine voisine. "Il y a beaucoup de pression et tout le monde la sent", confirme Wang Shau-di (Fantôme où es-tu ?). "Mais après avoir vu le film, j'étais fier de constater que nous avons réussi à travailler ensemble dans un environnement libre."

L'ombre de la Chine, bien sûr, plane sur le film et sur le cinéma taïwanais en général. Mais Sylvia Chang et Cheng Wen-tang (The passage, Summer's tail...) en tempèrent la portée : "La pression de la Chine est importante et c'est un grand marché. Mais certains réalisateurs s'en moquent et font avant tout ce qu'ils veulent", assure le réalisateur. "Je dirais que l'influence s'exerce dans les deux sens" renchérit l'actrice-réalisatrice.

D'ailleurs, la plupart des segments de 10+10 laissent de côté l'encombrant voisin chinois, préférant vanter la liberté et la créativité du pays, s'inspirer de sources plus anciennes ou au contraire de l'actualité.  Comme souvent dans ce type de projet, tout n'est pas inoubliable, et certaines références sont difficiles à comprendre pour un spectateur occidental non rompu aux subtilités du pays, mais la juxtaposition de ces points de vue variés et complémentaires donne une œuvre hétéroclite et contrastée, riche en détails et en sensations, que l'on imagine à la fois à l'image du pays, et de son cinéma.

Cela faisait un moment que l'on attendait le nouveau Brillante Mendoza, Captive, qui revient sur une prise d'otages spectaculaire opérée en 2001 par un groupe de terroristes philippins appartenant au mouvement Abu Sayyaf. Chaque nouveau film du cinéaste est en effet devenu un véritable événement cinématographique, surtout lorsqu'il tourne avec une actrice en apparence aussi éloignée de son univers qu'Isabelle Huppert.

Hélas, à la vision du film, présenté ici en compétition du 62e Festival de Berlin, après avoir été pressenti à Cannes puis à Venise, on ne peut s'empêcher d'être un peu déçu. Bien sûr, Brillante Mendoza reste un excellent metteur en scène. Il a le sens du découpage et parvient à donner un réalisme saisissant aux scènes d'action les plus complexes. Certaines séquences (celles du siège de l'hôpital notamment) ont une grande intensité dramatique.

Pourtant, la longueur du film, sa tension inégale, son incapacité à éviter certains écueils scénaristiques l'empêchent d´être le grand film choc que l'on sentait poindre dans la première partie. On comprend la volonté de Brillante Mendoza de réaliser un film qui place le spectateur dans la situation quotidienne des otages, tout en restant à distance, tel un observateur extérieur (d'où le peu de passages spectaculaires et l'alternance répétitive des scènes de fusillade et de marche dans la jungle). Mais au lieu de progresser vers un paroxysme narratif, il donne l'impression, au bout d'un moment, de tourner en rond.

Par ailleurs, le choix d'Isabelle Huppert dans le rôle de l'humanitaire française, s'il peut sembler logique au vu de la filmographie torturée de l'actrice, dessert le film dans la mesure ou l'on ne parvient pas à oublier la star derrière le personnage. Captive est pensé comme un film collectif dans lequel, par sa seule présence, l'actrice donne un relief disproportionné à son personnage.

Reste qu'en réalisant ce film inspiré de faits réels, Brillante Mendoza a voulu prendre ses responsabilités de cinéaste. "En tant que réalisateur, nous sommes d'une certaine manière responsables de ce qui se passe autour de nous", a-t-il déclaré lors de la conférence de presse qui suivait la projection du film. "On ne devrait pas s'attarder sur le fait d'être un artiste ou d'être nous-mêmes et s'en contenter. De nombreuses choses se passent autour de nous et ce sont des histoires qui ont besoin d'être racontées comme elles ont eu lieu."

A ce titre, Captive est pour Brillante Mendoza un formidable moyen de rappeler, sans prendre parti, que non seulement la prise d'otages de 2001 n'a pas fait avancer la cause politique qu'elle était censée défendre, mais surtout que, depuis, le kidnapping lucratif est devenu monnaie courante dans le sud du pays sans que personne ne semble pouvoir y faire grand chose...

Avec Batman at the Checkpoint, le cinéaste israélien Rafael Balulu a remporté le prix Berlin Today, l'équivalent de l'Ours d'or de la sélection Berlinale Talent Campus, récompensant un réalisateur en devenir. Balulu vient d'être diplômé en 2010 de la Sam Spiegel Film & Television School of Jerusalem. Il travaille actuellement sur Ghetto Neighborhood, un documentaire, et écrit The Money, son premier long métrage de fiction.

Son court métrage Batman at the Checkpoint raconte l'histoire de deux enfants, l'un israélien, l'autre palestinien, qui se disputent pour une poupée en plastique de Batman alors qu'ils sont bloqués avec leurs familles à un Checkpoint près de Jérusalem.

Le jury était composé de Jasmila Zbanic, cinéaste bosniaque, Judith Kaufman, chef opérateur allemande, et Guy Maddin, réalisateur canadien.

Une mention spéciale a été attribuée à David Lale pour son court métrage documentaire White Lobster.

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D'autres vidéos de Rafael Balulu sur son compte viméo

La Potsdamer Platz a frémi samedi lors de la présentation en compétition à la 62e Berlinale du nouveau film des frères Paolo et Vittorio Taviani, César doit mourir, qui se déroule dans le quartier de haute sécurité de la prison de Rebibbia. On y suit un groupe de détenus choisis pour interpréter la pièce Jules Cesar de Shakespeare sous la direction du metteur en scène Fabio Cavalli.

Dans un noir et blanc qui confère à l'ensemble un aspect irréel, gommant les frontières entre les mots de l'auteur et ceux des détenus, le duo de cinéastes filme les acteurs lors du casting (à la fois cocasse et touchant) puis lors des répétitions. On assiste ainsi à la progression dramatique de la pièce, découvrant au fur et à mesure comment l'intrigue shakespearienne s'approprie l'espace de la prison. Les fenêtres grillagées, les coursives, les cellules deviennent autant de décors minimalistes qui soutiennent l'action et renforcent l'impression de confusion entre l'histoire dans la pièce, et celle dans la réalité.

Au final, cela donne une fable passionnante sur la nature humaine, mise en scène avec l'élégance rare d'une pure tragédie antique. Les acteurs deviennent des personnages presque plus édifiants que ceux qu'ils incarnent, malgré le peu de choses que l'on apprend d'eux. C'est là toute l'intelligence du scenario que d'éviter trop d'allers et retours entre la fiction et la vie de la prison. On connait seulement les noms des détenus, les causes de leur emprisonnement (meurtre, trafic de drogue, collusion avec la mafia...) et les peines (lourdes) auxquelles ils sont condamnés. Malgré cela, une résonance évidente se fait entre leur propre histoire et celle racontée par Shakespeare : l''honneur, les complots, la loyauté, sont des notions qui leur parlent et qu'ils ont eux-mêmes eu l'occasion d'expérimenter.

On perçoit d'ailleurs fugacement la douleur que réveillent les mots de Shakespeare chez certains prisonniers,  ainsi que le mal que peut paradoxalement leur faire ce contact étroit avec les grandes émotions de la pièce. "Depuis que je connais l'art, cette cellule est devenue une prison", avoue notamment l'un d'entre eux a la fin du film, rappelant que lorsque le rideau retombe sur les cadavres de César, Brutus et Cassius, les hommes cachés derrière le costume, eux, doivent retourner en cellule et continuer avec leur vie.