Parfois, le cinéma peut aider à comprendre les événements qui nous entourent. Le documentaire est le genre qui s'approche le plus de la vérité historique. La fiction romance par définition, déforme par exigence narrative, mais reflète aussi les émotions et rappelle les faits tout en nous "transportant". Dans un petit ou un grand véhicule, si je peux me permettre la métaphore.

Les moines bouddhistes tibétains se battent pour que leur culture et leur langue résistent à l'invasion économique et démographique chinoise. Ce n'est pas une question d'indépendance frontralière. Cela fait logntemps que les grandes puissances, y compris l'Inde, se sont résignées à voir le territoire du Tibet au sein de la Chine. Le Tibet représente, par ailleurs, un enjeu stratégique et énergétique vital : défense naturelle contre l'Inde et le Pakistan, réservoir d'eau douce, source du Mékong et du Yang Tsé Kiang...

Il est urgent, évidemment, que le dialogue se fasse pour faire coexister pacifiquement les Tibétains et le reste de la Chine. Or, le danger est que les Tibétains, comme les Ouygours et les Tadjiks, soient "parqués" dans leur province sans possibilité d'émancipation, d'évolution, de progrès. Tandis que les trains amènent des Chinois pouvant prospérer, que le gouvernement finance des cache-misères (rénovation du patrimoine pour les touristes, construction de centre culturel folklorique), les peuples n'ont d'autres choix que de mourir dans l'extrême pauvreté ou se soulever violamment.

Le cinéma occidental s'est penché quelques fois sur les origines de ce Tibet "maoisé". Avec Brad Pitt dans 7 ans au Tibet. Avec le somptrueux Kundun de Martin Scorsese, véritable opéra sur une musique de Philip Glass. Il y a aussi le documentaire Ce qu'il reste de nous, des canadiens François Prévost et Hugo Latulippe. Bref on est loin de l'abominable homme des neiges et de Tintin au Tibet...

Dernière journée du festival 7^ème Rencontres avec le cinéma d’Amérique Latine et de la Caraïbe pour Ecrannoir. Premier film de fiction. Sortie en décembre 2007 sur les écrans français, L’année où mes parents sont partis en vacances raconte, non sans tendresse, le parcours initiatique d’un jeune adolescent brésilien abandonné dans la ville de Sao Paulo par des parents contraints de fuir précipitamment l’oppression militaire d’un régime dictatorial. Nous sommes en 1970. La coupe du monde de football se rapproche et le Brésil retient son souffle. Une de ses plus belles équipes s’apprête à écrire l’histoire et rythmera les aventures de cet enfant livré à lui-même.

Cao Hamburger signe un film intimiste, tout en retenu, dans la fraîcheur oppressante d’une vie bouleversée par le contexte sociopolitique d’un pays en crise. Convenu dans son traitement, le réalisateur soigne son écriture pour aborder les différents sujets traités – vie dans un quartier de Sao Paulo, communauté juive, coupe du monde de football, émancipation du jeune garçon, réalité politique – entre légèreté et gravité. Si l’aspect politique n’est pas abordé frontalement, cette dimension reste néanmoins palpable dans ce nouvel environnement, au départ tendu, mais que le jeune adolescent devra apprivoiser. Et c’est sans doute la plus grande réussite de ce petit film sans prétention qui transpose parfaitement la confrontation d’un garçon de 12 ans dans un monde sans repère qui ne fonctionne plus comme prévu. Entre le décès de son grand-père, la relation avec son voisin de palier (vieux monsieur de confession juive) et les liens d’amitiés qu’il tisse avec les habitants du quartier, le film capte dans le silence des craintes et des joies éphémères, la pesanteur d’une société qui s’autorise encore à vivre, à espérer, à aimer.

Si l’enchaînement des situations et autres évènements reste convenu jusqu’au dénouement classique d’un film évitant habilement tout pathos, la relation qu’entretient le garçon avec les différents personnages nous touche sincèrement. A la fois drôle et pudique, L’année où mes parents sont partis en vacances est un écho profond au Brésil de Pelé dans sa ferveur populaire et son amour de la liberté.

La remise des prix du Festival des scénaristes de Bourges a récompensé essentiellement deux jeunes auteurs, qui se sont partagés toutes les récompenses, par trois jurys distincts. Deux scénarii écrits en 48 heures autour du thème de l'obésité. "24 heures dans la vie d'un gros." Le grand prix, Agathe Colbert n'épargnera personne (ou presque), de Sandrine Chauvin, est une histoire relativement classique d'une femme pondéralement surchargée, guichetière dans une banque et aux goûts douteux pour les chemises. L'écriture est fluide même si rien ne surprend vraiment dans cette petite chronique de la vie ordinaire, qui égratigne au passage cette société de consommation et d'apparences. Lorsque les (formidables) comédiens de l'Adami le lisent, on s'imagine ce qu'une telle histoire de personnage complexé pourrait donner entre les mains des Frères Coen ou de Jean-Pierre Jeunet...

L'autre scénario est beaucoup plus audacieux. Comme un plume, d'Aymeric Fromentin, traite de la perception du poids (ce qui visuellement donnerait l'inverse du film des frères Farrelly, L'amour extra-large) et ses dialogues sont parfois proches de Audiard. Peut-être trop référencé mais indéniablement subtil et bien trouvé, surtout dans des conditions créatives extrêmes. On faisait remarquer à l'aspirant scénariste qu'il avait des petits yeux. "C'est pas seulement à cause du marathon." Ce jeune homme a un sens inné de la réplique.

Les deux repartent avec un encrier en cristal de Baccarat. Un "Mathias" du nom du designer. Attention, ça casse...

Démarré le 27 mars avec la projection de The Eye, remake du film des frères Pang réalisé par les français David Moreau et Xavier Palud, le BIFFF (le festival international du film fantastique de Bruxelles) n’a réellement entamé les hostilités que le vendredi avec la projection du film culte et maudit de Michael Mann La forteresse noire (The keep).

25 ans après sa sortie, cet ofni porté par les synthétiseurs de Tangerine dream et les costumes d’Enki Bilal est toujours aussi fascinant esthétiquement et plastiquement. Mann y développe son goût pour une stylisation extrême que l’on retrouvera dans Heat ou Miami Vice. Cette projection événementielle aura été accompagnée de la présence du grand Jürgen Prochnow, connu pour ses rôles dans Das Boot et Dune. Une journée hommage donc pour un film méconnu du grand public.

Outre le dernier film d’un des frères Pang, The detective, énième polar poisseux aux tics agaçants, et le très décevant Crimes à Oxford d’Alex de la Iglesia, qui, malgré une élégance évidente, n’arrive pas à masquer le manque de rythme de ce thriller mathématique et hitchcockien, ce vendredi fut aussi marqué par la projection de l’ultime opus du maître des zombie, Georges Romero, avec son Diary of the dead. Etant le seul à utiliser si brillamment la figure du zombie comme métaphore de la société et du monde, depuis La nuit des morts-vivants il attaqua le racisme, l’individualisme, la société de consommation, les manipulations militaires et enfin le capitalisme conservateur, il met cette fois-ci en scène son monstre préféré pour fustiger le médias. Romero is back ! Nous y reviendrons plus en détails lors de sa sortie en juin.

Nos amis belges préférant une programmation semi-diurne, les séances du BIFFF ne commencent jamais avant 16h !, le samedi est toujours l’occasion d’offrir une nuit spéciale se terminant aux aurores entre pupilles dilatées des fans du genre et sourires de geeks. Cette année la nuit fantastique proposa deux petits bijoux et deux ratages. Passons donc sur Black water et The house, respectivement film de crocodiles et maison hantée, pour jubiler sur le frenchy A l’intérieur, délire généreusement gore où la ténébreuse Béatrice Dalle utilisera tous les moyens pour récupérer un enfant qui n’est pas encore sorti du ventre de la mère porteuse. Sans concession, ce film hexagonal de par son caractère radical est à rapprocher du Frontière(s) de Xavier Gens. Enfin la perle de la soirée se nomme REC, dernier chef d’œuvre de Balaguero et Plaza, qui, comme le Romero utilise le point de vue subjectif de la caméra pour immerger le spectateur dans une fiction attaquant notre société du spectacle et du voyeurisme.

En revanche peu de choses à se mettre sous la dent en ce dimanche excepté le petit dernier du réalisateur de The descent, Neil Marshall, Doomsday, film post-apocalyptique entre Absolom 2022 et Mad Max. Amusant, mais très loin de son précédant film féminin et souterrain.

Le reste de la semaine s’annonce chargé entre le nouveau Dario Argento, celui de Stuart Gordon, le Tarsem Singh et la journée de japanimation. Sans compter comme d’habitude l’ambiance survoltée de Tours et Taxis.