Brive 2019 : nos coups de cœur

Posté par MpM, le 15 avril 2019

A l'occasion du Palmarès, nous vous avons déjà dit tout le bien que nous pensions de quelques-uns des films récompensés lors des 16e Rencontres du moyen métrage de Brive, à l'image de Vie et mort d'Oscar Perez de Romain Champalaune (prix du jury ex-aequo) et D'un château l'autre d'Emmanuel Marre (Grand prix). Mais certains de nos coups de cœur n'ont pas su séduire les différents jurys. Qu'importe, à nos yeux, ce sont eux les grands gagnants du Festival.

Boucan d'Antonin Schopfer et Thomas Szczepanski (Suisse)

A l'origine de Boucan, il y a L'inclinaison des chapeaux, un long métrage de 77 minutes, à la frontière entre la fiction et le documentaire, dans lequel Antonin, accompagné d'un ami cameraman, part retrouver son père (qu'il n'a pas vu depuis 15 ans) dans l'optique de tourner un documentaire. Remonté en une version plus resserrée de 50 minutes, le film est à la fois d'une drôlerie jubilatoire et d'une finesse enthousiasmante.

Parfaitement réussi dans son dispositif de prétendu tournage qui tourne mal, il explore méticuleusement l'évolution de la non-relation entre un père et son fils vers une sorte de complicité cachée, qui en vient à nous émouvoir aux larmes. C'est dans les petits détails que se cache l'intelligence narrative des deux réalisateurs, à l'image de cette séquence en apparence loufoque dans laquelle le cameraman (véritable personnage invisible du film) affirme l'importance de filmer longuement les palettes de bois que manipule le père. Importance que l'on comprendra quelques scènes plus tard, et qui dira, plus que des effets appuyés et des dialogues pompeux, ce qui s'est joué dans ces moments du film.

Tout est de cet ordre, avec une propension systématique à faire rire sincèrement sur des éléments qui pourraient être tragiques, et notamment la communication impossible entre le personnage du père et celui du fils, que vient sans cesse renforcer la relation en apparence idyllique que le père a par ailleurs construit avec un fils de substitution. L'impossibilité du film, puisque les différents protagonistes ne cessent de se dérober, est également au centre de l'intrigue, le transformant aussi en une démarche cinématographique étrange, pleine d'interrogations sur la manière de capter l'invisible (le fossé entre les deux hommes), puis de mettre en scène les rouages subtils qui finissent par les rapprocher.

Frase d'arme de Federico Di Corato (Italie)


Frase d'arme fonctionne lui-aussi sur la base d'un dispositif scénaristique singulier : une adolescente, déjà considérée comme un "ancien espoir" de l'escrime, regarde inlassablement la cassette vidéo sur laquelle sont filmées ses compétitions et son quotidien, elles-mêmes enregistrées sur la vidéo qu'elle a tourné lorsqu'elle était petite, lors des dernières vacances familiales avant la séparation de ses parents. Cela donne à l'écran des bribes d'images dont la temporalité fluctue, et où affleurent à la fois l'espoir et la déception, l'insouciance du temps passé, les victoires et les défaites.

On est fasciné par cette existence qui se dévoile impudiquement à nos yeux en fonction des aléas de la bande magnétique, documentant aussi bien les temps forts de l'existence du personnage que les purs moments de creux ou d'attente. Cela donne un film presque insaisissable, ténu et fragile, qui joue habilement des effets techniques du format vidéo (lecture rapide, superposition des séquences), et nous donne l'impression étrange d'être un témoin extérieur occupé à déchiffrer la vie d'une autre dans toute sa complexité.

C'est aussi en filigrane une réflexion sur la mémoire, et sur la manière dont les images fixent les souvenirs, sans distinction entre bons et mauvais, nous donnant de nous une image figée dans le temps qui finit par ne plus du tout nous ressembler.

Gulyabani de Gürcan Keltek (Turquie)

L’œuvre qui nous a le plus impressionnés dans une compétition par ailleurs en demi-teinte, est un objet politique et poétique venu de Turquie. Gulyabani est un récit à la première personne, en voix off, dans lequel une femme raconte sa transformation en cet être de légende, le Gulyabani, capable de prédire l’avenir et de communiquer avec les esprits.

Fethiye Sessiz, voyante renommée d'Izmir dans les années 70-80, est au centre de ce documentaire expérimental qui s'appuie sur des extraits de lettres et de journaux intimes dans lesquels elle se remémore les grands étapes de sa vie. Mais le film s'abstrait peu à peu de cette première couche de narration, qui dit les abus, les mauvais traitements et la violence, pour sonder plus intimement les plaies béantes de la Turquie post-républicaine. Cet être entre deux mondes, qui dérive au milieu des souvenirs épars de son existence, c'est aussi l'allégorie d'un peuple réprimé et de milliers de jeunes gens torturés et tués par le régime.

Pour accompagner visuellement ce discours fort et radical, le réalisateur invente un langage cinématographique constitué de bribes, d'images saccadées, parfois floues, qui composent un univers où triomphe la nature (des reflets sur l'eau, la végétation qui envahit des ruines, des roches, des oiseaux qui chantent, des arbres...) et le langage cinématographique lui-même. De plus en plus rapides, les images se bousculent à l'écran, tournoient et s’entrechoquent, tandis que la musique s'intensifie lors d'une séquence finale à la limite de l'abstraction, qui est d'une beauté à couper le souffle.

Vivir alli no es el infierno, es el fuego des desierto. La plenitudo de la vida, que quedo ahi como un arbol de Javiera Véliz Fajardo (Chili)


Voilà un film qui a pour le moins décontenancé le public de Brive, à l'image de cette spectatrice qui ne se remettait pas d'assister à une succession de longs plans fixes contemplatifs sur une petite ville du désert chilien. Sans doute faut-il atteindre une certaine forme de lâcher-prise pour être envoûté par ce documentaire dépouillé qui dit tant, par la simple juxtaposition de ses scènes si simples, sur l'histoire d'un monde en train de disparaître.

La caméra, très à distance, un peu en hauteur, capte la vie quotidienne dans la petite ville de Totoral, dans le désert d'Atacama. Une vie qui tourne autour des chèvres, des rares oliviers et des dunes. Comme suspendue, d'où les longs fondues enchaînés qui tout à coup font apparaître le ciel au milieu du désert, ou les chèvres en surimpression sur le sable.

Un microcosme mouvant, soumis aux aléas de la nature, à commencer par le vent, que la réalisatrice Javiera Véliz Fajardo observe longuement jouer dans les arbres. C'est lui qui modèle à son gré le paysage, soufflant inlassablement sur les hommes et les choses. Lui aussi qui entraîne la modification du lieu, la disparition progressive des arbres, et celle, programmée, des derniers hommes à y vivre.

Cannes 2019: le Festival met Agnès Varda en pleine lumière

Posté par vincy, le 15 avril 2019

Flore Maquin / Festival de Cannes

L'image est extraite de La pointe courte. L'affiche rend hommage à Agnès Varda, en pleine lumière, récemment disparue. Le 72e Festival de Cannes s'approche et son visuel est ensoleillé. "Tout en haut. En équilibre. Juchée sur un technicien impassible. Accrochée à une caméra qui paraît l’absorber. Une jeune femme de 26 ans tourne son premier film." Voilà pour le storytelling. "Agnès Varda, l’œil posé sur la plage de Cannes, jeune et éternelle, sera le phare inspirant de la 72e édition !"

Le montage et la maquette ont été assurée par Flore Maquin. On reste dans l'esprit des dernières années, où Godard, avec Piccoli ou Belmondo et Karina étaient célébrés, où la lumière semblait estivale, entre le rouge Cardinale et le sépia Mastroianni. On a quitté les bleus pour des couleurs plus chaudes.

"Nous sommes en août 1954, quartier de la Pointe Courte à Sète. Dans la lumière éblouissante de l’été, Silvia Monfort et Philippe Noiret promènent leur amour fragile parmi les pêcheurs en lutte, les femmes affairées, les jeux des enfants et les errances des chats. Décors naturels, caméra légère, moyens dérisoires : Agnès Varda, photographe au TNP de Jean Vilar, jette avec La Pointe courte (présenté dans une salle de la rue d’Antibes à Cannes pendant le Festival 1955), les prémices d’un jeune cinéma dont elle sera la seule réalisatrice" explique le communiqué.

"Tel un manifeste, cette photo de plateau recèle déjà tout d’Agnès Varda : la passion, l’audace, l’espièglerie. Les ingrédients d’une recette d’artiste en liberté qu’elle enrichira sans cesse. Soixante-cinq ans de création et d’expérimentation, presque autant que le Festival de Cannes, qui célèbre chaque année des regards qui montrent, osent et s’élèvent. Et qui sait se souvenir" précise l'institution qui rend hommage à une pionnière, Palme d'or d'honneur et femme engagée.

Elle fut sélectionnée 13 fois à Cannes, membre du jury, présidente du jury de la Caméra d'or. En recevant la Palme d’honneur, en 2015, elle évoqua "la résistance et l’endurance, plus que l’honneur" et la dédia  "à tous les cinéastes inventifs et courageux, ceux qui créent un cinéma original, de fiction ou de documentaire, qui ne sont pas dans la lumière mais qui continuent."

BIFFF 2019 : Hellboy, le reboot raté de Neil Marshall

Posté par kristofy, le 15 avril 2019

Dans l’univers des super-héros (Superman, Batman, Wonder-woman…) et des héros moins super (Kick-ass, Deadpool, Shazam…) luttant pour le bien, il y en a un dont la naissance même vient du mal : Hellboy, le garçon de l’enfer. Son origine est connue et rappelée dans chaque histoire (qu’il s’agisse de la bande-dessinée ou d’une adaptation en film) : c’était un petit garçon mi-démon à l’apparence rouge d’un diable, issu d’une expérience ésotérique de nazis, qui, au lieu d’être tué, a été élevé par un homme travaillant dans le secret pour un Bureau Paranormal. Hellboy est maudit par la nature de son apparence mais doué d’une très grande force, et participe à diverses missions de lutte contre des créatures malfaisantes…

Hellboy, par Guillermo del Toro

Le mélange entre part d’humanité chez un monstre et part de monstruosité chez les humains, c’est tout l’univers de Guillermo del Toro. En toute logique, il a réalisé l’adaptation ciné Hellboy en 2004 suivi de Hellboy 2, les légions d'or maudites. Les deux films sont visuellement une belle réussite et les scénarios respectaient l’essence du personnage de la bande-dessinée : un diable au service des hommes mais condamné à une existence cachée des autres. Le point faible des films était en particulier les dialogues avec un humour adolescent et certaines situations du scénario où on était plutôt proche d’une ambiance Men in black : bref presque des contes grand-public. Réaliser un troisième épisode était difficile puisque le héros Hellboy et l’incendiaire Selma Blair allaient devenir parent et fonder une famille… Soit ce personnage n’apparaissait plus au cinéma, soit on en faisait un reboot en recommençant tout : nouvel acteur, nouveaux amis, nouvel univers avec une nouvelle équipe. Au revoir donc Guillermo del Toro et l’acteur Ron Perlman. En 2019 voici donc un nouveau Hellboy !

Le nouveau Hellboy, par Neil Marshall

Le Hellboy version Neil Marshall (qui sortira en France le 8 mai) est porté par l’acteur David Harbour (bien choisi, le shériff de la série Stranger Things). Ce nouveau film est basé sur diverses aventures de l’auteur Mike Mignola déjà dessinées (surtout The wild hunt et The stormand the fury). L’orientation principale est de dépasser justement le côté gentillet et amusant grand-public. Ce nouveau Hellboy n’est pas vraiment pour les enfants de moins de 16 ans : la principale différence est du côté des combats, plus nombreux, plus violents, avec cette fois du sang qui gicle. Neil Marshall connu pour avoir été très bon dans la peur en intérieur (Dog sodiers, The Descent) s’est depuis déchainé pour des grandes batailles épiques (Doomsday, Centurion, quelques épisodes de Game of Thrones), et c’est son expertise de grosse fantasy spectaculaire que l’on voit ici (sans aucune subtilité). Mais, comme on l'écrit dans notre critique, "Faire gicler du sang ici et là et offrir au spectateur un dilemme qui pourrait être résolu en moins d’une heure ne suffit pas".

On change de continent dans ce film puisque Hellboy est envoyé en mission en Angleterre. Une séquence d’introduction nous raconte même un lointain passé avec le roi Arthur, son épée Excalibur, Merlin qui avaient vaincu et découpé les membres de la maléfique Reine de sang Nimue. En fait, aidée de plusieurs géants, Nimue - Milla Jovovitch, toujours ensorceleuse, elle en fait parfois des caisses mais contre toute attente, cela fonctionne - revient à la vie en 2019 bien décidée à se venger en faisant surgir une horde de monstres pour détruire les humains… On nous racontait la même chose avec les pharaons dans les diverses Momies. Hellboy et ses nouveaux amis britanniques (forcément cosmopolites avec Sasha Lane et Daniel Dae Kim) auront fort à faire, ça va cogner et trancher sévère.

Un film bourrin qui fait flop

Durant les 121 minutes de films il y a tout de même quelques longueurs, des flashbacks malvenus et quelques séquences improbables (esprit mort qui sort d’une bouche de voyante, le personnage Baba Yaga) mais on en retient ses multiples combats. Ce nouveau film est particulièrement bruyant et tonitruant avec plusieurs séquences épiques (même la ville de Londres sera dévastée). Ce nouveau Hellboy est particulièrement bourrin, mais propose tout de même une part de légère nuance : « la réponse à une menace n’est pas forcément la destruction ».

Histoire sans intérêt, ratage complet, le film est devenu une catastrophe industrielle ce week-end aux Etats-Unis. Le budget de 50M$ sera difficilement amorti puisqu'en trois jours, le film, prévu pour prendre le leadership du box office, a finit 3e avec à peine 12M$ de recettes. Le premier avait rapporté 23M$ et sa suite 34M$. C'est dire l'échec.

BIFFF 2019 : l’Espagne a son super-héros avec SuperLopez

Posté par kristofy, le 15 avril 2019

Le réalisateur Javier Ruiz Caldera est populaire en Espagne, mais aussi à Bruxelles en tant que fidèle du BIFFF. Du côté françai,s on est un peu à la traine côté distribution de ses films (comme pour de nombreux cinéastes espagnols d’ailleurs). En 2003 le Festival était surpris par sa comédie fantômatique Ghost Graduation :  il y rempote le Grand Prix (ce qui est plutôt rares pour une comédie) doublé du Prix du Public. Il y est revenu en 2006 avec Spy Time qui lui a valu encore une fois le Prix du Public. Cette année, il est l’un des favoris, une fois de plus, avec son SuperLopez.

Sur une planète lointaine où règne un dictateur, deux scientifiques ont conçu un bébé avec des super pouvoirs qui pourrait être une arme pour le contrer. Pour le cacher, ils l'envoient vers la Terre. Le dictateur réplique en envoyant sa propre fille qui doit capturer et neutraliser ce bébé. Cependant la capsule du bébé est accidentellement déviée vers l’Espagne où elle tombe dans un petit village. Les Lopez, un couple de garagistes, vont adopter cet enfant un peu particulier. Voila pour l’ouverture du film, 30 ans plus tard, il est devenu un employé de bureau. Il cache ses quelques pouvoirs de rapidité et de force et voit débarquer une nouvelle collègue, qui lui plaisait à l’université. Un problème de métro sans frein l’incite à intervenir pour la première fois comme super-héros, et il est désormais repéré par ceux qui le cherchaient depuis longtemps…

Les première minutes du film SuperLopez évoque un peu Superman, puis on bascule très vite dans l’univers habituel et rigolo de Javier Ruiz Caldera : c’est encore une fois un anti-héros qui devient un héros presque malgré lui, avec les complications que ça engendre vis-à-vis de ses proches. L’acteur Dani Rovira incarne ce héros qui doit gérer une vie secrète (comme dans Ghost Graduation et Spy Time), Alexandra Jimenez hérite du rôle de la fiancée avec du caractère, et c’est la géniale Maribel Verdu qui joue ici la méchante (elle est aussi l’héroïne de Crime Wave au BIFFF). L’histoire s’amuse autant avec des quiproquos romantiques (il y a un triangle amoureux) qu’avec la figure d’un super-héros espagnol que personne n’imagine croyable ("il va combattre quoi, la ponctualité ?"), tandis que la planète même serait menacée…

Pour Javier Ruiz Caldera,  "Le film s’inspire de la bande-dessinée SuperLopez mais ne se veut pas être en compétition avec elle, ce n’est pas une traduction de la BD mais beaucoup plus une adaptation très libre du personnage. Dans la BD on le découvre quand il a déjà 30 ans, pour le film on a décidé avec mes scénaristes de commencer par sa naissance et son origine, on a totalement inventé un passé à ce personnage. On a glissé dans le film notre humour à propos de certains clichés de l’Espagne, et puis des choses qui me sont plutôt personnelles. Par exemple pendant un tournage ma mère me demande si j’ai assez mangé, certaines choses de la mère dans le film viennent de ma maman. Je me suis aussi demandé qui avait fait le costume de super-héros et c’est donc la mère de SuperLopez qui le lui a fait."


"On voulait surtout développer le personnage qui dévoile ses pouvoirs avec ses rapports à sa famille et à ses amis, sans porter l’accent sur une accumulation de scènes d’action. Evidemment, on n’avait pas le budget pour en faire des dizaines mais on a pu faire plusieurs grosses séquences d’action qui sont très spectaculaires et un peu drôles aussi. Il y a quelques plans qui sont un hommage direct au film Superman. Superman dans la vie c’est un peu un loser mais quand il met son costume et sa cape c’est un vrai super-héros, SuperLopez même avec le costume il reste un peu un loser. En Espagne SuperLopez a eu du succès et on a même gagné un Goya pour les effets spéciaux, ça m’a fait plaisir que ce film reçoive un Goya. » En remportant ce Goya, Lluís Rivera & Laura Pedro, c'est aussi la première fois qu'une femme superviseur des effets visuels est récompensée dans cette catégorie technique, à 28 ans.

A la dernière cérémonie des Goya (les César espagnols) SuperLopez avait reçu deux autres nominations (meilleur scénario adapté, meilleure direction artistique). Pour découvrir le film en France il faudra se tourner vers Netflix